25.4.17

Arica's modern architecture / La arquitectura moderna de Arica

Servicios Públicos

#aricaarchitecture #modernarchitecture #serviciospublicos

Una publicación compartida de Claudio Galeno (@claudiogalenium) el



Edificios Golfito

#golfito #modernarchitecture #aricaarchitecture #housing #ovniarchitecture

Una publicación compartida de Claudio Galeno (@claudiogalenium) el



Edificio Lastarria

#edificiolastarria #modernarchitecture #aricaarchitecture

Una publicación compartida de Claudio Galeno (@claudiogalenium) el



Estadio Carlos Dittborn

#estadiocarlosdittborn #brescianivaldescastillohuidobro #aricaarchitecture #modernarchitecture

Una publicación compartida de Claudio Galeno (@claudiogalenium) el



Piscina Olímpica

#piscinaolimpica #aricaarchitecture

Una publicación compartida de Claudio Galeno (@claudiogalenium) el



#piscinaolimpica #aricaarchitecture

Una publicación compartida de Claudio Galeno (@claudiogalenium) el



#piscinaolimpica #aricaarchitecture

Una publicación compartida de Claudio Galeno (@claudiogalenium) el



Terminal Rodoviario

#terminalrodoviario #aricaarchitecture

Una publicación compartida de Claudio Galeno (@claudiogalenium) el



Campus Velásquez

#campusvelasquez #celosia #brisesoleil #concrete #brutalism #mauriciodespouy #aricaarchitecture #modernarchitecture

Una publicación compartida de Claudio Galeno (@claudiogalenium) el



Edificio Sacor

#edificiosacor #aricaarchitecture #modernarchitecture

Una publicación compartida de Claudio Galeno (@claudiogalenium) el



Colectivos Yungay

#modernarchitecture #aricaarchitecture #colectivosyungay #constructoraedmundoperez #ricardopulgar

Una publicación compartida de Claudio Galeno (@claudiogalenium) el



#colectivosyungay #ricardopulgar #modernarchitecture #aricaarchitecture #celosia #espaciointermedio #escaleras #staircase

Una publicación compartida de Claudio Galeno (@claudiogalenium) el



Conjunto Habitacional Estadio o Población Arica

#aricaarchitecture #modernarchitecture #brescianivaldescastillohuidobro #brutalism

Una publicación compartida de Claudio Galeno (@claudiogalenium) el



#aricaarchitecture #modernarchitecture #brescianivaldescastillohuidobro #brutalism

Una publicación compartida de Claudio Galeno (@claudiogalenium) el



24.4.17

Prohiben manifestación popular que buscaba suprimir eI baño obligatorio

Vía El Mercurio de Antofagasta.

Por Isidro Morales Castillo.

Malestar provocó en sectores populares de Antofagasta la decisión de la Intendencia Provincial de prohibir la manifestación pública organizada para exigir la supresión del baño obligatorio en la época de invierno, para los individuos que reciben auxilios fiscales. La medida impuesta por la autoridad sanitaria tenía por finalidad combatir la mortalidad atribuible al tifus exantemático y, en mayor medida, a la tuberculosis.

De acuerdo a informes de la prensa local de comienzos de abril de 1933, la frustrada protesta consideraba una marcha por las principales calles con banda de músicos y banderas. "El Abecé", que criticaba la actitud de los obreros, consideraba un error que éstos usaran "las cuestiones de higiene como arma de propaganda", alabando, a la vez, la determinación del Intendente de no permitir la manifestación ya que "habría sido una exhibición muy triste, que seguramente nos tendría a estas horas bajo una andanada de sátiras y burlas muy merecidas".

El matutino aseguraba que el "baño diario no hace mal a nadie. La desinfección de ropas, por la cual también se protesta, alegando que las calorías empleadas destruyen las prendas, tampoco debe ser suprimida. Lo único sensible en esta región es que la Municipalidad no se haya preocupado de instalar casas de baños gratuitas en todos los barrios, para habituar a las gentes a ir espontáneamente a asearse todos los días, y que la desinfección de ropas y viviendas no sea un hábito constante".

Pero no sólo preocupaba a parte de la prensa antofagastina la actitud de los obreros, también la situación de las oficinas públicas convertidas en focos de infección tuberculosa, culpando de la situación al descuido e indiferencia de las jefaturas centrales, pero también a la temeridad de los empleados, "a quienes nada importa desafiar el peligro, que se ha convertido en una especie de antesala de la tumba, donde la muerte acecha sin cesar a los más débiles para sepultarlos en ella después de prolongada agonía".

"El Abecé" aseguró que la Caja Nacional de Ahorros (situada en calle Sucre) era la institución pública donde mayores y más profundas raíces echó el mal y donde hubo numerosas víctimas. Este medio de comunicación sugería el cierre de la Caja y la suspensión de todas las operaciones por algunos días, "los suficientes para que el Desinfectorio Público pudiera efectuar una desinfección prolija y prolongada del local, papeles, libros, muebles y otros útiles, pues es de suponer que todos están contagiados". Situación similar se presentaba en la Aduana y en el local de una notaría.

Asimismo, consideró necesaria una campaña vigorosa para "crear en el pueblo hábitos de limpieza como un medio de conseguir su elevación moral. Es una cosa probada que el individuo que se acostumbra a cuidar de su persona en materia de higiene y presentación, se acostumbra también a pensar con limpieza. Basta para ello recordar el efecto benéfico de las filarmónicas pampinas, donde los trabajadores, obligados por la presencia femenina a cuidar de su presentación, adquieren hábitos correctos y, lo que es mejor, un sincero anhelo de mejorar su cultura".

La tuberculosis (TBC), enfermedad de origen bacteriana contagiosa, que se propaga por el aire de una persona a otra y que afecta principalmente a los pulmones, produjo decenas de víctimas fatales en la ciudad. El Bacilo de Koch, culpable de la "peste blanca", originó cifras pavorosas de morbilidad y mortalidad en Chile, "las mayores del mundo", según el Dr. Sotero del Río, quien estimaba que en 1935 esta enfermedad fue responsable de unas 15 mil muertes en el país.

Según parámetros internacionales, desde 2000 la incidencia anual de tuberculosis en el país está en el rango de eliminación de la enfermedad, o sea, menos de 20 casos por 100 mil habitantes.

*Isidro Morales es académico Escuela de Periodismo Universidad Católica del Norte (UCN) y Magíster en Ciencias Sociales.

22.4.17

Un Geoglifo Antropomorfo en Chile [o recintos arqueológicos en Tarapacá y Antofagasta]

Vía La Entrada Secreta.

"La entrada secreta" recupera otro documento interesante de su archivo, un pequeño artículo publicado en la revista Cuarta Dimensión en agosto de 1974:

Por Daniel Rodríguez Luján



1. Valle de Tafí
Durante mi estadía en Chile, en Febrero del presente año [1974], tuve la oportunidad de leer la Revista Geográfica de Chile, en su número 21, en la que se comentaba que durante un reconocimiento aéreo, realizado en el Valle de Tafí, fueron descubiertas un gran número de ruinas de forma circular el modo de pircas de piedra de unos 50 centímetros de alto, las que por sus características pareciesen pertenecer a la misma época que las ruinas de Guatacombo, la famosa “Ciudad Perdida” descubierta en 1961 en la Provincia de Tarapacá del hermano país.

