Por Claudio Galeno-Ibaceta sobre la interacción del arte con la arquitectura, desde Antofagasta y el Norte Grande de Chile. By Claudio Galeno-Ibaceta about the interaction between art and architecture, from Antofagasta and the Large North of Chile.
26.9.11
Territorio Cocinado, una exposición de Alexis Díaz en Galería de Arte de Balmaceda Arte Joven, desde el jueves 29 de septiembre de 2011.
El artista Alexis Díaz presenta la exposición Territorio Cocinado en la Galería de Arte de Balmaceda Arte Joven y Fundación Minera Escondida. Este espacio expositivo está situado en el edificio comunitario de la Fundación, en calle O'Higgins 1280, Antofagasta.
Esta nueva exposición fue fruto de un concurso convocado por Balmaceda para elegir a dos artista locales para la convocatoria 2011 (luego expondrá la dupla Alejandro García + Franz Reimer).
Díaz es parte de una generación de artistas que conquistaron la escena de arte joven en Antofagasta desde mediados de los años noventa, junto con Marko Franasovic, Juan Pablo Loo, Pamela León, Nelson González y varios otros. Desde entonces han pasado casi dos décadas y el arte de Díaz se ha renovado en torno a la conjunción de sus dos pasiones, la pintura y la fotografía.
Si bien, Díaz desde sus inicios ha realizado fotografía, luego se dedicó principalmente a la pintura, en composiciones que reunen lugares interiores, seres humanos y objetos. Es durante su participación en la Trienal de Chile, el año 2009, bajo la curatoría del argentino Marcos Figueroa que Díaz exploró una nueva faceta de la imagen fotográfica, el desplazamiento o superposición de intervenciones, sumado a un acercamiento al mundo culinario que se adentra en las vísceras humanas. Un par de estas sugerentes composiciones se pudieron ver en la exposición Escena 2010, en la Sala ÁS de la Escuela de Arquitectura de la UCN.
En Territorio Cocinado tendremos la oportunidad de ver una nueva incursión que acude a esa exploración fotográfica ahora reunida con pinturas.
23.9.11
Origenes y expansión urbana de Tocopilla. Conferencia de Damir Galaz-Mandakovic Fernández. 27 de septiembre, 20:00 horas, Sindicato nº1 de Tocopilla.
Vía evento en Facebook. y vía Blog Tocopilla y su historia.
En el contexto de la celebración del Día de Tocopilla, la Cooperativa de Ahorro y Crédito Stella Maris de Tocopilla, invita a la conferencia a cargo de Damir Galaz-Mandakovic Fernández con el tema "ORÍGENES Y EXPANSIÓN URBANA DE TOCOPILLA". Entre Cobre, salitre, electricidad y catástrofes.
Martes 27 de septiembre de 2011, 20:00 horas.
Sindicato Nº1, calle 21 de Mayo 1472, Tocopilla, Chile.
Esta actividad, organizada por la Cooperativa de Ahorro y Crédito Stella Maris de Tocopilla, tiene como objetivo conocer e interpretar las distintas versiones sobre el origen de la ciudad de Tocopilla en tiempos de pertenencia al Estado Boliviano; conocer a sus actores relevantes y a los olvidados o desconocidos. En ese tenor dar a conocer y exponer del proceso de anexión de Tocopilla a Chile, a través de un proceso de “chilenizacion” llevada a cabo a través del ejército, escuela pública, urbanismo y religión.
Al mismo tiempo, busca explicar cuáles han sido los momentos claves en los que la ciudad ha ido creciendo y expandiéndose en el espacio geográfico, siendo sus paradigmas de crecimientos determinados por la explotación cuprífera, salitrera, la generación de electricidad y de cómo las catástrofes naturales también han moldeado el crecimiento de la ciudad. En ese contexto, se han identificado ciertos periodos de crecimiento, denominados de la siguiente manera: Periodo Cuprífero, Impulso Salitrero Finisecular, Periodo Eléctrico, Crecimiento en Tiempos de Crisis, Apogeo Moderno y Etapa de Recuperación.
En el contexto de la celebración del Día de Tocopilla, la Cooperativa de Ahorro y Crédito Stella Maris de Tocopilla, invita a la conferencia a cargo de Damir Galaz-Mandakovic Fernández con el tema "ORÍGENES Y EXPANSIÓN URBANA DE TOCOPILLA". Entre Cobre, salitre, electricidad y catástrofes.
Martes 27 de septiembre de 2011, 20:00 horas.
Sindicato Nº1, calle 21 de Mayo 1472, Tocopilla, Chile.
Esta actividad, organizada por la Cooperativa de Ahorro y Crédito Stella Maris de Tocopilla, tiene como objetivo conocer e interpretar las distintas versiones sobre el origen de la ciudad de Tocopilla en tiempos de pertenencia al Estado Boliviano; conocer a sus actores relevantes y a los olvidados o desconocidos. En ese tenor dar a conocer y exponer del proceso de anexión de Tocopilla a Chile, a través de un proceso de “chilenizacion” llevada a cabo a través del ejército, escuela pública, urbanismo y religión.
Al mismo tiempo, busca explicar cuáles han sido los momentos claves en los que la ciudad ha ido creciendo y expandiéndose en el espacio geográfico, siendo sus paradigmas de crecimientos determinados por la explotación cuprífera, salitrera, la generación de electricidad y de cómo las catástrofes naturales también han moldeado el crecimiento de la ciudad. En ese contexto, se han identificado ciertos periodos de crecimiento, denominados de la siguiente manera: Periodo Cuprífero, Impulso Salitrero Finisecular, Periodo Eléctrico, Crecimiento en Tiempos de Crisis, Apogeo Moderno y Etapa de Recuperación.
Posmodernismo, estilo y subversión, 1970-1990. Victoria & Albert Museum, 23 septiembre de 2011 al 15 de enero de 2012.
Hans Hollein, façade from Strada Novissima, The Presence of the Past, 1980. Biennale of Architecture, Venice. © V&A Museum.
Para muchos de nosotros que nacimos al final de la modernidad, la posmodernidad nos pilló desprevenidos. Estaba en la boca de todos, y cada uno de nosotros emergió en medio de la renovación posmoderna, sin saber muy bien donde estábamos. En arquitectura no se dudaba de lo que decía Aldo Rossi, Robert Venturi, Charles Moore o Peter Eisenmann. En diseño hizo furor el estilo Menphis, y artistas como Jean Paul Goudé y Gaultier eran referencia obligada. Todo con una banda sonora que oscilaba entre New Order, Devo, A-ha y por supuesto Michael Jackson, Madonna y Jean Michel Jarré.
