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30.7.18

La metrópolis en América Latina, 1830-1930. Museo Amparo, Puebla, México. Del 28 de julio, 2018 al 12 de noviembre, 2018

Vía Museo Amparo



Durante un siglo de rápido crecimiento urbano, las revoluciones sociopolíticas y las transiciones culturales rediseñaron los paisajes arquitectónicos de las principales ciudades de Latinoamérica. Los quiebres radicales con respecto al pasado colonial, los intercambios arquitectónicos transformadores con Europa y el resto del mundo, y la posterior reinterpretación de los motivos prehispánicos, españoles y portugueses influyeron en el surgimiento de una cultura y un lenguaje arquitectónico moderno.

Esta exposición identifica la ciudad colonial como el modelo urbano impuesto por el poder imperial de la Península Ibérica y la nueva ciudad republicana como una transferencia negociada de recursos y conocimiento, que fueron apropiadas, interpretadas y luego transformadas a lo largo de una oleada de resurgimientos. En consonancia con este relato, La metrópolis en América Latina, 1830-1930, examina la manera en que seis capitales (Buenos Aires, La Habana, Lima, Ciudad de México, Río de Janeiro y Santiago de Chile) pasaron de ser centros coloniales a convertirse en monumentales metrópolis republicanas. Un conjunto de fotografías, grabados, planos y mapas retratan el impacto urbano de los cambios sociológicos clave de la época, incluyendo el surgimiento de las élites burguesas, los proyectos de infraestructura de gran extensión y la rápida industrialización y comercialización.

Idurre Alonso y Maristella Casciato | Curadoras

Esta exposición ha sido organizada por el Getty Research Institute, Los Angeles, y anteriormente exhibida como parte de Pacific Standard Time: LA / LA.

1.3.18

CPAM 2018 Coloquio Paisajes Arquitectónicos Modernos en el cono sur andino, 1930-1970. 7 y 8 de junio de 2018, Iquique


Uno de los frutos de la postmodernidad corresponde al abordaje crítico del momento moderno, lo que ha permitido poner en operación distintas herramientas epistemológicas para examinar su expansión en escenas diversas, entre otras, el diálogo entre arquitectura, ciudad, paisaje y comunidad. Cada uno de estos núcleos analíticos hace posible configurar genealogías, arqueologías y cartografías para visibilizar los fenómenos de reproducción y/o apropiación modernas en Latinoamérica. La implantación de dicho paradigma en el continente, siempre problemática, exige una mirada retroactiva constante.

CPAM 2018 Coloquio Paisajes Arquitectónicos Modernos en el cono sur andino, 1930-1970, se inscribe en esa línea, con el fin de relevar las tensiones locales y globales, haciendo énfasis en los contextos regionales.

El ejercicio de la arquitectura se torna elocuente del rol moderno asumido por el Estado no solo en las ciudades capitales, llevando a cabo iniciativas que, hasta nuestros días, resultan de suma importancia para concitar una discusión pluridimensional a este respecto.

Desde esta arista, el presente encuentro se propone constituir una instancia para analizar tales cuestiones a la luz de la historia de la arquitectura y del urbanismo, la sociología y los estudios culturales, invitando a académicos, estudiantes de postgrado y pregrado, como así mismo a investigadores independientes, a compartir sus trabajos en la materia.

EJES TEMÁTICOS

MODERNIDAD EN EL CONO SUR ANDINO Y EL ROL DEL ESTADO: ARQUITECTURA Y CIUDAD

LECTURAS POSTCOLONIALES DE LA ARQUITECTURA Y EL URBANISMO MODERNO

CONFLICTOS ENTRE HOMOGENIZACIÓN E IDIOSINCRASIA EN LA ARQUITECTURA DE LAS CIUDADES DEL CONO SUR ANDINO

07-08 JUNIO 2018, IQUIQUE, CHILE

UNAP / UNIVERSIDAD ARTURO PRAT, FACULTAD INGENIERÍA Y ARQUITECTURA

INSCRIPCIÓN GRATUITA Y PUBLICACIÓN DIGITAL

INFORMACIÓN Y ENVÍO DE RESÚMENES: cpam2018@uchilefau.cl

Descargar aquí plantilla para el envío de resúmenes.