2. Ruinas de Guatacombo [Huatacondo]
Durante el año mencionado en el curso de vuelo de reconocimiento geológico en helicóptero, el Sr. James Kieghlev, de la Asociación Martin Kykes, halló un importante sitio arqueológico en pleno desierto de Atacama, fotografiándolo desde el aire. Posteriormente el geólogo Jefe de la Chile Exploration de Chuquicamata, Dr. Robert Hamilton y el ingeniero Emil de Bruyne, llevaron a cabo trabajos de investigación en dicha área con aviones del Club Aéreo llegando a la conclusión que en la Quebrada de Guatacombo existieron civilizaciones de un desarrollo agrícola, quedando sus huellas bajo el polvo del desierto por muchos siglos, por lo que pasaron desapercibidos para todos los seres humanos.

La ubicación de este yacimiento arqueológico está al este noreste de Quillagua, latitud 20° 59′ Sur y longitud 69° 10′ Oeste, en medio del desierto más estéril del norte de Chile.

3. Gigante de Atacama
En esta desolada tierra se encuentra un geoglifo antropomorfo, que extendido sobre el suelo alcanza una extensión de casi 100 metros y cabe mencionar que en la actualidad no existe camino alguno que permita el acceso a tan enorme figura, sólo visible desde el aire.

La publicación de la Revista Geográfica señala que en las laderas de las colinas de la zona, hay más geoglifos que serán estudiados en un futuro no muy lejano.

La figura de la conformación antropomórfica está hecha con rocas producto de rodados de brecha volcánica, consistente en material de acarreo. La superficie de estas rocas se presenta cubierta de un barniz del desierto, debido a su larga exposición a la acción de fuertes vientos cargados con arena. Con estas mismas características se muestran las áreas arqueológicas de Guatacombo, las cuales se hallan totalmente cubiertas de terrazas de cultivo que ocupan grandes extensiones a lo largo de la Pampa del Tamarugal.

Los dibujos trazados en los faldeos de las laderas cordilleranas se suponen los obtenían removiendo y ordenando las piedras sueltas, dándole formas diferentes, en algunos casos geométricas, en el lugar hay nada menos que 200 de dichas características.

4. centro ceremonial del Licancabur
En un vuelo efectuado sobre el cráter del volcán Licancabur, en las cercanías de San Pedro de Atacama, se pudo detectar con mucha claridad unas ruinas arqueológicas, tal vez las de mayor altura en todo el mundo, 6.000 metros aproximadamente.

El Reverendo Padre Le Paige fue el primero que exploró dichos contextos comentando que quizás se tratase de un adoratorio de los antiguos atacameños.

3.4.17

Colectivo Chollín, Puchoco, Schwager, Coronel

El monumental Colectivo Chollín sorprende por sus circulaciones en rampas así como por sus dimensiones y la organización en bloques articulados por un cuerpo central que recuerda a los proyectos suprematistas de Leonidov.



#colectivosobreros #colectivochollin #modernarchitecture #rampas

Una publicación compartida de Claudio Galeno (@claudiogalenium) el



#colectivosobreros #colectivochollin #schwager #modernarchitecture #rampas

Una publicación compartida de Claudio Galeno (@claudiogalenium) el



#colectivochollin #colectivosobreros #schwager #modernarchitecture

Una publicación compartida de Claudio Galeno (@claudiogalenium) el



#colectivochollin #schwager #modernarchitecture

Una publicación compartida de Claudio Galeno (@claudiogalenium) el



#colectivochollin #modernarchitecture #schwager

Una publicación compartida de Claudio Galeno (@claudiogalenium) el



#colectivochollin #modernarchitecture #cobogo #celosia #brisesoleil #schwager

Una publicación compartida de Claudio Galeno (@claudiogalenium) el


Comienza operaciones la primera planta geotérmica de Sudamérica en el Desierto de Atacama

Vía BíobioChile.

Publicado por Leonardo Casas



La primera planta geotérmica de Sudamérica, Cerro Pabellón, construida por Enel Green Power Chile Ltda, filial chilena para energías renovables del Grupo Enel, y la empresa estatal de hidrocarburos Empresa Nacional del Petróleo (ENAP), comenzó a suministrar electricidad al Sistema Interconectado del Norte Grande (SING) que sirve al norte de Chile.

Cerro Pabellón, de 48 MW, está ubicada en Ollagüe, región de Antofagasta, a 4.500 metros sobre el nivel del mar en el Desierto de Atacama, y es la primera planta geotérmica de alta entalpía a gran escala en el mundo construida a tal altura. La instalación está compuesta por dos unidades de una potencia instalada bruta de 24 MW cada una y es propiedad de Geotérmica del Norte S.A. (GDN), una empresa conjunta controlada por EGPC (81,7%) y en la que participa ENAP (18,3%).

“Que Cerro Pabellón comience a generar electricidad es un hito muy importante para nosotros en Chile”, dijo Guido Cappetti, Gerente General de GDN. “Hemos podido aprovechar parte del enorme potencial geotérmico de Chile, fortaleciendo el compromiso de Enel y Enap con la diversificación de la matriz de generación chilena a través de una nueva fuente de energía renovable”, agregó.

Una vez que esté en pleno funcionamiento, la planta será capaz de producir alrededor de 340 GWh al año, lo que equivale a las necesidades de consumo de más de 165.000 hogares chilenos, evitando la emisión anual a la atmósfera de más de 166.000 toneladas de CO2.

Cerro Pabellón incorpora tecnología geotérmica avanzada, adecuada a las condiciones extremas de un área marcada por elevada oscilación térmica y gran altitud geográfica. Para generar energía, la planta extrae el fluido geotérmico del yacimiento encontrado durante la fase de exploración del proyecto, y una vez que el fluido ha completado la generación de electricidad, se inyecta de nuevo en el reservorio, garantizando la sostenibilidad a largo plazo del recurso, sostiene la compañía.

John Hejduk Works/Jan Palach Memorial, March 29 - April 29, 2017

Vía Arquitectura Viva / The Cooper Union.


Jan Palach Memorial: House of the Suicide/ House of the Mother of the Suicide, 1991. Construction of elements from the “Lancaster/Hanover Masque” at Prague Castle, Prague, Czechoslovakia. (Courtesy Hélène Binet)

Through an exhibition and an installation, The Irwin S. Chanin School of Architecture proudly celebrates the work of 1950 Cooper Union graduate, architect and Dean Emeritus, John Q. Hejduk.