Pero en arquitectura todo fue un fracaso, del discurso ideológico se pasó a una moda sin contenido. El impacto en las ciudades fue terrible, llenándolas de pseudo historicismo, con un exceso de revestimientos y texturas, para no hablar de los ornamento caprichosos y muchas veces escenográficos.
El Victoria & Albert Museum inaugurará el 24 de septiembre: "Posmodernismo, estilo y subversión", una exposición dedicada al movimiento cultural, su auge y caída estrepitosa. En El País han escrito un interesante artículo, que posteo a continuación.
Vía Arquitectura Viva > El País
El posmodernismo se convierte en historia moderna. Londres revisa el ascenso y caída del polémico movimiento cultural.
P. TUBELLA / J. R. MARCOS - Londres / Madrid - 22/09/2011
Perfiles de edificios que juguetean de forma irreverente con diversos estilos arquitectónicos, en abierto desafío a la sobriedad del movimiento moderno; productos de uso doméstico, como una simple tetera, cuyas formas caprichosas priman la estética frente a todo sentido práctico; revolucionarios diseños gráficos y estrellas musicales decididas a abanderar la subversión con estilo. Y finalmente la rendición, el culto al dinero. Ese cajón de sastre que, bajo la etiqueta de posmodernismo, fue sinónimo de libertad radical hasta convertirse en el estilo del consumismo exacerbado, protagoniza el estreno de la nueva temporada museística en Londres.
Como herederos suyos, ¿somos víctimas o beneficiarios? Los artífices de la exposición que el museo Victoria & Albert abre este sábado (Posmodernismo: Estilo y Subversión 1970-90) no quieren entrar en disquisiciones filosóficas sobre un fenómeno que desafía una definición compacta. Su propuesta se centra en la historia reciente del arte y el diseño, en cómo un movimiento provocador nacido en el universo de la arquitectura acabó extendiendo su influencia en todas las áreas de la cultura popular, incluidos el cine, la música y la moda.
Frente a las connotaciones negativas que arrastra la etiqueta, la muestra explora a través de dos centenares y medio de piezas la vocación rupturista con el pasado inmediato, la pluralidad que reniega de toda narrativa dominante, también un estilo irónico y multifacético que abrió un sinfín de posibilidades.
"El posmodernismo toma fragmentos de estilos ya existentes y los reúne a modo de collage para crear algo diferente", subraya la comisaria de la exposición, Jane Pavitt, sobre una de las características principales del movimiento. Cuando Philip Johnson inauguró hace más de cinco lustros su diseño del rascacielos de la compañía AT&T (hoy edificio Sony) en Nueva York, que talla con un agujero circular el vértice del frontón triangular de la fachada, fue tildado de traidor. El arquitecto -como muestra uno de los bocetos que exhibe el V&A- rebatía la ortodoxia cúbica racionalista, de la que hasta entonces él mismo había sido adalid. El gesto entroncó con una joven generación que miraba con ironía hacia los monumentos del pasado, los reciclaba y combinaba.
Uno de los grandes exponentes del diseño y la arquitectura posmoderna en España fue Oscar Tusquets, cuyo Belvedere Georgina, construido en Llofriu (Gerona) en 1972, fue calificado como "la primera obra posmoderna sin mala conciencia". Lo hizo Charles Jencks, a cuyo ensayo El lenguaje de la arquitectura posmoderna, de 1977, se atribuye la popularización del término que puso nombre al cambio de sensibilidad apuntada ya en textos de Robert Venturi como Complejidad y contradicción en la arquitectura o Aprendiendo de Las Vegas.
Desde su estudio de Barcelona, Tusquets sostiene que "tenía que venir una revisión de esa época". No para reproducir su estética, aclara, sino para reconocer el valor que tuvo: "Fue una reacción de hartazgo contra el monolitismo puritano del movimiento moderno, que despreciaba el gusto de la gente y le decían cómo tenía que vivir. Lo tildaron de snob y reaccionario capitalista porque los modernos decían construir para los obreros, pero resulta que a los obreros les gustaban las cubiertas a dos aguas".
Si aquellas ideas no acabaron de encajar entre el público de los setenta, los diseños posmodernos logran en la siguiente década, con su boom económico, la aceptación de las masas, especialmente en su traslación a los objetos de la vida cotidiana. Los muebles de Ettore Sottsass, fundador del grupo Memphis, o los estilosos artículos domésticos de la firma Alessi, anteponen la originalidad y la ostentación a cualquier otra función, y aparecen como objetos irresistibles en las revistas de estilo que empiezan a proliferar. Todo era una declaración de estilo en aquella "década del diseño" que también impregnó el mundo de la música y a sus intérpretes, exponentes de la teatralidad, el colorido y la exageración. Jane Pavitt alega que el look de personajes tan diversos como David Byrne, Annie Lennox o la diva Grace Jones (a cuyos estilismos se dedica una sala) contribuyó a cuestionar las nociones de género, sexo e identidad, acarreando consigo nuevos aires de libertad.
La resistencia a la autoridad, en el ámbito artístico y en el social, que quiso encarnar el posmodernismo acabó cediendo a la seducción del dinero, simbolizados en el cuadro de Andy Warhol que en el tramo final de la exposición toma como estrella el signo del dólar. El arte como mercancía, la subversión que en realidad persigue el gancho comercial, la superficie a expensas de la profundidad.
"¿Frívola?", se resiste Tusquets. "Comparada con los edificios-estrella que han venido después y que ignoran olímpicamente el contexto en el que se levantan, la arquitectura posmoderna era de un rigor absoluto", ironiza. "En 20 años veremos que los proyectos de Zaha Hadid, por no hablar del Hotel Puerta América de Madrid, se aguantan menos que los de Michael Graves".
Con todo, el arquitecto catalán reconoce que "la desobediencia a Mies y Le Corbusier" y la recuperación de valores de la arquitectura tradicional no siempre encontró una creatividad a la altura de su ambición. Eso y la implantación arrolladora que conoció en los ochenta -"en EE UU Graves anunciaba tarjetas de crédito por televisión y el único arquitecto italiano al que conocían los alumnos era Aldo Rossi"- determinó su caída: "Su descrédito fue proporcional a su éxito". Posmoderno se convirtió en un insulto casi. Nada nuevo según Tusquets: "Cuando yo era niño, el modernismo, Gaudí incluido, era de mal gusto. Si no tiraron el Palau de la Música fue porque no había dinero".