FECHAS
13 ABRIL / CIERRE DE CONVOCATORIA
20ABRIL / INFORME DE SELECCIÓN
04 MAYO / RECEPCIÓN DE RESUMEN FINAL

Organiza:
FAU /UNIVERSIDAD DE CHILE / Universidad ARTURO PRAT del Estado de Chile

21.11.16

Imagenes de modernidad, ciudad, bienestar y construcción en la fotografía de arquitectura en Chile, 1930-1970. Examen de tesis doctoral de Andrés Tellez

Defensa de tesis doctoral de Andrés Tellez, martes 22 de noviembre de 2016, 9:00 hrs. Salón SLGM, El Comendador 1946, Providencia, Santiago.

Comisión: José Rosas, Hugo Mondragón, Anahí Ballent, Rodrigo Pérez de Arce, Anat Falbel.

4.5.14

Lucia Eames (1930-2014)

Vía Eames Office.



Lucia Eames, designer, mother and beloved only child of American architect and designer Charles Eames, and beloved only step-daughter of designer and painter Ray Eames, died April 1, 2014. She was 83.

Born in St. Louis, Missouri, on October 11, 1930, to Charles and his first wife, Catherine Woermann, Lucia was an artist, graphic designer, owner of the Eames Office, founder of the Eames Foundation, and mother of five.

Her early years were spent in St. Louis and on the grounds of the Cranbrook Academy of Art in Bloomfield Hills, Michigan, where her father at first studied architecture and then became head of the Industrial Design department. Lucia recalled those times fondly, including her attendance at Kingswood School for Girls on the Cranbrook Campus. Following his divorce from Catherine, her father married Ray Kaiser, who became Lucia’s stepmother, with whom she was exceptionally close.

Lucia finished her secondary school education at Mary Institute in St. Louis and attended Vassar College for two years, and graduated from Radcliffe College in 1952. There Walter Gropius was her professor, at a time when women were, as Lucia recalled, “dissuaded from studying architecture at Harvard.” In her adult years, Lucia lived in Massachusetts but eventually settled in the San Francisco Bay Area, always maintaining strong ties to St. Louis, her mother Catherine, and friends and family there.

An early sculpture, created when she was just 12 years old, was published in the legendary Arts & Architecture magazine. Throughout her life, she worked in many different media to create photographs, writings, beautiful and complex works woven with found objects, and large-scale commissions. She may be best known for her exquisite graphical metal works rendered in cut steel and bronze, which added an extra richness of beauty, power and physicality. Her works, which were shown at ArtPrize (Grand Rapids, MI) and the Landscape Garden Show (San Francisco, CA), can still be seen in the living room of the Eames House (Pacific Palisades, CA), Ma(i)sonry (Yountville, CA) and other collections both public and private. One of her best-known designs was the simple, elegant metal form Seeing with the Heart.

Lucia lived in Petaluma, California, in a residential structure by architect William Turnbull, whose space she transformed into an experience of extraordinary visual richness. It was also where, in her later years, she lived and worked with her daughter, Llisa, in the firm of Demetrios & Eames.

She was active with many local groups including the writing group Parachutists, Architecture & Design Forum (SFMOMA), Another Mother for Peace, the California Academy of Sciences, the Exploratorium, the Randall Museum and the International Interior Design Association.

On Ray’s death in 1988, Lucia became responsible for the design legacy of Charles and Ray Eames. With her deep understanding of the Eames philosophy learned from countless conversations with Charles and Ray, Lucia was asked by Ray to take responsibility for the Eames legacy in general, and the authenticity of Eames designs in particular.