The exhibition Hélène Binet – John Hejduk Works will present seven of Hejduk’s built works as photographed by Hélène Binet, a renowned London-based photographer who was Hejduk’s photographer of record. Binet’s photographs of both permanent and temporary structures will be presented, including the Berlin Tower, Wall House 2, The Collapse of Time, Security and Object/Subject. The exhibition will also include a chronology of the numerous realizations of Hejduk’s design for the Jan Palach Memorial, which was permanently installed in Prague in 2016. Comprised of two structures – House of the Suicide and House of the Mother of the Suicide – this work honors the Czech activist and dissident Jan Palach, whose self-immolation in protest of the Soviet invasion of Czechoslovakia in 1968 served as a galvanizing force against the communist government then in power.

As a companion to the interior installation, the School of Architecture will install the Jan Palach Memorial on the plaza outside The Cooper Union’s Foundation Building. These structures, first constructed at the Georgia Institute of Technology in Atlanta in 1990, represent an architectural manifestation of a powerful socio-political act, the ultimate personal sacrifice at a critical moment in the ongoing global struggle for individual freedom against autocracy and centralized control.

A Fellow of the American Institute of Architects and of the Royal Society of Arts, Hejduk began teaching at The Irwin S. Chanin School of Architecture in 1964, and became the Head of the Department of Architecture in 1965. In 1975, when the School of Architecture became one of the three autonomous degree-granting divisions of The Cooper Union, he was named Dean and Professor of the School of Architecture. He served as dean until his retirement in 2000. His work has been exhibited in London, Amsterdam, Paris, Athens, Milan, Oslo, Berlin, Montreal, Philadelphia, Atlanta, Chicago, Boston, Helsinki, Zurich, Prague, Rotterdam, Briey-en-Foret and Montreal. Individual structures from his masque projects have been built at the University of the Arts (Philadelphia), The Oslo School of Architecture (Norway), Georgia Institute of Technology (Atlanta), the Architectural Association (London), the Prague Castle and Jan Palach Square (Czech and Slovak Federal Republic), the City of Groningen (Holland), near Madison Square Park (New York City), Slussen Stockholm (Sweden), Buenos Aires (Argentina) and at the Universitat Politécnia de Catalunya (Spain). His interior renovation of The Cooper Union’s Foundation Building is one of his most significant built projects. Numerous publications of his work have been printed in both the United States and internationally.

Binet, who works exclusively with film, is one of the world’s leading architectural photographers, documenting both contemporary – often from construction through completion – and historic architecture. In addition to Hejduk, she has photographed works by architects such as Alvar Aalto, Raoul Bunschoten, Daniel Libeskind, Peter Zumthor, Zaha Hadid, Le Corbusier, Sverre Fehn, Andrea Palladio, and many others. Her work has been published in a wide range of books, and shown in both national and international exhibitions, including the Venice Biennale.

Hélène Binet – John Hejduk Works
March 29 – April 29 2017
Arthur A. Houghton Jr. Gallery

John Hejduk – Jan Palach Memorial
March 29 – June 11 2017
Foundation Building Exterior

Opening Reception
Wednesday, March 29, 7:00pm

Gallery Hours: Tuesday – Friday 2pm-7pm, Saturday and Sunday 12pm-7pm
Closed Sunday, April 16
Arthur A. Houghton Jr. Gallery
The Cooper Union 7 East 7th Street 2nd Floor New York NY 10003

In conjunction with the exhibition, a screening of the film The Burning Bush, by director Agnieszka Holland, will take place in Cooper Union’s Rose Auditorium on Sunday, April 2.

The Jan Palach Memorial installation is presented in conjunction with the New York City Department of Transportation’s Art Program.



Located in the Arthur A. Houghton Jr. Gallery, 7 East 7th Street, 2nd Floor, between Third and Fourth Avenues

28.3.17

La ruta del barroco andino

Vía El País Semanal

Por Fernando Iwasaki

Enclaves incaicos como el Machu Picchu representan la cara más conocida del turismo en el área de Cuzco. Desde el Museo Hilario Mendívil hasta el Centro de Restauración de Tipón, existen fascinantes alternativas para aproximarse a la historia social y cultural de Perú.


Retablo mayor de la iglesia de San Juan Bautista de Huaro. Daniel Mordzinski

El viajero que llega a Cuzco suele tener como prioridad visitar Machu Picchu y otros enclaves incaicos como Pisac, Ollantaytambo y Sacsayhuamán. Sin embargo, existen otros itinerarios menos conocidos e igualmente fascinantes que, sin salir del área de Cuzco, le ofrecen al visitante la posibilidad de comprender la historia social y cultural de Perú. Los puntos de partida podrían ser el Museo Hilario Mendívil o el taller del maestro Vidal Rojas (ambos en el barrio artesano de San Blas), la catedral de Cuzco y la iglesia de La Compañía, o cualquiera de los centros que poseen lienzos del pintor Diego Quispe Tito (1611-1681), pues si alguien quisiera conocer el proceso de mestizaje cultural operado en los Andes, disfrutará recorriendo la Ruta del Barroco Andino a través de Huaro, Andahuaylillas y Canincunca, entre otros lugares alejados de los clásicos circuitos cuzqueños como Urcos, Acomayo, Tinta y Checacupe.

A mediados del siglo XVI dos jóvenes cuzqueños arribaron a España. Uno de ellos –el Inca Garcilaso de la Vega– se avecindó en Montilla y se convirtió en el primer escritor americano; el segundo regresó a Cuzco tras formarse como pintor en Andalucía, mas tuvo que competir con los primeros artistas europeos que fueron al virreinato peruano y de su obra plástica no ha quedado nada. Con todo, Pedro Santángel de Florencia (circa 1540-circa 1590) –hijo de una india noble y un conquistador italiano judeoconverso– fue el primer pintor mestizo de Cuzco y no sería descabellado suponer que buena parte de su trabajo se concentrara en las poblaciones que hoy forman parte de la Ruta del Barroco Andino y cuyo origen fueron las reducciones o pueblos de indios construidos a partir de 1570.

Andahuaylillas se encuentra a unos 45 kilómetros de Cuzco y su iglesia mayor atesora lienzos y pinturas murales que narran la historia sagrada y explican los dogmas a través de imágenes, siguiendo la política de evangelización visual que estableció el Concilio de Trento. Huaro es otro de los puntos esenciales de la ruta, con el aliciente de que conocemos el nombre del artista cuzqueño que pintó los fastuosos murales de Las postrimerías. Se trata de Tadeo Escalante (hacia 1770-hacia 1840), un pintor que tuvo que trabajar bajo la represión desatada por la gran rebelión de Túpac Amaru II y que pobló los muros de los molinos de Acomayo con escenas del Génesis y del origen de los incas. En Urcos, Canincunca, Tinta, Checacupe y otras parroquias, advertimos el mismo esplendor de frescos y murales, esos catecismos ilustrados que la Contrarreforma desplegó en los Andes como un power point barroco.

