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3.7.14
Un hermoso final: el desvarío de Favre Inc. (corregido) por Claudio Galeno
Limbo, exposición de Pablo Favre en Balmaceda Arte Joven Antofagasta, año 2012.
Favre es un agente del pop y en ese sentido sus ilustraciones se han caracterizado por su estética lisérgica donde expone personajes populares y seres fantasiosos que se desprenden de una mente en viaje. En el caso de “Limbo”, esta aventura es también surreal, y homenajea a una serie de personajes emblemáticos de la cultura antofagastina: Adriana Zuanic, Pedro de la Barra, Andrés Sabella, Nelly Lemus, Víctor Bórquez, Alejandro Jodorowsky, el Chico de las Conchas, el Dos por Cien, Alexis Sánchez, el notable Tipógrafo Huraño.
Se trata de la construcción de un imaginario de sueño y de pesadillas, de profundo carácter freudiano, que adquiere la forma de ilustraciones. Íconos culturales que son puestos en un platillo lleno de secretos, de mensajes telegráficos, balbuceos cargados de historias entre nubes y arco-iris. Se trata de cuerpos en trascendencia, del viaje lisérgico, de la necesaria totemización del ser humano, finalmente convertido en íconos pop.
La representación del mundo vista mediante los ojos de Frave Inc., permite visualizar una estructuración del mundo sostenida en sus fascinaciones y sus voluntades automáticas. En su paleta confluyen diversos ingredientes, entre ellos: cabezas aisladas, tercer ojo, nubes, cielos nocturnos y hongos. Pero un elemento fundamental y que domina sus composiciones es la línea arco-iris que atraviesa esas cabezas y las traslada a un campo surrealista. La expresión de sueño y de embriaguez, además nos acerca a la acción mística del tatuaje o del “brand”, un lenguaje del tótem y del tabú, en clave brutal contemporánea.
El desvario de Favre Inc., un hermoso final...
Comunatrama: Macarena Gutiérrez: Tramas de lo encontrado: objetos, espacios y mujeres, por Claudio Galeno.
Comunatrama, catálogo de la exposición de textiles de Macarena Gutiérrez en Balmaceda Arte Joven, Antofagasta, año 2012.
Comunatrama, exposición de textiles de Macarena Gutiérrez en Balmaceda Arte Joven, Antofagasta.
Tramas de lo encontrado: objetos, espacios y mujeres.
La obra de Macarena Gutiérrez debe ser entendida no solo por la exposición sino como un producto más extenso que incluyó procesos previos y diversas experiencias de vida.
En ese sentido la producción de la artista se sitúa dentro de la idea de un arte relacional, una manifestación artística que el crítico Nicolás Bourriaud ha definido como un serie de prácticas que surgen a partir de “el conjunto de las relaciones humanas y su contexto social” (Bourriand, 2006, 142). De esa forma, Comunatrama se constituye a partir de una serie de sucesos y voluntades.
El proceso tiene un primera antecedente en la época universitaria, cuando quiso y obtuvo una máquina de coser y aprendió a usarla (cuando se graduó, en Antofagasta y con una socia crearon una marca de ropas llamada “Piel”), luego vendría su trabajo de graduación, dirigido por Justo Pastor Mellado, en el cual mediante la pintura, reproducía estampados de telas, y sobre ellos pintaba figuras humanas que provenían de un manual de dibujo de Andrew Loomis, una práctica de desplazamiento de imagen.
Entre esas pinturas había una en la cual ella había reproducido el estampado de líneas de un colchón. Pero una nueva idea emergió cuando el grabador Eduardo Vilches vio esa pintura y manifestó que podría haber pintado sobre un colchón.
Pasaron diez años de retiro artístico hasta que Macarena se unió a la clínica que dirigió Marcos Figueroa en el año 2008 para la Trienal de Chile, y decidió desarrollar la sugerencia de Vilches. Entre los objetos usados de la Feria de las Pulgas, eligió un colchón para el ejercicio. La pieza doméstica y corpórea fue apropiada y luego intervenida, abierta, moldeada, dentro de sus propios códigos de la impronta del cuerpo y de la experimentación con bordados, pero también con manchas y teñidos, con aceite y luego con vino. El resultado se alinea con la serie de siluetas efímeras de Ana Mendieta.