Los detractores del fenómeno encuentran sus argumentos en los años noventa, cuando el posmodernismo, efectivamente, sucumbe ante su propio éxito. Por eso el Victoria & Albert remata ahora una programación que ha revisado los movimientos artísticos y del diseño en el siglo XX con una mirada retrospectiva hacia una escuela multiforme. Un movimiento que, en palabras de Pavitt, "lo adores o lo odies, tuvo en su momento el poder de inflamar", de socavar los dictados de la uniformidad, de abrazar "un diseño radical" y de abrir impensables vías de expresión.
Para muchos de nosotros que nacimos al final de la modernidad, la posmodernidad nos pilló desprevenidos. Estaba en la boca de todos, y cada uno de nosotros emergió en medio de la renovación posmoderna, sin saber muy bien donde estábamos. En arquitectura no se dudaba de lo que decía Aldo Rossi, Robert Venturi, Charles Moore o Peter Eisenmann. En diseño hizo furor el estilo Menphis, y artistas como Jean Paul Goudé y Gaultier eran referencia obligada. Todo con una banda sonora que oscilaba entre New Order, Devo, A-ha y por supuesto Michael Jackson, Madonna y Jean Michel Jarré.
Pero en arquitectura todo fue un fracaso, del discurso ideológico se pasó a una moda sin contenido. El impacto en las ciudades fue terrible, llenándolas de pseudo historicismo, con un exceso de revestimientos y texturas, para no hablar de los ornamento caprichosos y muchas veces escenográficos.
El Victoria & Albert Museum inaugurará el 24 de septiembre: "Posmodernismo, estilo y subversión", una exposición dedicada al movimiento cultural, su auge y caída estrepitosa. En El País han escrito un interesante artículo, que posteo a continuación.
Vía Arquitectura Viva > El País
El posmodernismo se convierte en historia moderna. Londres revisa el ascenso y caída del polémico movimiento cultural.
P. TUBELLA / J. R. MARCOS - Londres / Madrid - 22/09/2011
Perfiles de edificios que juguetean de forma irreverente con diversos estilos arquitectónicos, en abierto desafío a la sobriedad del movimiento moderno; productos de uso doméstico, como una simple tetera, cuyas formas caprichosas priman la estética frente a todo sentido práctico; revolucionarios diseños gráficos y estrellas musicales decididas a abanderar la subversión con estilo. Y finalmente la rendición, el culto al dinero. Ese cajón de sastre que, bajo la etiqueta de posmodernismo, fue sinónimo de libertad radical hasta convertirse en el estilo del consumismo exacerbado, protagoniza el estreno de la nueva temporada museística en Londres.
Como herederos suyos, ¿somos víctimas o beneficiarios? Los artífices de la exposición que el museo Victoria & Albert abre este sábado (Posmodernismo: Estilo y Subversión 1970-90) no quieren entrar en disquisiciones filosóficas sobre un fenómeno que desafía una definición compacta. Su propuesta se centra en la historia reciente del arte y el diseño, en cómo un movimiento provocador nacido en el universo de la arquitectura acabó extendiendo su influencia en todas las áreas de la cultura popular, incluidos el cine, la música y la moda.
Frente a las connotaciones negativas que arrastra la etiqueta, la muestra explora a través de dos centenares y medio de piezas la vocación rupturista con el pasado inmediato, la pluralidad que reniega de toda narrativa dominante, también un estilo irónico y multifacético que abrió un sinfín de posibilidades.
"El posmodernismo toma fragmentos de estilos ya existentes y los reúne a modo de collage para crear algo diferente", subraya la comisaria de la exposición, Jane Pavitt, sobre una de las características principales del movimiento. Cuando Philip Johnson inauguró hace más de cinco lustros su diseño del rascacielos de la compañía AT&T (hoy edificio Sony) en Nueva York, que talla con un agujero circular el vértice del frontón triangular de la fachada, fue tildado de traidor. El arquitecto -como muestra uno de los bocetos que exhibe el V&A- rebatía la ortodoxia cúbica racionalista, de la que hasta entonces él mismo había sido adalid. El gesto entroncó con una joven generación que miraba con ironía hacia los monumentos del pasado, los reciclaba y combinaba.
Uno de los grandes exponentes del diseño y la arquitectura posmoderna en España fue Oscar Tusquets, cuyo Belvedere Georgina, construido en Llofriu (Gerona) en 1972, fue calificado como "la primera obra posmoderna sin mala conciencia". Lo hizo Charles Jencks, a cuyo ensayo El lenguaje de la arquitectura posmoderna, de 1977, se atribuye la popularización del término que puso nombre al cambio de sensibilidad apuntada ya en textos de Robert Venturi como Complejidad y contradicción en la arquitectura o Aprendiendo de Las Vegas.
Desde su estudio de Barcelona, Tusquets sostiene que "tenía que venir una revisión de esa época". No para reproducir su estética, aclara, sino para reconocer el valor que tuvo: "Fue una reacción de hartazgo contra el monolitismo puritano del movimiento moderno, que despreciaba el gusto de la gente y le decían cómo tenía que vivir. Lo tildaron de snob y reaccionario capitalista porque los modernos decían construir para los obreros, pero resulta que a los obreros les gustaban las cubiertas a dos aguas".
Si aquellas ideas no acabaron de encajar entre el público de los setenta, los diseños posmodernos logran en la siguiente década, con su boom económico, la aceptación de las masas, especialmente en su traslación a los objetos de la vida cotidiana. Los muebles de Ettore Sottsass, fundador del grupo Memphis, o los estilosos artículos domésticos de la firma Alessi, anteponen la originalidad y la ostentación a cualquier otra función, y aparecen como objetos irresistibles en las revistas de estilo que empiezan a proliferar. Todo era una declaración de estilo en aquella "década del diseño" que también impregnó el mundo de la música y a sus intérpretes, exponentes de la teatralidad, el colorido y la exageración. Jane Pavitt alega que el look de personajes tan diversos como David Byrne, Annie Lennox o la diva Grace Jones (a cuyos estilismos se dedica una sala) contribuyó a cuestionar las nociones de género, sexo e identidad, acarreando consigo nuevos aires de libertad.
La resistencia a la autoridad, en el ámbito artístico y en el social, que quiso encarnar el posmodernismo acabó cediendo a la seducción del dinero, simbolizados en el cuadro de Andy Warhol que en el tramo final de la exposición toma como estrella el signo del dólar. El arte como mercancía, la subversión que en realidad persigue el gancho comercial, la superficie a expensas de la profundidad.