El símil digital es un hallazgo del jesuita Carlos Silva, párroco de Huaro, Andahuaylillas, Canincunca y otros pueblos de la zona, quien se siente un privilegiado por ejercer su ministerio en aquellos santuarios artísticos y culturales. Carlos sabe que cada centímetro cuadrado de los muros de sus templos forma parte de una compleja cartografía barroca y así exhorta al visitante a contemplar la policromía estrellada de cada una de sus iglesias, porque se trata de genuinas representaciones cosmológicas de la bóveda celeste, esa esfera que al girar producía música y que la teología barroca asoció a los coros celestiales. Precisamente, uno de los primeros párrocos de Andahuaylillas –Juan Pérez Bocanegra– no solo encargó los murales y los lienzos de la iglesia, sino que además compuso el Hanaq pachap kusikuynin, primera obra polifónica de América escrita íntegramente en quechua e incluida en su manual Ritual formulario e institución de curas (1631). Hoy es habitual que agrupaciones corales de Roma, Viena o París incluyan el Hanaq pachap kusikuynin en su repertorio, pero en Andahuaylillas uno se conmueve imaginando que el órgano, las pinturas y los majestuosos pisonayes (un tipo de árbol andino) que rodean la plaza ya estaban allí cuando el Hanaq pachap kusikuynin se cantó por primera vez.

En Huaro destaca de manera especial el mural de Las penas del infierno, pintado por Tadeo Escalante mientras rompía el siglo XIX. Se trata de una de las representaciones esenciales de la Contrarreforma y al mismo tiempo de un motivo de larga trayectoria en la historia de la pintura cuzqueña. El jesuita italiano Bernardo Bitti (1548-1610) pintó la escena infernal primaria entre 1593 y 1595 y, aunque hoy está perdida, influyó sobre todas las representaciones posteriores, ya que en 1675 Diego Quispe Tito pintó un Juicio final cuya impronta es plausible en Las penas del infierno, de Tadeo Escalante. A lo largo del siglo XVIII se pintaron numerosos lienzos con la misma iconografía, como pudimos apreciar en el Centro de Restauración de Tipón, donde los especialistas cuzqueños restauraban una tela que mostraba un infierno a caballo entre el de Quispe Tito y el de Tadeo Escalante. La escritora cuzqueña Karina Pacheco Medrano fue quien gestionó nuestra visita a los talleres de conservación de pintura y escultura más sofisticados de América del Sur.

El Centro de Restauración de Tipón pertenece al Ministerio de Cultura de Perú y sus instalaciones se encuentran en la antigua casa hacienda del marqués de Valleumbroso. Ahí es posible comprobar cómo la pasta de maguey que utilizaron los escultores cuzqueños coloniales sigue siendo la materia prima de imagineros contemporáneos como el maestro Vidal Rojas, último miembro de una familia de artesanos que ha modelado las máscaras de los danzantes de todas las comunidades de Cuzco, Apurímac y Puno, con las mismas técnicas de los estatuarios indígenas de los siglos XVI y XVII. Y pensar que los hijos del maestro Rojas quizá cierren el taller que ha permitido que varias generaciones de cuzqueños enmascarados bailen desvariados.

¿Por qué los más jóvenes de esos linajes de artistas abandonan el trabajo que tanto ha prestigiado a sus familias durante décadas? El jesuita Carlos Silva lo tiene clarísimo: porque de nada sirve que Cuzco sea un emporio turístico si eso no vale para reducir las desigualdades y acabar con la miseria. De ahí que la Ruta del Barroco sea gestionada por una asociación –SEMPA– que invierte sus recursos en bibliotecas, talleres infantiles, conciliación familiar, defensa de la mujer y comedores populares. Sin esos fundamentos esenciales, los pobladores de Huaro, Canincunca o Andahuaylillas no estarían en condiciones de valorar su inmensa riqueza patrimonial. Por eso el sueño de Carlos Silva sería crear para la Ruta del Barroco una gran comunidad artística de lutieres, pintores, músicos, artesanos y un coro que le recuerde al mundo el origen del Hanaq pachap kusikuynin.

El interés por la pintura colonial cuzqueña vive un momento de esplendor, como lo demuestra la gran exposición que le ha dedicado el Museo de Arte de Lima (MALI) –comisariada por Luis Eduardo Wuffarden y Ricardo Kusunoki–, donde por primera vez se ha procurado mostrar la continuidad de aquella singular expresión plástica andina, desde el siglo XVI hasta nuestros días, porque la vieja capital de los incas fue una encrucijada artística donde los últimos manieristas italianos le enseñaron a los indios a copiar los paisajes de las estampas flamencas, mientras el cuzqueño Pedro Santángel reproducía por los pueblos de los alrededores de Cuzco las iconografías que había contemplado en los talleres andaluces. Durante años se creyó que Santángel era italiano, pero Wuffarden y Kusunoki han demostrado que fue un mestizo cuzqueño, abriendo así una línea extraordinaria para la investigación por archivos de Perú y España.

En realidad, todos los caminos del Barroco también conducen a Cuzco, porque en este 2017 que Sevilla recuerda a Bartolomé Esteban Murillo, en el MALI se exhibe un lienzo del maestro sevillano y en Andahuaylillas se conserva una Asunción de la Virgen pintada en el taller de Murillo. Una Virgen sevillana que sube al cielo estrellado de Cuzco, porque Hanaq pachap kusikuynin significa alegría del cielo, como las bóvedas floridas de los artesonados de Huaro, Cunicunca y Andahuaylillas, irisadas de galaxias.

Fernando Iwasaki
Escritor, crítico e historiador nacido en Lima en 1961, en el seno de una familia con raíces japonesas. Fue profesor de Historia en su país natal hasta que en 1989 empezó una nueva vida en Sevilla, donde dirigió la revista literaria ‘Renacimiento’. En la actualidad es profesor de la Universidad Loyola Andalucía. Cuenta, además, con una amplia obra literaria.

26.3.17

La desconocida ruta del arte abstracto en Chile sale a la luz

Vía La Tercera.

Por Denisse Espinoza A.

El Centro Cultural La Moneda exhibe La revolución de las formas: 60 años de arte abstracto en Chile, una muestra que reivindica la obra de más de 40 artistas fascinados por el espacio, la forma y el color.


Desintegración en el espacio (1961), de Elsa Bolívar (1930), obra MAC

Candidata eterna al Premio Nacional de Arte, Matilde Pérez fue una de esas artistas que dedicó su vida a una obra personal, alejada totalmente de las convenciones, modas y cánones del arte. Se intuía que su perseverancia y talento -que la hicieron pionera del arte cinético en el país- merecían un reconocimiento mayor; sin embargo, en 2014 murió a los 94 años, sin recibir el galardón estatal. En los últimos años, eso sí, gozó de una inesperada valoración internacional que se vio enmarcada por el auge que experimentó el arte abstracto geométrico alrededor del mundo. En 2007, la obra de Pérez llegó al Museo Reina Sofía de Madrid, en 2010 tuvo una retrospectiva itinerante en París, Berlín y Sicilia, y en 2012 la Feria Pinta de Londres le rindió un homenaje. Fueron los últimos destellos de una artista que en su época de mayor producción, entre los años 50 y 60, no fue reconocida por el medio chileno.