Luego, en el año 2009 para la muestra de la Trienal, construyó una segunda pieza utilizando brocado o telas de tapicería y restos extraídos del primero. Como explicaba la artista: “En el anterior yo lo socavé, e hice esta idea de que quedaba este espacio del cuerpo que estuvo ahí, el que fabriqué, por el contrario, le di volumen, como si se hubiera quedado ese ser humano” (Macarena Gutiérrez Gebauer entrevistada por Claudio Galeno el 3 de noviembre de 2013). La artista revelaba un cuerpo que habitaba en el objeto. En las nuevas piezas el cuerpo era análogo a las pinturas con los cuerpos superpuestos.
En estas piezas empezó el ejercicio con el vino, que era utilizado para teñir los colchones, por que en el desarrollo que tenía su trabajo ya no tenía sentido pintar. Como indica la artista: “Así entra el concepto de teñir. El teñir tiene que ver con la tela, que se tiñe, que no es pintar, es un concepto amigable por que pasa a ser parte de la hebra.” (Gutiérrez entrevistada...)
El trabajo con los colchones fue su primera práctica con lo textil, pero la exploración exigió a la artista formarse en ciertos aspectos básicos de las técnicas de elaboración. En el pasado era habitual que las mujeres chilenas aprendieran una serie de prácticas de la vida doméstica, entre ellas las vinculadas a los textiles, pero la artista reconoce que no tuvo ninguna formación en labores domésticas, fuese en el colegio o en el ámbito familiar.
Es cuando emerge el espacio encontrado, un reducto de formación en las prácticas textiles. Macarena quería aprender, y buscó un sitio donde se enseñara. Lo encontró en su rutina doméstica, en la inmediación del colegio de sus hijos estaba la Parroquia Madre de Dios. En ese sitio se realizaban talleres, y como indicó: “resultó que era el único lugar donde yo podía acceder y donde alguien me iba a enseñar a tejer”. (Gutiérrez entrevistada...)
En la iglesia se ofrecían talleres de todo tipo y los hacían algunas señoras devotas. Una de ellas coordinaba a otras mujeres que se juntaban a tejer y además enseñaban. De esa forma se unió al grupo por las tardes. La escena era la siguiente: todas ellas tejían para un gran proyecto, una señora las asesoraba, y Macarena no sabía ni siquiera agarrar un palillo. Allí aprendió sus primeras lecciones de croché (fue durante este proceso cuando elaboró un par de piezas que fueron expuesta en la colectiva Escena 2010 en la Sala ÁS de la Escuela de Arquitectura en la UCN.).
El espacio no solo era de aprendizaje, también era de reunión, era una extensión de lo doméstico, de la conversación, de la sociabilidad, de un pausado trabajo colectivo. Las características de la situación evoca un interior costumbrista que podría haber sido pintado por Arturo Gordon (también evoca las pinturas de actividades interiores del holandés Johannes Vermeer.).
En el contexto del espacio de las tejedoras apareció la silla como el soporte rígido del cuerpo en la práctica del tejer, y el conjunto de sillas revelaba el cuerpo colectivo en la reunión de esas mujeres, de las labores del sexo.
La artista empezó a formular una exposición donde lo central serían varias sillas vestidas de tejidos de lana, que harían referencia a la práctica femenina y al espacio íntimo de la mujer mientras era dueña de casa. En palabras de la artista, “un objeto que habla del ser humano sin tener al ser humano” (Gutiérrez entrevistada...). Las sillas, como un nuevo objeto encontrado, finalmente llegarían donados desde Vallenar producto del desarme de un bar, unos muebles sencillos, básicos, para interiores.
Otra idea de la artista era sobre las migraciones de mujeres en el pasado y en la época contemporánea, un tema que la inquietaba. De la mujer que acompaña el marido que viene por la minería, que es mantenida por él, y que se ocupa de la casa y de sus labores domésticas. En ese sentido, el concepto de inmigrante también incluía a las chilenas que venían de otras regiones.
Además planeaba vestir el espacio expositivo con textiles. Fue cuando asumió que la obra que pretendía no podía ser hecha de forma individual, y que necesitaba de varias otras manos, así que decidió encomendar trabajos a otras mujeres que serían inmigrantes. Ella les entregaba el material para el tejido, de forma que, mediante esta operación de extender la práctica a otras manos podía incluir la vida de otras mujeres, y amplificar las relaciones y los procesos del trabajo.