"¿Frívola?", se resiste Tusquets. "Comparada con los edificios-estrella que han venido después y que ignoran olímpicamente el contexto en el que se levantan, la arquitectura posmoderna era de un rigor absoluto", ironiza. "En 20 años veremos que los proyectos de Zaha Hadid, por no hablar del Hotel Puerta América de Madrid, se aguantan menos que los de Michael Graves".
Con todo, el arquitecto catalán reconoce que "la desobediencia a Mies y Le Corbusier" y la recuperación de valores de la arquitectura tradicional no siempre encontró una creatividad a la altura de su ambición. Eso y la implantación arrolladora que conoció en los ochenta -"en EE UU Graves anunciaba tarjetas de crédito por televisión y el único arquitecto italiano al que conocían los alumnos era Aldo Rossi"- determinó su caída: "Su descrédito fue proporcional a su éxito". Posmoderno se convirtió en un insulto casi. Nada nuevo según Tusquets: "Cuando yo era niño, el modernismo, Gaudí incluido, era de mal gusto. Si no tiraron el Palau de la Música fue porque no había dinero".
Los detractores del fenómeno encuentran sus argumentos en los años noventa, cuando el posmodernismo, efectivamente, sucumbe ante su propio éxito. Por eso el Victoria & Albert remata ahora una programación que ha revisado los movimientos artísticos y del diseño en el siglo XX con una mirada retrospectiva hacia una escuela multiforme. Un movimiento que, en palabras de Pavitt, "lo adores o lo odies, tuvo en su momento el poder de inflamar", de socavar los dictados de la uniformidad, de abrazar "un diseño radical" y de abrir impensables vías de expresión.
20.9.11
Félix Candela y Max Cetto / Museo de Arte Moderno, Ciudad de México, Bosque de Chapultepec, a partir del 22 de septiembre de 2011.
El Instituto Nacional de Bellas Artes y Acción cultural española a través del
Museo de Arte Moderno inauguran las exposiciones: Félix Candela / Max Cetto
Jueves 22 de septiembre 2011
20:00 horas
Museo de Arte Moderno, Paseo de la Reforma y Gandhi s/n, Bosque de Chapultepec.
Félix Candela sacudió el ámbito de la arquitectura con una tecnología constructiva de origen europeo que alcanzó en suelo mexicano un desarrollo inusitado. No fue el primero ni el único que hizo este tipo de estructuras, pero abrió nuevos caminos en la especialidad al emplear profusamente y con gran virtuosismo el paraboloide hiperbólico, aprovechando al máximo las ventajas estructurales y expresivas de esta forma geométrica par...a crear una obra que dejó huella en la arquitectura mexicana del siglo XX.
Esta exposición dedicada a este notable arquitecto determinante en el periodo moderno en México, es una primera revisión extensiva y conjunta de material original procedente de los archivos que resguardan tres prestigiosas universidades (Columbia, Princeton y la UNAM), y se enriquece con maquetas virtuales y estereolitográficas, publicaciones de la época, audiovisuales y fotografías que documentan en torno a su obra: procesos constructivos, percepciones de artistas fotógrafos, así como su estado actual. Esta muestra, organizada por el Instituto Valenciano de Arte Moderno, Acción Cultural/Española y el Museo de Arte Moderno en la Ciudad de México, recupera la trayectoria vital y profesional de este genio del diseño estructural, con la finalidad de poner en valor su legado y generar mecanismos que permitan conservarlo y difundirlo adecuadamente.
Para muchos, la producción del arquitecto de origen alemán Max Cetto aún es muy poco conocida. Este desconocimiento ha provocado que su obra no se haya apreciado en su magnitud, otorgándole la relevancia que merece. Cetto se estableció en México en 1939, y a partir de ese momento contribuyó de manera notable al desarrollo de la arquitectura moderna en Mexico. Como arquitecto realizó proyectos para edificios de departamentos y comerciales, casas habitación, rascacielos, fábricas, hoteles.
La exposición Max Cetto busca presentar por primera vez la obra de este notable arquitecto a un público amplio. La exhibición de su obra es aquí más representativa que exhaustiva y se centra en los proyectos que realizó en el país a partir de 1939. Algunas construcciones elaboradas por Cetto que se incluyen en esta muestra, además de ilustrarse con material histórico, cuentan con documentación de su estado actual, realizada específicamente para este proyecto. La exposición se complementa con algunos ejemplos de la práctica de Cetto como pintor, diseñador, fotógrafo y promotor de la arquitectura realizada en el país con el fin de ampliar el conocimiento sobre este destacado arquitecto mexicano-alemán.
13.9.11
Fallece a los 89 años el artista británico Richard Hamilton, padre del 'pop art'
Vía El País
El pintor preparaba una gran retrospectiva de su obra que iba a recalar en Los Ángeles, Filadelfia, Londres y Madrid en 2013 y 2014
El artista británico Richard Hamilton, considerado el padre del pop art, ha fallecido hoy de un cáncer a los 89 años en Reino Unido, ha informado su galería. A pesar de su edad, el artista seguía activo, de hecho trabajaba en una gran retrospectiva que iba a recalar en Los Ángeles, Filadelfia, Londres y Madrid a lo largo de 2013 y 2014. Nacido en Londres el 24 de febrero de 1922, su obra más conocida es el pequeño collage Just what is it that makes today's homes so different, so appealing? (¿Qué es lo que hace las casas de hoy tan diferentes, tan atractivas?), que algunos historiadores del arte señalan como arranque del movimiento artístico del pop art, una expresión que él mismo acuñó.
Preguntado sobre su célebre cuadro y lo que el público percibía en él, el artista declaró en una reciente entrevista en un periódico que estaba "bastante aburrido de esa obra, pero era una buena fuente de ingresos". Precisamente, el sentido del humor y la modestia definían el carácter de Hamilton.
Diseñador, grabador, admirador de Marcel Duchamp, otra de sus creaciones más famosas fue la carátula del White album el doble disco de The Beatles que impactó por una portada de ese color y únicamente con el nombre de los fab four. En una entrevista con EL PAÍS explicó la gestación de la archiconocida portada: "En el primer encuentro me hicieron esperar más de media hora. Yo iba viendo pasar a jovencitas en minifalda y largas botas que se paseaban mucho, pero no hacían nada. Cada vez me sentía más incómodo, no estaba enfadado, pero sí muy molesto. Cuando finalmente hablamos les dije, un poco para sacármelos de encima, que como habían hecho una portada tan llena de elementos [Sgt. Pepper's] tenían que hacer una cosa totalmente blanca, como contraste".