As the owner of the Eames Office for 26 years, it was important to her that the Eames Office continues for generations after her death. For this reason, she ensured that the next generation assumed operational responsibility in the early 1990s.

In 1988, Lucia fulfilled Charles and Ray’s vision of gifting an important collection of the Eames Archives materials to the Library of Congress. In 2004, she established the Eames Foundation, which oversees the Eames House in Pacific Palisades, California, where she often stayed. Indeed, she vividly remembered picnicking in the meadow before the house was even built and witnessing the pivotal decision to dramatically change the design to its current form. The Eames House, considered by many to be the most important work of residential architecture from the latter half of the 20th century, is a National Historic Landmark. Lucia enjoyed sharing her many memories and experiences of Charles and Ray with visitors at the Eames home and studio.

In her remarkable life, Lucia met many of the most iconic cultural figures of her time: Humphrey Bogart, Billy Wilder, Buckminster Fuller, Eero Saarinen, Eliel Saarinen, Carl Milles, Jackson Pollock, Lee Krasner, George Nelson, Alexander Girard, Elmer Bernstein, Haku Shah, Isamu Kenmochi, John Entenza, Philip & Phylis Morrison, Josef & Anni Albers, and Corita Kent among them. She also knew generations of Eames collaborators such as the DePree family at Herman Miller and the Fehlbaum family at Vitra, manufacturing partnerships that continued enthusiastically during her reign.

Remembering her teen years in Los Angeles, Lucia recalled, “The pleasures of work were ongoing and continual as were those of play. Charles and Ray provided a rich environment for me that included courses at UCLA and work in the darkroom at 901; various projects included assembling photos and/or mounting same, building plywood sculptures, and pasting up or cutting out designs specific and otherwise.”

Such experiences informed her approach to the Eames work in her later years. Indeed, Lucia leaves a legacy of successful stewardship of one of the most significant design legacies of the modern era. Charles and Ray Eames, recognized as the most influential designers of the twentieth century, are best known for their furniture designs, which, in no small part due to Lucia, are still manufactured to the Eames standards today by Herman Miller in the U.S. and much of the world, and by Vitra in Europe and the Middle East.

Lucia will be remembered for her gracious hospitality, elegance, commitment to her parents’ works as well as for the deep, personal beauty of her art.

18.9.13

La construcción del "moderno" Cuartel para el Regimiento Exploradores, arquitecto Carlos Alcaide Ruz.


© El Mercurio de Antofagasta.

En un plan de obras militares, el 6 de junio de 1929 fue colocada la primera piedra del Regimiento de Caballería nº8 de Exploradores de Manuel Rodríguez. Los edificio en estilo neocolonial fueron levantados por la Compañía Constructora Barriga, Wachholtz y Alessandri Cía. Ltda. Los diseños fueron realizados por el arquitecto del Ministerio de Guerra Carlos Alcaide Ruz. En 1930 se terminaron las obras del conjunto de edificios.

Carlos Alcaide era un destacado arquitecto chileno que tuvo una oficina con Carlos Cruzat. Entre sus obras podríamos mencionar al mítico Hotel Pacífico en Arica, resultado de uno de los concursos nacionales más importantes de la época en torno a 1925, así como el proyecto no construido del Liceo de Hombres de Antofagasta, también fruto de un concurso nacional del año 1923.


© Rodrigo Fuentealba.

Depero y la reconstrucción futurista del universo, exposición en La Pedrera, Barcelona, 17 de septiembre de 2013 al 12 de enero de 2014.

© StudyBlue.

Vía La Pedrera / Biblioteca ETSAB / Pamela Valdivia.

A partir del 17 de septiembre. Exposición dedicada a uno de los artistas más destacados del futurismo italiano.

Pintor, escultor, escenógrafo, arquitecto, escritor y diseñador gráfico, Fortunato Depero (Fondo, 1892 – Rovereto, 1960) es uno de los artistas más destacados del futurismo italiano, movimiento al que se afilió en 1915 y se mantuvo fiel el resto de su vida.