A las piezas que irían sobre los muros Macarena los denominó “textiles” (que en términos de la artista Anni Albers serían los “colgados”.), ya que prefirió desarrollar un concepto más amplio que acogiera una variedad técnica, ya que cualquier trama y la urdimbre era un textil. Entonces ella hablaba de textiles, no de cuadros. Y la forma más práctica, cuando trató de hacer ese vinculo con las posibles mujeres inmigrantes, para que comprendieran lo que quería, fue elaborar piezas cuadradas neutras, una figura básica de cualquier pieza de croché, o de muchas otras técnicas, y con las cual la artista podría componer sus obras.
Luego de una búsqueda, algunas de las mujeres encontradas eran parte del grupo de tejedoras de la parroquia, Paola y Paulina eran las chilenas inmigrantes; pero además necesitaba una peruana, y apareció la Limeñita que trabaja y enseña tejido y tiene una paquetería; también una colombiana, que fue Sheila, la propietaria de una cafetería frecuentada por la artista; luego una española, Mirenchu la madre de una amiga, que al conocerla supo que en realidad era francesa y se llamaba Germaine Marie, así que esa señora tejió dos tipos de tejidos, por que para la artista eran dos personajes; y finalmente una boliviana, Romina que era la empleada de la artista.
Cada una debía tejer 24 cuadrados de 40 x 40 cm o de 30 x 30, y durante el lento proceso de elaboración de los tejidos, fue conociendo a esas mujeres, cada una tenía su historia, por ejemplo Mirenchu con la Guerra Civil, la Limeñita con sus cursos y la televisión, Romina que huía de un amor, y esas vidas fueron incorporadas a la trama de la obra.
La artista para ejecutar las composiciones finales, volvió a la Feria de la Pulgas en búsqueda de otros textiles que se vincularían a los que elaboraban las mujeres. Mantas, alfombras que fueron desarmadas y rearmadas, algunos paños, algunas telas que luego fueron impresas. Así, con los fragmentos tejidos por las mujeres y las piezas de la feria, fue componiendo los textiles a partir de la historia de cada inmigrante. Con la máquina de coser, unió los cuadrados, y luego los otros tejidos, e incorporó un autorretrato impreso sobre una tela.
Las sillas fueron envueltas con tejidos de lana de llama. Esto incorporaba otro proceso, ya que el material había sido encargado a una señora en San Pedro de Atacama, lo que significó que tenían que trasquilar el animal, y luego hilar una lana de cierta cantidad de hebras. Las mismas mujeres inmigrantes y la artista tejieron los trajes de las sillas, sin importar el punto, la única condición es que el tejido tuviese espacio, una trama abierta.
Los textiles recibieron el nombre de las mujeres: Paola, Paulina, Romina, Mirenchu, Germaine Marie, La Limeñita y Sheila. La artista además acompaño las piezas con un breve relato que contaba como habían llegado estas mujeres a Antofagasta.
Comunatrama fue una obra compleja, una extensa composición de tramas de relaciones, de incorporaciones de sucesos, de encuentro con objetos, espacio y mujeres. Sus aspectos conceptuales están fuertemente unidos a lo técnico por que el centro es el ser humano, en ese sentido es antropológica. Surge de la vida de Macarena, que se proyecta en el otro para poder comprenderse a si misma, y hacernos parte de una reflexión colectiva.
Comunatrama, exposición de textiles de Macarena Gutiérrez en Balmaceda Arte Joven, Antofagasta.
Tramas de lo encontrado: objetos, espacios y mujeres.
La obra de Macarena Gutiérrez debe ser entendida no solo por la exposición sino como un producto más extenso que incluyó procesos previos y diversas experiencias de vida.
En ese sentido la producción de la artista se sitúa dentro de la idea de un arte relacional, una manifestación artística que el crítico Nicolás Bourriaud ha definido como un serie de prácticas que surgen a partir de “el conjunto de las relaciones humanas y su contexto social” (Bourriand, 2006, 142). De esa forma, Comunatrama se constituye a partir de una serie de sucesos y voluntades.
El proceso tiene un primera antecedente en la época universitaria, cuando quiso y obtuvo una máquina de coser y aprendió a usarla (cuando se graduó, en Antofagasta y con una socia crearon una marca de ropas llamada “Piel”), luego vendría su trabajo de graduación, dirigido por Justo Pastor Mellado, en el cual mediante la pintura, reproducía estampados de telas, y sobre ellos pintaba figuras humanas que provenían de un manual de dibujo de Andrew Loomis, una práctica de desplazamiento de imagen.
Entre esas pinturas había una en la cual ella había reproducido el estampado de líneas de un colchón. Pero una nueva idea emergió cuando el grabador Eduardo Vilches vio esa pintura y manifestó que podría haber pintado sobre un colchón.