Inicios en una agencia publicitaria
Hamilton comenzó su trayectoria en una agencia publicitaria, con 16 años entró en la Royal Academy of Art, donde estudió pintura. Su primera exposición, una colección de aguafuertes, es de 1950. Su obra tiene, entre otras, influencias de Cézanne, el cubismo y el futurismo. En 1952 se convierte en profesor de tipografía y diseño industrial en la Escuela Central de Arte y Diseño de Londres. Cuatro años después, en la exposición This is tomorrow presentó su cuadro más conocido, el collage que marca el nacimiento del pop art. Entre la cantidad de elementos que componen la obra, destacan una chica de revista, un culturista, un televisor, un logotipo de Ford, una portada de tebeo, una aspiradora, un cartel de cine y un culturista con un gran chupa-chups con la palabra pop, símbolos todos de la cultura estadounidense.
El propio pintor definió la corriente del pop art como "popular -se dirige a una audiencia de masas-, efímera -es una solución a corto plazo-, fungible -se olvida fácilmente-, de bajo coste, producida en masa, ingeniosa, sexy, joven, tramposa y un gran negocio".
"Es un día muy triste para todos nosotros", ha declarado su marchante y galerista Larry Gagosian, que ha enviado sus condolencia a la esposa de Hamilton, Rita, y a su hijo Rod. Para Gagosian, la influencia de Hamilton en las generaciones posteriores de artistas "continúa y es inconmensurable". Este experto no ha dicho cómo ha fallecido el artista ni exactamente dónde.
Nicholas Serota, director de la Tate londinense, ha añadido que se trata de un artista muy admirado por sus coetáneos, como Andy Warhol y Joseph Beuys. "Hamilton produjo una serie de exquisitas pinturas y dibujos que tratan el tema del glamour, el consumo y la cultura popular".
10.9.11
Un nuevo golpe a la memoria de Tocopilla: el Liceo B-2 [Latrille] se demuele y se levanta un nuevo edificio
8.9.11
THE SURVIVAL OF MODERN, FROM COFFEE CUP TO GENERAL PLAN. 12th International Docomomo Conference, Espoo, Finland, August 2012
Vía Docomomo Conference 2012
Docomomo Suomi/Finland will host the 12th Docomomo International Conference in Espoo, Finland in 2012.
The conference will be held in cooperation and with the support of the City of Espoo and Espoo City Museum.
Espoo is part of the greater metropolitan Helsinki area and parts of the the program are held over the capital region. The program is prepared and realized in collaboration with public and private organizations, the principal ones being the Alvar Aalto Foundation, the City of Helsinki, the Architectural Department of Aalto University, Museum of Finnish Architecture, the National Board of Antiquities, the Ministery of Environment and the Ministery of Culture and Education.
The time of the proposed conference coincides with the greater Helsinki region being the World Design Capital 2012, with numerous events and exhibitions dealing with design in all its aspects.
The proposed theme is THE SURVIVAL OF MODERN, FROM COFFEE CUP TO GENERAL PLAN.
call for papers
October 15, 2011: deadline for abstracts
Matta: El cubo abierto. Nueva instalación de la Colección Permanente del Museo Thyssen-Bornemisza en Madrid.
Vía Museo Thyssen-Bornemisza
Del 09 de septiembre al 23 de octubre de 2011
Nueva instalación de la Colección Permanente.
Sala de Exposiciones Contexto en el Balcón-Mirador de la Planta Primera.
Entrada libre.
La nueva instalación de los cinco grandes lienzos del ciclo L’Honni aveuglant (El proscrito deslumbrante) de Matta perteneciente a la colección del Museo reproducirá el modo en que el artista los montó en su primera presentación al público en la Galerie Alexandre Iolas de París en 1966.
El artista chileno presentó esta serie con su sistema de “cubo abierto”, una especie de políptico de la era contemporánea con que creaba una caja destinada a envolver al espectador. Dos de ellos se mostraban horizontalmente suspendidos en el techo, cerrando el espacio creado por los otros tres. Con este espectacular montaje, Matta conseguía sumergir al espectador en su universo pictórico, un universo hermético y alucinatorio, cargado de referencias literarias, espirituales y artísticas.
Cuarenta y cinco años más tarde y con motivo del centenario del nacimiento del artista, que se conmemora en 2011, el ciclo se volverá a presentar en su esplendor original.
Ch.ACO, Feria de Arte Contemporáneo 2011. 8-13 de septiembre de 2011, Centro Cultural Estación Mapocho.
Vía Ch.ACO
Guía Práctica Feria Ch.ACO 2011
Estacionamientos para mil personas, buses Turistik de acercamiento, abonos semanales y un completo programa de charlas y seminarios con expertos, son parte de la apuesta de la gran fiesta del arte chileno que empieza el próximo 8 de septiembre.
A menos de una semana de la inauguración de Feria Ch.ACO 2011, ya está todo listo y dispuesto para recibir a las más de 50 mil personas que se esperan en esta tercera versión, la que contará con más de más de 40 galerías nacionales e internacionales, cerca de 400 obras en exhibición, donde destacan las propuestas de renombrados artistas como Damien Hirst, Francis Bacon, Lucian Freud y José Restrepo, entre otros.
Invitados Internacionales
Los invitados internacionales serán parte central del encuentro, quienes aportarán con su visión y experiencia, generando un diálogo entre las diversas propuestas artísticas. Las charlas y ponencias se desarrollarán en el auditorio del Centro Cultural Estación Mapocho.
La visita de estos destacados representantes está alineado con el objetivo de Ch.ACO de generar un dialogo entre las propuestas visuales de diferentes países, especialmente cuando se trata de los países de la costa pacífica. Todos ellos estarán presentes en la tercera versión de la feria, aportando con su visión sobre el estado de las artes visuales a nivel internacional, instancias que se llevarán a cabo en el auditorio del Centro Cultural Estación Mapocho.
Ch.ACO Tips
Para esta tercera versión de la Feria Ch.ACO 2011 no hay excusas para quedarse afuera, ya que se ha trabajado en un completo programa que permitirá ofrecer el más amplio acceso y todas las facilidades posibles a los visitantes. Las coordenadas son las siguientes:
Estacionamientos:
Parque de Los Reyes: capacidad 400 vehículos.
Avenida Balmaceda, esquina Morandé: capacidad 900 vehículos.