La exposición Depero y la reconstrucción futurista del universo, organizada en colaboración con el Museo di Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto –institución que conserva el legado del artista–, abarca cronológicamente veinte años de su dilatada carrera, desde la fundación del movimiento futurista en 1909 hasta 1930, cuando Depero volvió a Italia tras una estancia de dos años en Nueva York, la metrópoli futurista por excelencia.

«Nosotros, los futuristas, adoramos las centrales eléctricas, las estaciones ferroviarias, los hangares, los acorazados, los gigantescos transatlánticos, las fábricas en su diabólica agitación productiva, los multiplanos voladores y los lujosos trenes bala. A semejanza de estas maravillas reconstruiremos el universo: Motocicletas-Vacas, Caballos-Bicicletas de acero, Soles artificiales, Árboles coloreados de cemento y metal; Flora mecánica sorpresiva – Nubes publicitarias domadas mediante registros exactos – Tormentas teatrales en el espacio.»

F. Depero, Una geniale rassegna di idee di Depero, 1926

Fortunato Depero

Fortunato Depero nace el 30 de marzo de 1892 en Fondo, una pequeña localidad de la provincia de Trento, que a la sazón formaba parte del imperio austrohúngaro. Poco después, la familia se muda a Rovereto, donde Fortunato pasará toda su infancia e iniciará sus estudios en la Scuola Reale Elisabettina, un instituto de artes aplicadas que imparte un avanzado programa pedagógico basado en un principio interdisciplinar de las artes.

En 1913 se traslada a Roma, donde conoce a Filippo Tommaso Marinetti y entra en contacto con los pintores futuristas. A finales de año visita la exposición de Umberto Boccioni en la Galleria Sprovieri, que influye decisivamente en su trabajo. La investigación de Depero deriva, a partir de ese momento, hacia las líneas-fuerza de Boccioni. El año siguiente, sin embargo, el encuentro con Giacomo Balla hará que se distancie de la estética boccioniana para acercarse al estilo de Balla, con quien tiene una gran afinidad en materia plástica y conceptual.


La reconstrucción futurista del universo

En marzo de 1915 se publica el manifiesto Ricostruzione futurista dell’universo, firmado por Balla y Depero.

Ambos autores se proponen romper definitivamente con la compartimentación habitual de las disciplinas artísticas para alcanzar el carácter de totalidad de la intervención creativa futurista en todos los ámbitos de la realidad cotidiana: del arte al interiorismo, de la arquitectura al diseño, de la cocina a la literatura, de la publicidad a la moda y de la poesía al teatro, con la voluntad de que cada instante de la vida del hombre moderno encuentre una respuesta en los cánones estéticos del futurismo. El programa futurista de «reconstrucción del universo», que supone una radicalización del binomio arte/vida, adquirirá plena consistencia a lo largo de los años veinte y treinta.


La Casa d'Arte futurista

En 1919 Depero decide regresar a Rovereto, una ciudad duramente castigada por la guerra, con la idea de fundar su Casa d’Arte, un centro de artesanía artística para la creación seriada e industrial de mobiliario, tejidos, objetos y decoraciones de interior, además de carteles, publicidad en general y todos aquellos elementos enunciados en el manifiesto Ricostruzione futurista dell’universo unos años antes.

La Casa d’Arte Depero fue la más activa de las creadas por los futuristas, y la que produjo elementos decorativos y diseños de mayor calidad.


Depero en Nueva York

En septiembre de 1928 Depero viaja a Nueva York, donde permanecerá un par de años, una estancia que es vital en la evolución de su obra, ya que la ciudad—la metrópoli futurista por excelencia— ejerce de inmediato un potente estímulo para su fantasía.

Con la intención de introducir sus productos en el mercado norteamericano, abre la Depero’s Futuristic House, una filial de su Casa d’Arte Futurista de Rovereto.