Pasaron diez años de retiro artístico hasta que Macarena se unió a la clínica que dirigió Marcos Figueroa en el año 2008 para la Trienal de Chile, y decidió desarrollar la sugerencia de Vilches. Entre los objetos usados de la Feria de las Pulgas, eligió un colchón para el ejercicio. La pieza doméstica y corpórea fue apropiada y luego intervenida, abierta, moldeada, dentro de sus propios códigos de la impronta del cuerpo y de la experimentación con bordados, pero también con manchas y teñidos, con aceite y luego con vino. El resultado se alinea con la serie de siluetas efímeras de Ana Mendieta.
Luego, en el año 2009 para la muestra de la Trienal, construyó una segunda pieza utilizando brocado o telas de tapicería y restos extraídos del primero. Como explicaba la artista: “En el anterior yo lo socavé, e hice esta idea de que quedaba este espacio del cuerpo que estuvo ahí, el que fabriqué, por el contrario, le di volumen, como si se hubiera quedado ese ser humano” (Macarena Gutiérrez Gebauer entrevistada por Claudio Galeno el 3 de noviembre de 2013). La artista revelaba un cuerpo que habitaba en el objeto. En las nuevas piezas el cuerpo era análogo a las pinturas con los cuerpos superpuestos.
En estas piezas empezó el ejercicio con el vino, que era utilizado para teñir los colchones, por que en el desarrollo que tenía su trabajo ya no tenía sentido pintar. Como indica la artista: “Así entra el concepto de teñir. El teñir tiene que ver con la tela, que se tiñe, que no es pintar, es un concepto amigable por que pasa a ser parte de la hebra.” (Gutiérrez entrevistada...)
El trabajo con los colchones fue su primera práctica con lo textil, pero la exploración exigió a la artista formarse en ciertos aspectos básicos de las técnicas de elaboración. En el pasado era habitual que las mujeres chilenas aprendieran una serie de prácticas de la vida doméstica, entre ellas las vinculadas a los textiles, pero la artista reconoce que no tuvo ninguna formación en labores domésticas, fuese en el colegio o en el ámbito familiar.
Es cuando emerge el espacio encontrado, un reducto de formación en las prácticas textiles. Macarena quería aprender, y buscó un sitio donde se enseñara. Lo encontró en su rutina doméstica, en la inmediación del colegio de sus hijos estaba la Parroquia Madre de Dios. En ese sitio se realizaban talleres, y como indicó: “resultó que era el único lugar donde yo podía acceder y donde alguien me iba a enseñar a tejer”. (Gutiérrez entrevistada...)
En la iglesia se ofrecían talleres de todo tipo y los hacían algunas señoras devotas. Una de ellas coordinaba a otras mujeres que se juntaban a tejer y además enseñaban. De esa forma se unió al grupo por las tardes. La escena era la siguiente: todas ellas tejían para un gran proyecto, una señora las asesoraba, y Macarena no sabía ni siquiera agarrar un palillo. Allí aprendió sus primeras lecciones de croché (fue durante este proceso cuando elaboró un par de piezas que fueron expuesta en la colectiva Escena 2010 en la Sala ÁS de la Escuela de Arquitectura en la UCN.).
El espacio no solo era de aprendizaje, también era de reunión, era una extensión de lo doméstico, de la conversación, de la sociabilidad, de un pausado trabajo colectivo. Las características de la situación evoca un interior costumbrista que podría haber sido pintado por Arturo Gordon (también evoca las pinturas de actividades interiores del holandés Johannes Vermeer.).
En el contexto del espacio de las tejedoras apareció la silla como el soporte rígido del cuerpo en la práctica del tejer, y el conjunto de sillas revelaba el cuerpo colectivo en la reunión de esas mujeres, de las labores del sexo.
La artista empezó a formular una exposición donde lo central serían varias sillas vestidas de tejidos de lana, que harían referencia a la práctica femenina y al espacio íntimo de la mujer mientras era dueña de casa. En palabras de la artista, “un objeto que habla del ser humano sin tener al ser humano” (Gutiérrez entrevistada...). Las sillas, como un nuevo objeto encontrado, finalmente llegarían donados desde Vallenar producto del desarme de un bar, unos muebles sencillos, básicos, para interiores.
Otra idea de la artista era sobre las migraciones de mujeres en el pasado y en la época contemporánea, un tema que la inquietaba. De la mujer que acompaña el marido que viene por la minería, que es mantenida por él, y que se ocupa de la casa y de sus labores domésticas. En ese sentido, el concepto de inmigrante también incluía a las chilenas que venían de otras regiones.