Buses Turistik de acercamiento (recorridos gratuitos):
Salidas desde el Mall Parque Arauco hacia el Centro Cultural Estación Mapocho a las
15:00, 17:00 y 19:00 horas.
Salidas desde el Centro Cultural Estación Mapocho hacia el Mall Parque Arauco a las
16:00, 18:00 y 20:00 horas.
Entradas gratuitas: participando en nuestras redes sociales.
www.twitter.com/feriachaco (hashtag #feriachaco)
www.facebook.com/FeriaCh.ACO
Guía Práctica Feria Ch.ACO 2011
Estacionamientos para mil personas, buses Turistik de acercamiento, abonos semanales y un completo programa de charlas y seminarios con expertos, son parte de la apuesta de la gran fiesta del arte chileno que empieza el próximo 8 de septiembre.
A menos de una semana de la inauguración de Feria Ch.ACO 2011, ya está todo listo y dispuesto para recibir a las más de 50 mil personas que se esperan en esta tercera versión, la que contará con más de más de 40 galerías nacionales e internacionales, cerca de 400 obras en exhibición, donde destacan las propuestas de renombrados artistas como Damien Hirst, Francis Bacon, Lucian Freud y José Restrepo, entre otros.
Invitados Internacionales
Los invitados internacionales serán parte central del encuentro, quienes aportarán con su visión y experiencia, generando un diálogo entre las diversas propuestas artísticas. Las charlas y ponencias se desarrollarán en el auditorio del Centro Cultural Estación Mapocho.
La visita de estos destacados representantes está alineado con el objetivo de Ch.ACO de generar un dialogo entre las propuestas visuales de diferentes países, especialmente cuando se trata de los países de la costa pacífica. Todos ellos estarán presentes en la tercera versión de la feria, aportando con su visión sobre el estado de las artes visuales a nivel internacional, instancias que se llevarán a cabo en el auditorio del Centro Cultural Estación Mapocho.
Ch.ACO Tips
Para esta tercera versión de la Feria Ch.ACO 2011 no hay excusas para quedarse afuera, ya que se ha trabajado en un completo programa que permitirá ofrecer el más amplio acceso y todas las facilidades posibles a los visitantes. Las coordenadas son las siguientes:
Estacionamientos:
Parque de Los Reyes: capacidad 400 vehículos.
Avenida Balmaceda, esquina Morandé: capacidad 900 vehículos.
Buses Turistik de acercamiento (recorridos gratuitos):
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15:00, 17:00 y 19:00 horas.
Salidas desde el Centro Cultural Estación Mapocho hacia el Mall Parque Arauco a las
16:00, 18:00 y 20:00 horas.
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7.9.11
VII Bienal Internacional de Arte, SIART-Bolivia 2011, del 12 de octubre al 12 de noviembre de 2011, La Paz.
Propuesta Curatorial
Diálogos en la complejidad
Curador General: Justo Pastor Mellado (Chile)
Curador Adjunto: José Bedoya (Bolivia)
http://www.bienal-siart.com/
http://bienalsiart.blogspot.com/
6.9.11
La silenciosa substitución de las casas de Huanchaca (luego de FCAB), 1885-1917-2011.
Desde hace tiempo se ha iniciado un proceso de substitución sobre un área de viviendas patrimoniales protegidas por el plan regulador de Antofagasta.
Se trata de dos manzanas con 64 viviendas de madera que formaban parte del campamento de la Fundición Playa Blanca de la Compañía Huanchaca al sur de la ciudad, junto a las ruinas de esa fundición de plata y en parte de los terrenos que actualmente ocupa la Universidad Católica del Norte. Esas viviendas que, según Garcés datan alrdedor de 1885 (a pesar de las obras de la fundición se iniciaron en 1888 y terminaron en 1893), fueron adquiridas por el Ferrocarril de Antofagasta (FCAB) y reemplazadas en 1917 en dos manzanas sobre el centro de la ciudad, sobre avenida Argentina, entre las calles Baquedano y Maipú, y sobre calle Atacama.
Son 5 tipos de casas, que fueron investigadas por los arquitectos Eugenio Garcés Feliu y Patricio Morgado (más otros colaboradores) en el tiempo que fueron profesores de la Escuela de Arquitectura de la UCN. El conjunto, que sintetiza un legado de la arquitectura residencial de un asentamiento industrial de fines del siglo XIX, cuando Antofagasta cumplía recién sus 19 años de su primer poblamiento fue destacado en la Y Bienal de Arquitectura de Chile, en 1985, como parte de los antecedentes históricos de la historia de la vivienda con calidad en Chile y fueron publicados en la revista CA nº 41, una publicación del Colegio de Arquitectos de Chile.
© revista CA
Quien detectó las alteraciones fue Patricio Espejo Leupin, que en ese momento entró en contacto con el Consejo de Monumentos Nacionales con el fin de confeccionar una carpeta para proteger el área, y para su sorpresa, el conjunto estaba con cierto tipo de protección en el plan comunal. Lo que es cierto es que desde entonces, varios se comprometieron con el tema. Del Consejo, la Srta. María Eugenia Espiñeira de Santiago, solicitó más información ya que la Seremi del MINVU de Antofagasta había opinado a favor de proteger las casas, y manifestó que quería presentar algo a la comisión de Arquitectura del Consejo, con más información que Espejo les envió.
Así el Consejo de Monumentos Nacionales se comprometió a interceder con la Municipalidad de Antofagasta. De esa forma, le enviaron un oficio directamente a la Alcaldesa, sin obtener respuestas, y así, al parecer nada ha pasado y el tema duerme en carpeta mientras se substituyen las viviendas de madera por nuevas construcciones pos modernas que desvirtúan totalmente el conjunto armónico.
El tema está super vigente y podemos dejar que tan único conjunto desaparezca frente a la especulación inmobiliaria y al desinterés y escasa fiscalización municipal. No debemos olvidar que los permisos de construcción de estas construcciones fueron otorgados en la Dirección de Obras Municipales que ha hecho vista gorda al valor del lugar.
Un edificio reemplaza una o más viviendas. Ninguna consideración en la altura y continuidad.
La continuidad armónica y rítimica de las construcciones trasladadas de Peña Blanca con sus galerías.
Otro reemplazo, ahora por una contrucción de estilo indefinido y de dos pisos.
Una construcción de tres pisos se eleva en lugar de una vivienda de Huanchaca.
El ritmo que evidencia la pendiente, con la Casa Botta al fondo, otro edificio en estado deplorable, y que en los años 80 fue un ejemplo de recuperación patrimonial, ahora en total abandono.