Sin embargo, su proyecto tropieza con los gustos imperantes en esos momentos en Nueva York, y su actividad se acaba reduciendo al diseño gráfico publicitario y la escenografía.

Desilusionado, y con graves problemas económicos, en octubre de 1930 regresa a Italia, a Rovereto, donde continuará desarrollando su labor artística, siempre fiel a los postulados futuristas.



EXPOSICIÓN
Del 17 de septiembre de 2013 al 12 de enero de 2014
Cerrado: 25 y 26 de diciembre de 2013 / 1 y 6 de enero de 2014
Sala de exposiciones La Pedrera
Paseo de Gracia, 92. Barcelona
De lunes a domingo, de 10 a 20 h
Último acceso, a las 19.30 h

30.8.13

El proyecto de Luis Lagarrigue para un ferrocarril subterráneo en Santiago, 1930 (actualizado).


Plano de Ferrocarril Subterraneo desde Alameda hasta Yungay, publicado en la revista Urbanismo y Arquitectura nº3 de 1936. Publicado por Max Aguirre en el libro "La arquitectura moderna en Chile (1907-1942).

Según El Mercurio de Antofagasta, en 13 enero de 1930, se expuso la idea de que Santiago fuese atravesada por un ferrocarril subterráneo. El gigantesco proyecto venía de la mano del ingeniero Luis Lagarrigue, que pretendía construir vías subterráneas bajo la ciudad para instalar un servicio de tranvias. Esa línea cruzaría la ciudad a lo largo y decingestionaría el tránsito de la Alameda. En esos días esa avenida principal del centro de Santiago estaba totalmente repleta de carruajes y automóviles que circulaban a diario por ese central espacio urbano. Uno de los principales interesados en el proyecto era el alcalde de Santiago, señor Parada que se mostró muy interesado en la construcción de un ferrocarril subterráneo por el proyecto de Lagarrigue que había dedicado años al estudio preparando cálculos y planos.

Ver nota actualizada publicada por Las Últimas Noticias sobre la serie de proyectos para el metro de Santiago:

























El ferrocarril subterráneo de Santiago recién inició sus obras en 1969, y el arquitecto que estuvo a cargo de estas obras históricas de la línea 1 y 2 fue Juan Parrochia. Para ver la historia del metro de Santiago desde ese año hasta hoy, ver artículo en La Tercera: "Desde 1969 a 2013: los cambios en la construcción de Metro de Santiago".

27.3.11

Colecciones de la Lira Popular de la DIBAM y Universidad de Chile distinguidas por la UNESCO como "Memoria del Mundo"

© DIBAM

Vía DIBAM (Dirección de Bibliotecas, Archivos y Museos)

Distinguida por Unesco
La Lira Popular Chilena podrá ser ahora “Memoria del Mundo”
Jueves, 03 de Marzo de 2011

Unos 1.500 pliegos de estos “periódicos de cordel” recibirán un tratamiento preferencial por parte del organismo internacional al haber adquirido la categoría de Memoria de Latinoamérica y el Caribe, lo cual facilitará la difusión de estos diarios del pueblo vigentes en Chile entre 1865 y 1930. En la Biblioteca Nacional se conservan 680 de estas joyas de la literatura popular.

El Comité Regional de Memoria del Mundo, adscrito a la Unesco, acogió en su última reunión la postulación realizada por el Archivo de Literatura Oral y Tradiciones Populares de la Biblioteca Nacional, que actuó conjuntamente con la Universidad de Chile, elevando a la categoría de Memoria de Latinoamérica y el Caribe la colección de unos 1.500 impresos de poesía popular chilena, Lira Popular, que ambos organismos custodian.