Además planeaba vestir el espacio expositivo con textiles. Fue cuando asumió que la obra que pretendía no podía ser hecha de forma individual, y que necesitaba de varias otras manos, así que decidió encomendar trabajos a otras mujeres que serían inmigrantes. Ella les entregaba el material para el tejido, de forma que, mediante esta operación de extender la práctica a otras manos podía incluir la vida de otras mujeres, y amplificar las relaciones y los procesos del trabajo.
A las piezas que irían sobre los muros Macarena los denominó “textiles” (que en términos de la artista Anni Albers serían los “colgados”.), ya que prefirió desarrollar un concepto más amplio que acogiera una variedad técnica, ya que cualquier trama y la urdimbre era un textil. Entonces ella hablaba de textiles, no de cuadros. Y la forma más práctica, cuando trató de hacer ese vinculo con las posibles mujeres inmigrantes, para que comprendieran lo que quería, fue elaborar piezas cuadradas neutras, una figura básica de cualquier pieza de croché, o de muchas otras técnicas, y con las cual la artista podría componer sus obras.
Luego de una búsqueda, algunas de las mujeres encontradas eran parte del grupo de tejedoras de la parroquia, Paola y Paulina eran las chilenas inmigrantes; pero además necesitaba una peruana, y apareció la Limeñita que trabaja y enseña tejido y tiene una paquetería; también una colombiana, que fue Sheila, la propietaria de una cafetería frecuentada por la artista; luego una española, Mirenchu la madre de una amiga, que al conocerla supo que en realidad era francesa y se llamaba Germaine Marie, así que esa señora tejió dos tipos de tejidos, por que para la artista eran dos personajes; y finalmente una boliviana, Romina que era la empleada de la artista.
Cada una debía tejer 24 cuadrados de 40 x 40 cm o de 30 x 30, y durante el lento proceso de elaboración de los tejidos, fue conociendo a esas mujeres, cada una tenía su historia, por ejemplo Mirenchu con la Guerra Civil, la Limeñita con sus cursos y la televisión, Romina que huía de un amor, y esas vidas fueron incorporadas a la trama de la obra.
La artista para ejecutar las composiciones finales, volvió a la Feria de la Pulgas en búsqueda de otros textiles que se vincularían a los que elaboraban las mujeres. Mantas, alfombras que fueron desarmadas y rearmadas, algunos paños, algunas telas que luego fueron impresas. Así, con los fragmentos tejidos por las mujeres y las piezas de la feria, fue componiendo los textiles a partir de la historia de cada inmigrante. Con la máquina de coser, unió los cuadrados, y luego los otros tejidos, e incorporó un autorretrato impreso sobre una tela.
Las sillas fueron envueltas con tejidos de lana de llama. Esto incorporaba otro proceso, ya que el material había sido encargado a una señora en San Pedro de Atacama, lo que significó que tenían que trasquilar el animal, y luego hilar una lana de cierta cantidad de hebras. Las mismas mujeres inmigrantes y la artista tejieron los trajes de las sillas, sin importar el punto, la única condición es que el tejido tuviese espacio, una trama abierta.
Los textiles recibieron el nombre de las mujeres: Paola, Paulina, Romina, Mirenchu, Germaine Marie, La Limeñita y Sheila. La artista además acompaño las piezas con un breve relato que contaba como habían llegado estas mujeres a Antofagasta.
Comunatrama fue una obra compleja, una extensa composición de tramas de relaciones, de incorporaciones de sucesos, de encuentro con objetos, espacio y mujeres. Sus aspectos conceptuales están fuertemente unidos a lo técnico por que el centro es el ser humano, en ese sentido es antropológica. Surge de la vida de Macarena, que se proyecta en el otro para poder comprenderse a si misma, y hacernos parte de una reflexión colectiva.
12.12.13
Entrevista Boulevard exposición "Desde el Ferrocarril: había una vez un desierto"
Un video de 16 de noviembre de 2012, donde Karla Sepúlveda entrevista a Alejandro Soffia, José Luis Santelices y Claudio Galeno sobre una muestra que aún está en exhibición:
Centro Cultural Estación Antofagasta, abrirá sus puertas al público a partir del 23 de noviembre[de 2012], con una interesante exposición titulada "Desde el Ferrocarril: había una vez un desierto". La exhibición contextualizada en los primeros tiempos de la empresa Ferrocarril de Antofagasta (FCAB), dará a conocer una muestra de su colección de piezas. La relevancia de esta exposición se traduce en la necesidad de dar respuesta a una anhelada solicitud de la comunidad, de conocer la historia de las personas que tuvieron el gran valor y coraje de asentarse en este desierto. Las piezas de colección fueron limpiadas y montadas especialmente para esta propuesta museográfica.