Una de las esquinas que se aparentememte se mantiene en calle Atacama con Baquedano, pero a la cual se le han cerrado las galerías.
La textura de viviendas, con la casa Botta y más al fondo la casa Gimenez.
Una amable continuidad y escala humana en el espacio urbano.
Una esquina que se conserva en calle Maipu con Atacama.
El escalonamiento de las cubierta que revelan la topografía.
Otra substitución inconciente y silenciosa.
Se trata de dos manzanas con 64 viviendas de madera que formaban parte del campamento de la Fundición Playa Blanca de la Compañía Huanchaca al sur de la ciudad, junto a las ruinas de esa fundición de plata y en parte de los terrenos que actualmente ocupa la Universidad Católica del Norte. Esas viviendas que, según Garcés datan alrdedor de 1885 (a pesar de las obras de la fundición se iniciaron en 1888 y terminaron en 1893), fueron adquiridas por el Ferrocarril de Antofagasta (FCAB) y reemplazadas en 1917 en dos manzanas sobre el centro de la ciudad, sobre avenida Argentina, entre las calles Baquedano y Maipú, y sobre calle Atacama.
Son 5 tipos de casas, que fueron investigadas por los arquitectos Eugenio Garcés Feliu y Patricio Morgado (más otros colaboradores) en el tiempo que fueron profesores de la Escuela de Arquitectura de la UCN. El conjunto, que sintetiza un legado de la arquitectura residencial de un asentamiento industrial de fines del siglo XIX, cuando Antofagasta cumplía recién sus 19 años de su primer poblamiento fue destacado en la Y Bienal de Arquitectura de Chile, en 1985, como parte de los antecedentes históricos de la historia de la vivienda con calidad en Chile y fueron publicados en la revista CA nº 41, una publicación del Colegio de Arquitectos de Chile.
© revista CA
Quien detectó las alteraciones fue Patricio Espejo Leupin, que en ese momento entró en contacto con el Consejo de Monumentos Nacionales con el fin de confeccionar una carpeta para proteger el área, y para su sorpresa, el conjunto estaba con cierto tipo de protección en el plan comunal. Lo que es cierto es que desde entonces, varios se comprometieron con el tema. Del Consejo, la Srta. María Eugenia Espiñeira de Santiago, solicitó más información ya que la Seremi del MINVU de Antofagasta había opinado a favor de proteger las casas, y manifestó que quería presentar algo a la comisión de Arquitectura del Consejo, con más información que Espejo les envió.
Así el Consejo de Monumentos Nacionales se comprometió a interceder con la Municipalidad de Antofagasta. De esa forma, le enviaron un oficio directamente a la Alcaldesa, sin obtener respuestas, y así, al parecer nada ha pasado y el tema duerme en carpeta mientras se substituyen las viviendas de madera por nuevas construcciones pos modernas que desvirtúan totalmente el conjunto armónico.
El tema está super vigente y podemos dejar que tan único conjunto desaparezca frente a la especulación inmobiliaria y al desinterés y escasa fiscalización municipal. No debemos olvidar que los permisos de construcción de estas construcciones fueron otorgados en la Dirección de Obras Municipales que ha hecho vista gorda al valor del lugar.
Un edificio reemplaza una o más viviendas. Ninguna consideración en la altura y continuidad.
La continuidad armónica y rítimica de las construcciones trasladadas de Peña Blanca con sus galerías.
Otro reemplazo, ahora por una contrucción de estilo indefinido y de dos pisos.
Una construcción de tres pisos se eleva en lugar de una vivienda de Huanchaca.
El ritmo que evidencia la pendiente, con la Casa Botta al fondo, otro edificio en estado deplorable, y que en los años 80 fue un ejemplo de recuperación patrimonial, ahora en total abandono.
Una de las esquinas que se aparentememte se mantiene en calle Atacama con Baquedano, pero a la cual se le han cerrado las galerías.
La textura de viviendas, con la casa Botta y más al fondo la casa Gimenez.
Una amable continuidad y escala humana en el espacio urbano.
Una esquina que se conserva en calle Maipu con Atacama.
El escalonamiento de las cubierta que revelan la topografía.
Otra substitución inconciente y silenciosa.
El Estadio Regional y su remodelación, el brutalismo de la modernidad y la mecánica de la demolición
Desde hace días iniciaron la "remodelación" del Estadio Regional de Antofagasta, lo que significa una agresiva transformación. Sin duda el mundo deportivo debe estar radiante, ya que finalmente tendrán un coliseo digno. Lo único chocante es que el diseño realizado por el equipo de arquitectos liderado por Mario Recordón (arquitecto especialista en diseño de arquitectura deportiva, premio nacional de Arquitectura y un reconocido atleta nacional) en 1959 e inaugurado en 1964, está sufriendo una radical mutilación, daño que ya había sido inaugurado con la fatal incrustación de un escenario en el área norte de la construcción en manos del poco virtuoso ex alcalde Adaro.
¿No podría haberse considerado un diseño que recuperase el diseño original y entregase a la vez las necesidades contemporáneas para la ciudad de Antofagasta?
A continución una serie de imágenes del encuentro no fortuito del diseño brutalista de la arquitectura de Recordón con la máquina de la demolición del desarrollo contemporáneo.
¿No podría haberse considerado un diseño que recuperase el diseño original y entregase a la vez las necesidades contemporáneas para la ciudad de Antofagasta?
A continución una serie de imágenes del encuentro no fortuito del diseño brutalista de la arquitectura de Recordón con la máquina de la demolición del desarrollo contemporáneo.
El Liceo Domingo Latrille de Tocopilla y la visión del Consejo de Monumentos Nacionales. Por Damir Galaz.
© Foto Claudio Galeno
Vía Tocopilla y su historia
Frente a la inminente declaración de Zona Típica, por parte del Consejo de Monumentos Nacionales, al conjunto de edificaciones levantadas por el Estado y representativas de Movimiento Moderno, como lo constituyen las Escuela Superior de Hombres N°1 y Escuela Superior de Niñas N°2, Edificios Colectivos de la Caja del Seguro Obrero Obligatorio, proyectados por Luciano Kulczewski, y el liceo tardomoderno Domingo Latrille, el Secretario Ejecutivo de la misma institución Sr. Emilio de la Cerda Errázuriz, ha señalado que, “respecto al estado de declaratoria, ésta se encuentra en etapa de estudio y recopilación de antecedentes, por lo que por el momento no existe una fecha estimada para su oficialización. No obstante lo anterior, debido al valor histórico y arquitectónico del Liceo Domingo Latrille y a la relevancia que presenta para los habitantes de Tocopilla, recomendamos que cualquier intervención que se proponga propenda a su conservación, es decir, su recuperación y no su reposición, en el entendido de que la preservación del patrimonio de la localidad de Tocopilla amerita realizar los esfuerzos que sean necesarios”.