Tras la figura de Matilde Pérez, hay una larga lista de creadores que como ella cultivaron una fascinación por el espacio, las formas y el color, en tiempos en que la figuración y la representación de la realidad eran aún lo que primaba en las Escuelas de Arte. Artistas como Ramón Vergara Grez (1923-2012), Gustavo Poblete (1915-2005), Elsa Bolívar (1930), Claudio Girola (1923-1994), Ennio Iommi (1926-2013), Carmen Piemonte (1930) e Ivan Vial (1928-2016) fueron los exponentes de un movimiento que tuvo, en términos de mercado y coleccionismo, poca influencia, y que hoy es destacada en la muestra La revolución de las formas: 60 años de arte abstracto en Chile que se inauguró esta semana en el Centro Cultural La Moneda (CCPLM). La exposición reúne a 42 creadores, con más de 200 piezas, entre pinturas, esculturas, collages y fotografías.


Cuarto observatorio (1976), de Robinson Mora (1947), colección privada.

Curada por el historiador del arte y director de la Escuela de Arte de la U. Diego Portales, Ramón Castillo, la muestra funciona como una cartografía del movimiento abstracto, pero individualiza la obra de cada creador en su propio universo personal. Aunque en los últimos 15 años se ha rescatado la obra de ciertos artistas como Claudio Girola o Gustavo Poblete, y se han montado exhibiciones colectivas impulsadas por investigadores como Ernesto Muñoz o Carlos Navarrete, la exposición en el CCPLM se alza como una de las de mayor envergadura en una vitrina masiva y tiene la expectativa de llegar a miles de personas. “Es una exposición ambiciosa, que tiene una narrativa integradora de artistas que si bien trabajaron dentro de un mismo movimiento, muchos no se relacionaron ni expusieron juntos. La mayoría de estas obras estaban abandonadas, arrumbadas en las bodegas y entretechos de los artistas y no habían visto la luz; otras han sido rescatadas en los últimos años por coleccionistas que entendieron el gran valor que tienen, y la minoría pertenece a instituciones públicas”, cuenta Castillo.

La investigación y rastreo de las piezas demoró tres años y fue liderada por el académico junto a un equipo de coleccionistas privados: los estadounidenses David y Rita Hughes, el sueco Jonus Bartholdson y el chileno Carlos Cruz Puga. En ese periodo, además, llamaron a curadores extranjeros a conocer las obras, como el cubano Osbel Suárez -quien invitó a Matilde Pérez a la muestra en el Museo Reina Sofía-; la argentina Cristina Rossi y el venezolano Jesús Fuenmayor, quienes quedaron impresionados por la diversidad de autores enmarcados en el movimiento, que justamente en Argentina y Venezuela se transformó en uno de los más importantes, con artistas como Julio Le Parc y Jesús Rafael Soto, a la cabeza. “Los curadores simplemente no lo podían creer, todos desconocían estas obras y se preguntaban qué había hecho el público y el mundo cultural chileno con ellas. Por suerte ahora hay una euforia por este tipo de obras y los privados han comenzado a tomar conciencia de su valor”, comenta el académico.


Radiografía de la imagen (1958), de Ramón Vergara Grez (1923-2012), colección privada.

Grupos y reformas

La exposición parte marcando un nuevo hito en el desarrollo del arte abstracto en Chile. Aunque se suele situar su origen en los años 50, Castillo retrocede en el tiempo hasta los años 20: el recorrido parte con obras del uruguayo Joaquín Torres García y el argentino Emilio Pettoruti, quienes influyen en los artistas locales. De Chile, destaca Luis Vargas Rosas (1897-1977), fundador del Grupo Montparnasse, quien vuelve de París en los 30 con el germen de la abstracción; en su caso, uno donde las formas se inspiran en la naturaleza. Paisajes, árboles y flores que van sintetizándose hasta cobrar orgánicos movimientos sobre la tela. Los caligramas de Vicente Huidobro, coloreados por la artista abstracta Sara Malvar (1894-1970), también son parte de los antecedentes de un arte más concreto y constructivo.

Luego de eso, la muestra hace un salto a los años 50, específicamente 1952, con la muestra Arte Concreto, primera exposición en Chile que se realizó en el Hotel Miramar de Viña del Mar, y que fue protagonizada, entre otros, por los argentinos Ennio Iommi y Claudio Girola, quien se radicó en Chile y fue uno de los fundadores de Amereida, la Escuela de Arquitectura de la U. Católica de Valparaíso, otro eslabón perdido del arte abstracto en el país. De Girola se exhiben esculturas hechas con delgadas planchas de bronce que desafían la gravedad.

Dispuestas en la sala Andes, las obras de estos primeros años van hasta mediados de los 60. Un muro completo está dedicado a Ramón Vergara Grez, fundador del grupo Rectángulo (1955-1960), y otro para Gustavo Poblete que lideró el Movimiento Forma y Espacio, junto a Elsa Bolívar, quien también despliega su trabajo a muro completo.

Cruzando el hall, en la Sala Pacífico, se exhibe el resto de la historia. En 1968 se inicia la Reforma Universitaria en la U. de Chile y aunque hasta hoy muchos ven el movimiento de arte abstracto como simple decoración, éste fue parte fundamental en el cambio de estatutos que incluían asignaturas de forma, espacio y color con Gustavo Poblete, como director del Departamento de Artes de la U. de Chile, a la cabeza. También había de muralismo, dictado por Laureano Guevara. El Golpe de Estado de 1973 desmanteló todo el proyecto.

Entre los artistas menos conocidos hay rescates importantes como el antofagastino James Smith Rodríguez, quien fue miembro de editorial Quimantú y luego se fue exiliado a Holanda; Alejandro Siña, artista de formación ingeniero quien trabajó la abstracción con neones y llegó a estudiar en el MIT de EEUU; o Cornelia Vargas, quien inventó un sistema matemático para sus obras, llamado el “cuadrado mágico” y quien con 84 años fue la única que quiso hacer obras nuevas especiales para esta exposición.

Entre las razones de la poca recepción que tuvieron estos trabajos, enumera el curador, está el hecho de que la mayoría de los artistas provenían de la U. de Chile, la cual los acoge, pero a su vez los aísla, dejando que la producción se desarrolle sólo en sus talleres y aulas. Además de la poca riqueza cultural de la escena chilena: en esa época no hay ni coleccionistas ni instituciones que reciban este acervo y las muestras que algunos logran hacer en el Museo de Arte Contemporáneo o en el Museo de Bellas Artes son de entrada y salida, ninguna queda en el patrimonio público del país. “Más que conservadurismo, yo diría que hubo ignorancia, simplemente no se sabía qué era esto. Es un mal nacional: se menospreció lo propio pensando que lo que se hace acá es copia de otras partes y se equivocan, esto fue completamente original y nuestro”, concluye Ramón Castillo.