Esta exposición es llevada a cabo gracias a la donación de FCAB a través de la Ley de Donaciones Culturales.
El horario de visita es de lunes a viernes de 09:00 a 13:30 y de 14:30 a 19:00 horas, sábado, domingo y festivos de 10:30 a 13:30 y de 14:30 a 20:30 horas, la entrada es gratuita y liberada.
Centro Cultural Estación Antofagasta, abrirá sus puertas al público a partir del 23 de noviembre[de 2012], con una interesante exposición titulada "Desde el Ferrocarril: había una vez un desierto". La exhibición contextualizada en los primeros tiempos de la empresa Ferrocarril de Antofagasta (FCAB), dará a conocer una muestra de su colección de piezas. La relevancia de esta exposición se traduce en la necesidad de dar respuesta a una anhelada solicitud de la comunidad, de conocer la historia de las personas que tuvieron el gran valor y coraje de asentarse en este desierto. Las piezas de colección fueron limpiadas y montadas especialmente para esta propuesta museográfica.
Esta exposición es llevada a cabo gracias a la donación de FCAB a través de la Ley de Donaciones Culturales.
El horario de visita es de lunes a viernes de 09:00 a 13:30 y de 14:30 a 19:00 horas, sábado, domingo y festivos de 10:30 a 13:30 y de 14:30 a 20:30 horas, la entrada es gratuita y liberada.
15.4.13
La DIBAM empieza a habilitar la nueva Biblioteca Regional de Antofagasta
Para dar inicio a esta obra y poder invertir fondos del Estado, lo primero fue realizar la declaratoria de monumento histórico, lo que ocurrió en marzo de 2009. En diciembre de 2009 fue cuando se anunció que Antofagasta tendría una de las bibliotecas más contemporáneas de Latinoanérica. El paso siguiente fue la aprobación de los fondos del FNDR-BID por el Gobierno Regional en septiembre de 2010. Allí se anunciaba que la obra estaría operativa en el año 2012.
La verdad es que no ha demorado tanto, y este mes de abril el MOP ha entregado el edificio a la DIBAM, que a partir de ahora habilitará la magna obra, que conjuga "memoria", "educación" y "arquitectura".
A continuación una nota de El Nortero del 13 de abril.
Finalizan obras en Biblioteca Regional de Antofagasta
Ya se cumplió el primer gran paso en la habilitación de la Biblioteca Pública Regional, el traspaso de las dependencias del ex correo a la Dirección de Bibliotecas, Archivos y Museos (DIBAM).
Tras dos años de intensos trabajos ayer se realizó la ceremonia de traspaso de las dependencias del ex Edificio de Correos de Antofagasta a la Dirección de Biblioteca, Archivos y Museos (DIBAM) para la habilitación de la Biblioteca Pública Regional, cuya inversión superó los tres mil 690 millones de pesos, financiados por el Fondo Nacional de Desarrollo Regional (FNDR) y corresponde a un programa nacional de la Subsecretaría de Desarrollo Regional (SUBDERE).
Esta importante actividad estuvo encabezada por el Subsecretario de Desarrollo Regional, Miguel Flores; junto al Intendente, Pablo Toloza; la Alcaldesa de Antofagasta, Karen Rojo y la Directora de Bibliotecas, Archivos y Museos, Magdalena Krebs.
“Esta es una obra doblemente importante, primero porque estamos restaurando un edificio patrimonial del casco histórico de Antofagasta y es un legado para las generaciones futuras restaurar este edificio casi centenario aquí en el centro de esta ciudad. Por otra parte, es una inversión significativa, porque se va instalar y habilitar en pocos meses más la Biblioteca Regional Pública, una aspiración largamente querida y sentida por los antofagastinos, lo que es una buena noticia y que es parte del Legado Bicentenario del Presidente Sebastián Piñera”, destacó el Subsecretario Miguel Flores.
La Biblioteca Pública Regional, será un complemento a las bibliotecas municipales, escolares y universitarias. Se estima que serán sobre 300 mil personas las beneficiadas con este proyecto, dentro de cuales se distinguen áreas específicas para madres gestantes, infantes, niños, jóvenes, adultos y adultos mayores, sin olvidar a los minusválidos y disminuidos visuales, más áreas de extensión con auditórium, sala de exposiciones, cafetería, servicios y oficinas administrativas de la Coordinación de Bibliotecas de DIBAM y de Cultura y las Artes.