En tal sentido, el Dr. Ricardo Elizondo (miembro informante de la Academia Mexicana de la Lengua y miembro del Comité Mexicano para Memoria del Mundo), destacó que corresponde a papeles de poesía popular que se exhibían y vendían colgados en cordeles y alambres en quioscos y establecimientos callejeros. El contenido es muy nítido y una fuente importante para la micro historia de corte popular. La presentación cumple con todos los requisitos”, dijo la autoridad. Conjuntamente, sugirió que la Lira Popular amplíe su rango de influencia y, proximamente, postule a ser Memoria del Mundo.

Por su parte, la curadora y creadora del Archivo de Literatura Oral, Micaela Navarrete, sostuvo que si bien este reconocimiento “no representa ningún beneficio económico, otorga a la Lira Popular Chilena un estatus internacional que le permitirá una mayor difusión a nivel mundial. La Lira Popular es como la voz del pueblo. Allí se contaba lo que la gente vivía, sentía, sus creencias, miedos, héroes y protestas. Toda la lectura social, religiosa y política de la época está plasmada allí, y eso es algo que hay que rescatar porque es, además, un complementoa la historia académica”, dijo Micaela Navarrete.

Sus orígenes

En nuestro país, esta expresión tuvo vigencia entre 1865 y 1930 y obtuvo su nombre en 1899 gracias a Juan Bautista Peralta, poeta ciego que la bautizó de este modo a fin de burlarse y distanciarse de la poesía “culta” publicada en la revista Lira Chilena.

Los pliegos de 35 x 56 cm., realizados en un papel de muy mala calidad y en pequeñas imprentas de Estación Central y calle San Diego, son muy escasos y delicados. Se estructuraban encabezados por una xilografía (grabado en madera), que llenaba un tercio del espacio; un gran titular de hasta tres líneas, y seis columnas con versos en décima; una tradición métrica heredada de España y utilizada también en los Cantos a lo Humano y lo Divino por payadores populares.

Se conservan sólo tres colecciones de la Lira Popular: la del Archivo de Tradiciones Orales de la Biblioteca Nacional, con 327 pliegos (donados por el profesor alemán Rodolfo Lenz); la de la Universidad de Chile, formada por Raúl Amunátegui, con 800 ejemplares, y la recopilada por Alamiro de Ávila, con 352 pliegos, rescatada en Argentina y donada también a la Biblioteca Nacional.

Sus cultores, mayoritariamente, fueron poetas populares anónimos que recopilaron noticias de la crónica roja, sucesos catastróficos, epidemias o la guerra civil de 1891, hechos sobrenaturales o protestas por el alza de los impuestos, junto al humor y a la sátira política. En su enorme mayoría, estos “periódicos de cordel” fueron impresos a un solo color, en tinta negra, pero también existen ejemplares en rojo, en verde, en azul y en morado, los que, por cierto, son más escasos.

Intentos paralelos a la Lira Popular Chilena se dieron también en México y en Brasil.

De acuerdo con las investigaciones, la chilena Rosa Araneda fue la única mujer que participó activamente en este universo masculino, y sus Liras Populares están consignadas en libro “Aunque no soy literaria”, de 1998, editado por el Archivo de Literatura Oral y Tradiciones Populares de la Biblioteca Nacional.

Con anterioridad, el Programa Memoria del Mundo de la Unesco, distinguió de Chile (en 2003), el Archivo de los Derechos Humanos, y el Fondo de los Jesuitas en América.

En esta evaluación, la Lira Popular Chilena se planteó, codo a codo, con otras fuertes postulaciones como: “Publicaciones periódicas y primeros impresos (1810-1850), de Uruguay, o “Middelburgscar Commercie Compagnie (MCC)”, una propuesta conjunta de Holanda, Curazao y Surinam referida al comercio esclavista entre África y el Caribe.

La iniciativa internacional propulsada y coordinada por la Unesco desde 1992, tiene por finalidad la preservación y el acceso del patrimonio histórico documental de mayor relevancia para los pueblos del mundo, así como también promocionar el interés por su conservación entre los estados miembros.