25.3.17

El instagram de Jorge Wittwer: arte urbano [y la marginalidad del espacio público de Antofagasta]

#antofagasta #streetshot #streetart #artattack #graffiti #larutadelgraffiti

Una publicación compartida de Jorge Wittwer (@jorgewittwer) el



#antofagasta #streetshot #streetart #artattack #graffiti #larutadelgraffiti

Una publicación compartida de Jorge Wittwer (@jorgewittwer) el



#antofagasta #streetshot #streetart #artattack #larutadelgraffiti #graffiti

Una publicación compartida de Jorge Wittwer (@jorgewittwer) el



#antofagasta #streetshot #streetart #artattack #graffiti #larutadelgraffiti

Una publicación compartida de Jorge Wittwer (@jorgewittwer) el



#antofagasta #streetshot #streetart #artattack #graffiti #larutadelgraffiti

Una publicación compartida de Jorge Wittwer (@jorgewittwer) el



#antofagasta #streetshot #streetart #artattack #graffiti #larutadelgraffiti

Una publicación compartida de Jorge Wittwer (@jorgewittwer) el



24.3.17

Diego Rivera encabeza subasta de arte latinoamericano [con el retrato de Matilde Palou]

Vía El Popular.

Por AP. Se trata de una pintura de Diego Rivera que Sotheby's cataloga como una de las más importantes del artista mexicano.



Una pintura de Diego Rivera que Sotheby's cataloga como una de las más importantes del artista mexicano que se haya visto en subasta en años recientes, encabeza la próxima venta de arte latinoamericano de la casa.

Se trata del "Retrato de la señorita Matilde Palou", un óleo sobre lienzo de la estrella chilena del cine mexicano firmado en 1951 y visto en público por última vez en 1988, cuando la misma rematadora lo vendió por 203.000 dólares. El miércoles se exhibiría en sus galerías de Los Ángeles en antesala a la subasta del 25 de mayo en Nueva York, dijo Sotheby's a The Associated Press de manera exclusiva.

"Vi el espléndido retrato de Diego Rivera de la señorita Matilde Palou por primera vez hace unos 30 años ... y nuevamente hace apenas unas semanas. Me volvió a impactar su majestuosa belleza", dijo a la AP Axel Stein, director del departamento de arte latinoamericano de Sotheby's. "Es un ejemplo maravilloso del artista en su mejor momento y un símbolo glorioso de orgullo nacional mexicano. Es sin duda una de las obras más importantes del artista que aparezca en subasta en tiempos recientes".

El precio de venta estimado para el cuadro de 203 por 122,3 centímetros (80 por 48 1/8 pulgadas) es de entre 2 y 3 millones de dólares. El récord de Rivera en subasta es de 3.082.500 dólares. La marca se estableció en 1995 con la venta de "Baile en Tehuantepec" (1928), de 200,7 por 163,8 centímetros (79 por 64,5 pulgadas), también en Sotheby's.

El "Retrato de la señorita Matilde Palou" fue comisionado al artista en 1950 por Osceola Heard Davenport, una acaudalada viuda de un petrolero del Valle del Río Grande en el sur de Texas cuyos herederos lo remataron en Sotheby's hace casi tres décadas.

La obra muestra a la actriz de pie, reclinada contra lo que parece una chimenea, en un resplandeciente vestido cubierto de simbolismos mexicanos como banderas, escudos de armas y joyas.

Para esta pintura el artista hizo un dibujo preliminar en lápiz y un boceto en óleo sobre lienzo. El dibujo, titulado "Chiapaneca" y dedicado "Para Chapo Linda. Diego Rivera 51", muestra a la modelo exactamente en la misma posición que la obra final, pero sin los elaborados decorados en el vestido, con un brazalete adicional y un cigarrillo en la mano derecha.

Palou alcanzó fama por su trabajo en películas como "Susana" de Luis Buñuel, del mismo año que el retrato de Rivera; "El dolor de los hijos" de Miguel Zacarías, de 1949, y "La culta dama" de Rogelio A. González, de 1957. Casada con el prominente actor mexicano Miguel Ángel Ferriz, trabajó también en Nueva York haciendo doblajes para MGM.

Las esculturas olvidadas por el tiempo que esperan su renacer [en Antofagasta]

Vía La Estrella de Antofagasta.





El vandalismo es el punto negro en la historia de las esculturas antofagastinas, ocasionado en el mayor de los casos que estas estructuras hoy sean sólo parte del recuerdo.

En septiembre de 2014 se anunció con bombos y platillos la reinauguración del "Atleta Griego", una de las esculturas emblemáticas de Antofagasta y que es conocida popularmente como "El Pilucho".

El monumento tuvo que esperar durante 14 años para volver a su pedestal en el sector de Avenida Grecia, gracias a las gestiones de la Sociedad Helénica y el municipio.

Un caso similar ocurrió en diciembre de ese mismo año cuando fue reinaugurada la escultura dedicada a Juan López, frente al Museo Regional de Antofagasta, la que fue destruida en 2008 cuando se efectuaban los trabajos de reparación del sector costanera central.

Pero hay otras estatuas que hoy no corren con la misma suerte, incluso permanecen olvidadas en el tiempo, reviviendo algunas veces y sólo en la memoria de los nacidos y criados en esta tierra nortina.

Tal es el caso del Niño de Bruselas o el Niño de la Espina. La primera se ubicaba en el Parque Valparaíso de la Avenida Brasil, mientras que el segundo monumento era el atractivo principal de la plazoleta Humberto Zhigley.

Ambas, donadas por colectividades extranjeras en la década de los 60's, "eran el orgullo de los parques antofagastinos", relata el periodista Juan Antonio Marrodán.

El profesional explica que Zhigley fue un funcionario municipal que se desempeñaba como director de parques y jardines, quien trabajó en forestar la ciudad y cuando falleció "no hubo igual preocupación en los parques antofagastinos".
Esculturas

Lamentablemente (y esa es una de las causas que se repetirán a lo largo de esta nota), ambas esculturas sufrieron los azotes del vandalismo.

Según informó el diario El Mercurio de Antofagasta en 1975, en aquella época se encontraban "casi completamente destruidas". Hoy, sólo permanecen el recuerdo.

Mismo es el caso de "Los Luchadores", una escultura que fue donada en 1910 a Antofagasta por la colectividad griega, en la celebración del Centenario de Chile.

Ubicada durante muchos años en la Avenida Brasil, la obra igualmente fue afectada por vándalos, pero no sólo eso, ya que curiosamente también sufrió por la acción de los más conservadores. Las autoridades la retiraron de su lugar en 1973.

El historiador y encargado Investigación Histórico Patrimonial y Extensión Cultural del Museo Regional de Antofagasta, Héctor Ardiles, dice que "la escultura era muy provocativa para una sociedad algo pacata, 1910,1920 y los años 30's que vino en Antofagasta un periodo muy religioso y entonces, la gente lo veía como una situación obscena y la destrucción fue por gente culta... Empezaron los vándalos a lanzar piedras, rayarla, tirarle pintura. Fue un paulatino proceso de degradación de pintura. No se veía como una obra de arte, sino que algo más escandaloso".