Desde el punto de vista del ahorro energético, el Intendente Pablo Toloza, resaltó que “es un edificio que lo hemos determinado como inteligente desde el punto de vista energético, además hay un subterráneo que tiene tragaluz natural y en todo el edificio se mejoró lo que es el consumo de energía, porque además es un edificio que tiene loza radiante y así poder mantener un consumo normal desde la mantención de ésta, porque no solo es importante que el edificio se haya restaurado sino también hay un compromiso por parte de la comunidad de Antofagasta de cuidar esta infraestructura y por lejos es el edificio más importante y bonito que estamos entregando como Legado Bicentenario a la ciudad de Antofagasta”.
HABILITACIÓN
La habilitación de esta Biblioteca Pública se enmarca en la línea de inversión promovida por la Subsecretaría de Desarrollo Regional y Administrativo de preservación del patrimonio cultural, específicamente el programa puesta en valor patrimonial del crédito del Banco Interamericano de Desarrollo, tarea en la cual la Dirección de Arquitectura del Ministerio de Obras Públicas intervino en su calidad Unidad Técnica.
La biblioteca contará con un auditórium, sala de exposiciones, cafetería, oficinas administrativas de la Coordinación de Bibliotecas de DIBAM y de Cultura y las Artes. Espacio para información de la actividad minera, mediante la Sala de la Memoria. Además de reunir todo soporte literario producido en la región y en el país sobre la misma.
Respecto a los tiempos y su fecha de inauguración, la Directora Nacional de DIBAM, Magdalena Krebs, precisó que “nosotros esperamos a fines de julio poder estar inaugurando, ojala no pase más allá de agosto, queda bastante trabajo porque ahora hay que montar los muebles, poner las instalaciones para los computadores, las conexiones, instalar los libros. Es un trabajo de habilitación que tenemos estandarizados, se va hacer con los mismos estándares de la biblioteca de Santiago y sin duda requiere una etapa de instalación, montaje y después poner los libros que también requieren su tiempo”
La nueva Biblioteca Pública Regional se consolidará como un aporte a nuestra identidad como región minera, ya que creará un espacio para concentrar toda información de esta actividad productiva, mediante la Sala de la Memoria, además de reunir todo soporte literario producido en la región y en el país.
(...)
La habilitación de esta Biblioteca Pública se enmarca en la línea de inversión promovida por la Subsecretaría de Desarrollo Regional y Administrativo de preservación del patrimonio cultural, específicamente el programa puesta en valor patrimonial del crédito del Banco Interamericano de Desarrollo, tarea en la cual la Dirección de Arquitectura del Ministerio de Obras Públicas interviene en su calidad Unidad Técnica. En su parte infraestructura esta iniciativa fue financiada en un 90% por recursos de la SUBDERE provenientes del Programa Puesta en Valor Patrimonial en conjunto con el Banco Interamericano de Desarrollo BID.y recursos de un 10% FNDR libre disposición.
28.3.13
El misterio de la desaparición de "La épica del hombre chileno de la pampa y el mar" (actualizado)
© Claudio Galeno.Desde fines de diciembre de 2012 está desaparecido el monumento del "hombre chileno de la pampa y el mar" (Ver nota de prensa de Soychile: Desapareció una de las esculturas del artista antofagastino Avelino Sanhueza) creado por el escultor Avelino Sanhueza y ejecutada por él mismo con los artistas Ronald Clunes y Hugo León. La escultura representaba dos hombres robustos dispuestos uno mirando al desierto y otro al mar. La obra había sido inaugurada en su sitio en febrero 1979, us placa decía: "La Universidad del Norte te recuerda la épica del hombre chileno de la pampa y el mar cuyos sudores fertilizaron este desierto".
Su paradero es un misterio, ya que fue sacada desde su base, o mejor arrancada brutalmente de su pedestal. En el sitio hoy solo quedan escombros. Mediante esos fragmentos se puede ver que su materialidad era un cáscara de hormigón con entramado de acero, y si bien era hueca en su interior, debe haber sido resistente y además muy pesada. Además estaba situada a una altura importante y formaba parte de los parques entre el Parque Japonés y el Balneario Municipal, o sea un sitio con movimiento permanente, y mucho más en verano. ¿Como puede ser que nadie haya visto nada? ¿O es que nadie ha indagado?