El respaldo legal a dicha recomendación está encausada en cuanto a que, “El Liceo Latrille, cuya construcción fue ejecutada por la Sociedad de Establecimientos Educaciones y como lo establece el Decreto Exento n°480 05/07/2004, conforma un grupo educacional con la Escuela Pablo Neruda y la Escuela Arturo Prat Chacón”.
Esta intervención del Consejo de Monumentos Nacionales, está enmarcada y fundamentada en los informes técnicos emanados en los estudios realizados a la edificación, los que señalan que el edificio es 100% reparable, con una intervención símil a la realizada en las escuelas y Monumentos Históricos Arturo Prat y Pablo Neruda. Del mismo modo está enmarcada en el valor y significación como patrimonio inmueble y en la consideración de que “…el liceo domingo Latrille no es un elemento aislado, sino que forma parte de un conjunto y de una narrativa histórica que tiene coherencia en su totalidad, ya que forma parte de un conjunto de construcciones representativas del movimiento moderno y que se relacionan con el desarrollo historico de Tocopilla como puerto”.
En este escenario, que deplorable sería una decisión omisa a estos requerimientos con un daño irreparable por parte de personas que están en cargos pasajeramente. Que preciso seria poseer las competencias necesarias, en cuanto a instrucción en estos temas, por parte de los que toman las decisiones, tanto a nivel local y regional.
Cabe señalar que la gestión ante el Consejo Nacional de Monumentos Nacionales es realizada por la agrupación Tocopilla 100% Patrimonio, quienes han tenido que documentar los antecedentes históricos y arquitectónicos de la zonificación.
Esta carta ha sido enviada al Seremi de Educación de la Región de Antofagasta, Sr. Vicente Ayala con fecha 12 de agosto 2011. N° del Ord. 4463. Con copia a Archivo CMN, AL Jefe de la División Jurídica del MINEDUC, Agrupación 100% Patrimonio, Sr. Joel Becerra y a la Coordinadora CAMN Región Antofagasta, Carolina Guzmán.
Vía Tocopilla y su historia
Frente a la inminente declaración de Zona Típica, por parte del Consejo de Monumentos Nacionales, al conjunto de edificaciones levantadas por el Estado y representativas de Movimiento Moderno, como lo constituyen las Escuela Superior de Hombres N°1 y Escuela Superior de Niñas N°2, Edificios Colectivos de la Caja del Seguro Obrero Obligatorio, proyectados por Luciano Kulczewski, y el liceo tardomoderno Domingo Latrille, el Secretario Ejecutivo de la misma institución Sr. Emilio de la Cerda Errázuriz, ha señalado que, “respecto al estado de declaratoria, ésta se encuentra en etapa de estudio y recopilación de antecedentes, por lo que por el momento no existe una fecha estimada para su oficialización. No obstante lo anterior, debido al valor histórico y arquitectónico del Liceo Domingo Latrille y a la relevancia que presenta para los habitantes de Tocopilla, recomendamos que cualquier intervención que se proponga propenda a su conservación, es decir, su recuperación y no su reposición, en el entendido de que la preservación del patrimonio de la localidad de Tocopilla amerita realizar los esfuerzos que sean necesarios”.
El respaldo legal a dicha recomendación está encausada en cuanto a que, “El Liceo Latrille, cuya construcción fue ejecutada por la Sociedad de Establecimientos Educaciones y como lo establece el Decreto Exento n°480 05/07/2004, conforma un grupo educacional con la Escuela Pablo Neruda y la Escuela Arturo Prat Chacón”.
Esta intervención del Consejo de Monumentos Nacionales, está enmarcada y fundamentada en los informes técnicos emanados en los estudios realizados a la edificación, los que señalan que el edificio es 100% reparable, con una intervención símil a la realizada en las escuelas y Monumentos Históricos Arturo Prat y Pablo Neruda. Del mismo modo está enmarcada en el valor y significación como patrimonio inmueble y en la consideración de que “…el liceo domingo Latrille no es un elemento aislado, sino que forma parte de un conjunto y de una narrativa histórica que tiene coherencia en su totalidad, ya que forma parte de un conjunto de construcciones representativas del movimiento moderno y que se relacionan con el desarrollo historico de Tocopilla como puerto”.
En este escenario, que deplorable sería una decisión omisa a estos requerimientos con un daño irreparable por parte de personas que están en cargos pasajeramente. Que preciso seria poseer las competencias necesarias, en cuanto a instrucción en estos temas, por parte de los que toman las decisiones, tanto a nivel local y regional.
Cabe señalar que la gestión ante el Consejo Nacional de Monumentos Nacionales es realizada por la agrupación Tocopilla 100% Patrimonio, quienes han tenido que documentar los antecedentes históricos y arquitectónicos de la zonificación.
Esta carta ha sido enviada al Seremi de Educación de la Región de Antofagasta, Sr. Vicente Ayala con fecha 12 de agosto 2011. N° del Ord. 4463. Con copia a Archivo CMN, AL Jefe de la División Jurídica del MINEDUC, Agrupación 100% Patrimonio, Sr. Joel Becerra y a la Coordinadora CAMN Región Antofagasta, Carolina Guzmán.
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5.9.11
Adriana Zuanic entrevista a Raúl Ruiz en Antofagasta el año 2007.
Adriana Zuanic entrevista a Raúl Ruiz en Antofagasta, 2007. from Claudio Galeno Ibaceta on Vimeo.
En Antofagasta el año 2007, la cineasta antofagastina Adriana Zuanic entrevistó al cineasta Raúl Ruiz en el contexto del Festival Internacional de Cine del Norte de Chile que ella dirigía. Ruiz, quien acompañaba a su esposa Valeria Sarmiento en ese viaje, en ese tiempo estaba filmando y produciendo para la televisión chilena y se interesó por Antofagasta como locación para alguna de las historias.La entrevista fue registrada por Visual Productora. Zuanic organizaba el Festival acompañada de un círculo íntimo de amigos y colaboradores: Marcela Díaz Gálvez, René Huerta, Claudio Galeno, Jorge Wittwer y Arlette Ibarra.
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