Se suman también a la lista de estas obras, otras como el monumento a José Santos Ossa, que en los años 80's custodiaba el Parque Croacia .

Lamentablemente también sufrió por acciones vandálicas, con daños graves en su estructura, quedando descabezada, lo que motivó su retiro.

"Más que falta de compromiso con el patrimonio, yo diría que es más bien con el bien común...no sólo las esculturas, son más cosas como las bancas, las veredas...Las variables pueden ser muchas, pero tenemos una sociedad un poco más 'primitiva' en eso, en saber cómo usar nuestro espacio público y hacerlo mejor y entender que las ciudades se configuran por espacios simbólicos", dice el arquitecto Claudio Galeno al explicar que muchas de las esculturas históricas han sido dañadas por la acción de vándalos.

El también secretario académico de la Escuela de Arquitectura de la Universidad Católica del Norte, afirma que esta acción contra las estatuas, más bien es algo que "pasa por ignorancia, por personas que no conocen la historia del lugar, falta de cariño y estima por eso. Reitero lo del espacio público, no puedo comportarme como si estuviese en mi propia casa, como si esto fuera mío, sino que tengo que ver que es de todos. Los monumentos son algo compartido y tenemos que aprender a respetar los espacios del otro".
Revolución de las Estatuas

El listado no se detiene. En la memoria de los antofagastinos permanece aquel pescador y minero que miraban el caminar de los transeúntes que pasaban por el Balneario Municipal o el Parque Japonés.

"El Hombre Chileno de la Pampa y Mar" del escultor Avelino Sanhueza, fue levantada en 1979 por la Universidad Católica del Norte.

A fines de 2012 el monumento desapareció, aparentemente por un presunto accidente de tránsito. Su base fue retirada y hoy sigue esperando su regreso.

A la lista se agrega un caso reciente, aunque esta vez no por terceros, sino que más bien por causas materiales.

Ubicado en Avenida O'Higgins, el sector sur del Parque Brasil, se encontraba el Monumento al Bombero. Su base de fierros y cemento no soportó el paso del tiempo y la exposición al agua del constante riego del lugar, por lo que en octubre del año pasado el material no aguantó más y se desplomó.

Héctor Ardiles añade que "en Antofagasta hay una deuda con el patrimonio de los monumentos. Hoy las autoridades están preocupadas de hermosear esta ciudad, pero hay que restituir mucho de lo que se ha perdido y colocar, sobre todo, estándar de lo que son los monumentos históricos y bienes culturales públicos, con un nivel que sea acorde a la calidad de ciudad que tenemos".

Actualmente, el municipio trabaja en los proyectos de mejoramiento del Parque Brasil y el Parque Croacia. Desde la casa consistorial, adelantaron que la conservación y restauración de los monumentos de ambos lugares, están consideradas dentro del programa.

Pero mientras se espera el retorno de estas esculturas, el proyecto "La Revolución de las Estatuas" se ha encargado de traerlas de vuelta al recuerdo antofagastino.

La idea es originaria del joven Jorge Torres, conocido por ser el puma de la barra de Deportes Antofagasta. Si bien se le ocurrió la idea hace varios años, poco a poco se fue sumando más gente a su iniciativa.

Hoy cuenta con apoyo del maquillador Jonnhy Johnn y un equipo de profesionales, que a través del maquillaje y la caracterización, hacen posible que las estatuas olvidadas y que esperan su oportunidad de regresar, cobren vida y por un momento se ubiquen en el mismo lugar que en las décadas pasadas."Esta idea se me ocurre porque yo soy antofagastino y me acuerdo que en mi infancia era súper importante todas las estatuas de antes. En esa época de mi niñez, esas estatuas (nombra Los Luchadores, el Atleta Griego, entre otras), marcaban el tiempo de la Antofagasta gloriosa, ordenada, de los grandes inmigrantes que llegaron. Por eso traté de retroceder y volver a recuperar estos monumentos", comenta.

Torres agrega que para efectuar esta iniciativa y antes de llevar a cabo la representación como tal, primero se encarga de recoger toda la información posible de la escultura. Y añade que la idea es tratar de recuperar la importancia del patrimonio, que nos define como hijos de la Perla del Norte.

19.3.17

Tercer Encuentro Nacional de Teoría e Historia de la Arquitectura, Concepción, 30-31 de marzo y 1º de abril de 2017


Inscripciones aquí.

Campus Concepción - UBB, Collao 1202, Concepción, Chile
30 al 31 de marzo de 2017

Las Escuelas de Arquitectura de Universidad de Chile, Universidad del Bío-Bío, Universidad Central de Chile, Universidad Católica del Norte y Universidad de Santiago de Chile, invitan a participar en el Tercer Encuentro Nacional de Teoría e Historia de la Arquitectura, que se realizará los días 30 y 31 de marzo de 2017 en Concepción.

El Tercer Encuentro Nacional de Teoría e Historia de la Arquitectura es una invitación a continuar la reflexión que se ha ido desplegando en las dos primeras versiones. El primer encuentro, realizado el año 2014 en la U. Central de Chile, de carácter instituyente e identitario, tuvo la misión de convocar de manera inaugural a un auto-reconocimiento disciplinar a nivel nacional con énfasis en el tema de la existencia y la importancia de la Teoría y la Historia en la formación profesional; con el centro del debate en la enseñanza de pregrado en arquitectura. El segundo encuentro, efectuado en la U. de Santiago el 2015, se enfocó al aporte de la Teoría y la Historia –más allá de la enseñanza– para pensar y problematizar lo contemporáneo, reflexionando sobre el lugar de la Teoría y la Historia no sólo en lo concerniente a la enseñanza de la arquitectura, sino como base del debate contemporáneo y en relación con otras disciplinas.

El sentido del Tercer Encuentro, convocado en Concepción a comienzos del 2017, es avanzar desde una perspectiva global, a una mirada regional, analizando cómo la diversidad del territorio chileno está plasmada en el debate sobre la Teoría y la Historia en el ámbito de la arquitectura y disciplinas afines. Cuarenta ponencias han sido seleccionadas anónimamente por el comite científico del evento para indagar el pensamiento arquitectónico subyacente en la realidad nacional.


Conferencia Principal
Dr. Arqto. Samuel Vélez

Arquitecto y Doctor en Filosofia; Académico, Jefe del Plan Maestro y ex-Decano de la Facultad de Arquitectura, Universidad Pontificia Bolivariana, Medellín, Colombia; Coordinador Proyecto Tunning-Latinoamérica, Area de Arquitectura.
El Dr. Vélez es un arquitecto y educador con larga trayectoria en la dirección y reflexión académica, ha encabezado diversas unidades universitarias y organizaciones internacionales, replanteando la enseñanza de la arquitectura frente a los nuevos modelos institucionales y curriculares. Su quehacer ha mantenido una perspectiva regional y humanista, formando generaciones de profesionales, en la ciudad colombiana destacada por reconstruir su organización urbana con gran calidad arquitectónica. La conferencia del Dr. Vélez pretende reconocer como el estudio, la práctica y la investigación en arquitectura ejercitan la reflexión del proceso creativo, para estructurar el discurso crítico de cada arquitecto.

Programación

30 de marzo de 2017
9:00 AM — 9:30 AM
Inauguración

9:30 AM — 11:00 AM
Conferencia
Competencia Crítica en la Formación de los Arquitectos
Dr. Arqto. Samuel Vélez

11:00 AM — 12:00 PM
Mesa 1: Teoría del Proyecto y Didáctica Proyectual (Beatriz Navarrete)

Reflexiones para una filosofía política materialista del diseño, José Sólis.

Acto como patrón de medida arquitectónica. Los Koyangs como caso de estudio; Claudio Araneda

El acto como configurador del espacio arquitectónico. Su materialización en un ejercicio de Taller de Primer Año; Manuel Corbalán

12:00 PM — 1:00 PM
Mesa 2: Teoría del Proyecto y Didáctica Proyectual (Claudio Galeno)

El estudio del paisaje sonoro como aproximación metodológica en la construcción de evidencias en la didáctica del proyecto; Roberto Burdiles y Hernán Ascui

Las Travesías de la Escuela de Valparaíso: la dialéctica entre la construcción poética de la obra y el viaje como descubrimiento del territorio; Augusto Angelini

Las palabras y las cosas. Programación didáctica a través del diagrama y su caja de herramientas; José Llano

Impresiones e identidad; Leonardo Seguel

2:00 PM — 3:30 PM
Mesa 3: Teoría del Proyecto y Didáctica Proyectual (Aldo Hidalgo)

Teoría y Diseño de la Vivienda Sustentable; Rodrigo García Alvarado

Incorporando conceptos de resistencia sísmica al taller de diseño; Ginnia Moroni y Rodrigo Martín

Sustentabilidad aplicada: innovación en el aula de titulación de arquitectura FAAD UDP; Claudia Castillo

Cobijo, completitud espacial y esencialidad del hombre hecha tangible, concepción arquitectónica con significación; Valeska Cerda

3:30 PM — 5:00 PM
Mesa 4: Teoría del Proyecto y Didáctica Proyectual (Rodrigo Aguilar)

Reflexiones sobre los fundamentos del croquis; Rolando Meneses

FAF, Fotografía de Arquitectura y viceversa; Nicolas Saez e Ignacio Bisbal

La representación del proyecto como crítica arquitectónica. La obra de Piranesi; Carlos Miranda

Modernidad en realidades comunitaria; Glen Defouleu

5:00 PM — 6:30 PM
Mesa 5 : Debates Académicos y Publicaciones (Patricia Mendez)

¿Para qué sirven las bienales?; Nahuel Quiroga

Imágenes y modelos de la arquitectura contemporánea del Norte Grande de Chile a través de las publicaciones; Claudio Galeno

Semiosis y hermenéutica en la producción de objetos arquitectónicos; Claudio Cortes

Vanguardia chilena y arquitectura moderna. Una trama fundacional; Pablo Fuentes

6:30 PM — 7:30 PM
Exposición de Publicaciones

31 de marzo de 2017
9:00 AM — 7:00 PM
Conferencias

9:00 AM — 10:00 AM
Mesa 6: Debate y Problemáticas en torno al patrimonio y paisaje (Flavio Valassina)

Elementalidad, paisaje y patrimonio. Lógicas constructivas elementales; Hugo Pérez y Oscár Luengo

Experiencias académicas y desafíos en torno al Seminario Profesional 2016; Victor Valenzuela

El diseño como valor en la recuperación de un lugar. Bodegón ferroviario, Villa Estación, Carahue; Carlos Adriazola

Arquitecturas para el habitar vulnerable; estrategias de análisis y propuestas de intervención en tres ciudades de Chile; Sergio Salazar

10:00 AM — 11:30 AM
Mesa 7: Debate y Problemáticas en torno al patrimonio y paisaje (Max Aguirre)

Los paisajes del lino y el trigo. Permanencias y transformaciones de dos conjuntos industriales en La Unión; Tirza Barria

Las Ruinas del Carbón: Aproximación a los monumentos abandonados y registro de la arquitectura Industrial del sector de Chambeque, Lota Alto; Nicolas Moraga

El patrimonio industrial minero y su relevancia para la construcción de paisajes culturales de alta valoración social; María Dolores Muñoz

Re-funcionalización de edificaciones industriales y del ferrocarril; Isabel García y Francisco Benforado

11:30 AM — 1:00 PM
Mesa 7: Debate y Problemáticas en torno al patrimonio y paisaje (Carlos Miranda)

Los túmulos del período formativo: huelle y monumento del paisaje cultural en la construcción de identidades del valle de Azapa; Mabel Peña

Paisajes Culturales y Patrimonios Locales. El territorio como sustrato de las prácticas artísticas populares en Chile; Beatriz Navarrete

A Orilla de Cancha: Espacios comunes para la vida rural en el Valle Central.Eduardo Aguirre

El Inca en Tarapacá. Patrimonio y Paisaje de la movilidad; Alberto Prado

2:00 PM — 3:30 PM
Mesa 8 Debate y Problemáticas en torno al patrimonio y paisaje (Maria Dolores Muñoz)

Emilio Duhart: Ciudad Universitaria de Concepción. Construcción de un paisaje urbano; Cristían Berrios

El espacio replegado. Consideraciones fenomenológicas sobre el paisaje urbano del Chillán moderno; Rodrigo Vera

Fragmentos de arquitectura moderna. Suelos y pasarelas en los conjuntos de vivienda colectiva; Aldo Hidalgo y Constanza Ipinza

Los valores del paisaje cultural de las Unidades Vecinales como patrimonio; Hernán Munita

3:30 PM — 5:00 PM
Mesa 9: Debate y Problemáticas en torno al patrimonio y paisaje (Jose Solis)

Galerías comerciales del centro de Santiago: Micro etnografía de un paisaje social en transformación; Mario del Castillo

Relaciones humanas, interacción social y diálogo con el paisaje: Ampliando la práctica arquitectónica en relación al patrimonio cultural. Claudio Molina

El Mapocho desde Adentro. Registro Interior del Paisaje como Indicador de la Sensibilidad Urbana con el Territorio; Pedro Pedraza y Cristian Boza

Relación entre la teoría higienista y paisaje en los sanatorios modernos de Chile; Gabriela Pereira

Red Adchi: Construyendo la cartografía patrimonial de la arquitectura Art Decó en Santiago de Chile; Eugenio Ferrer y Carolina Castillo

5:00 PM — 6:30 PM
Debate y Clausura

1 de abril de 2017
9:00 AM — 9:00 PM
Visita

Para inscribirse pinchar aquí.