Es lamentable que esta significativa obra de Sanhueza pase a formar parte de el extenso obituario de piezas públicas que desaparecen de la vida urbana de Antofagasta sin que se haga nada al respecto. Podemos hacer un breve recuento: Los atletas griegos del Parque Centenario, el Monumento alemán de la Plaza Sotomayor, el Juan López de Osvaldo Ventura, los murales del Aeropuerto pintados por Ronald Clunes, el de Carmen Cereceda del Teatro Municipal, el de Claudio di Girolamo del Estadio Regional, las rejas del Odeón donado por la Fundición Orchard, el monumento a José Santos Ossa en el Parque Croata, sin contar el Ancla del Paseo Costero al llegar al Balneario.
Podriamos soñar e imaginar un mundo paralelo donde todas estas piezas habitan esplendorosas, resguardades de la violencia y terror que provoca una sociedad amnésica e indolente con su memoria.
Datos recientes han revelado que la escultura habría sido destruida en un accidente de tránsito protagonizado por un camión.
5.3.13
In South America - 2012, filmed by: Clemens Krüger, Vincent Urban, Stefan Templer
In South America - 2012 from Vincent Urban on Vimeo.
Early 2012, we started a journey to Argentina, Chile, Bolivia, Uruguay, Paraguay and Southern Brazil in our old and rusty Landrover. Once again, we brought our DSLR cameras and some gear to capture every great moment of this trip. Lots of winds, emptiness, pampas, bustling cities, animals, deserts and waterfalls - all wrapped up in just under 6 min. Enjoy the ride!
Filmed by: Clemens Krüger, Vincent Urban, Stefan Templer
Edited by: Vincent Urban
Filmed with Canon 7D/60D and GoPro.
EF-S 17-55mm f/2.8
EF-S 18-135mm f/3.5-5.6
(some 300 and a fisheye were involved to)
Music by:
Ólafur Arnalds - "3055"
29.1.13
GLU no es una intervención urbana es un "juego urbano"
GLU no es solo una intervención urbana es un juego urbano. La serie de piezas que ha puesto en relieve el diseñador autor de GLU han construido una notable pieza urbana dentro de las más rigurosas reglas de los que significa el arte urbano.
Si realizas el ejercicio de pasearte por el centro de Antofagasta, te depararás con un sin fin de piezas, sean magnetos o stickers que abundan por las señaléticas de la ciudad. Los magnetos piden que los saquen y vayan por un refrigerador o nevera, pero sin duda donde mejor están son en las planchas metálicas de las calles.
Si bajas un magneto de GLU te puede tocar un mensaje, "gracias por bajarme"...
La sorpresa, el buen diseño, la continuidad, hacen de GLU un permanente deleite que permite además leer otras propuestas. Si duda GLU nos está regalando un magnífica experiencia urbana.
Dentro de la compleja red del arte urbano, GLU ha marcado el 2012, y sigue en el 2013. Excelente propuesta que está definiendo a su manera, una línea madura de lo que significa el arte urbano: persistente, sigiloso, impactante, abstracto, de espíritu colectivo.
16.1.13
9.1.13
El descuartizamiento del Terminal Aéreo del Aeropuerto Cerro Moreno (actual Andrés Sabella), o como disectar en vida el cuerpo de la arquitectura
El terminal aéreo del aeropuerto Cerro Moreno, rebautizado como Andrés Sabella (en homenaje al moderno poeta antofagastino), ha sido reconocido como el mejor ejemplo chileno de arquitectura del Movimiento Moderno orientada al transporte aéreo.
Las primeras intenciones concretas de contar con un terminal aéreo de relevancia, data de 1959, cuando el Ministerio de Obras Públicas desarrolló un primer proyecto para su edificio, pero que no se edificó. Ese diseño había sido realizado por el arquitecto Gonzalo Rudolphy Sánchez, y sería de 5.140 metros cuadrados distribuidos en dos plantas. Un paralelepípedo modesto que anticipó sobriamente al expresivo diseño de 1969.
El nuevo diseño fue realizado en noviembre de 1969, por el arquitecto Jorge Patiño para la Dirección de Aeropuertos del Ministerio de Obras Públicas. En los primeros meses de 1970 se expuso al intendente Joaquín Vial Izquierdo la maqueta del nuevo edificio. En 1972 estaban muy avanzadas la obra gruesa, y se podía apreciar su materialidad mixta en hormigón armado y acero. Se trataba de una serie de expresivas columnas que caracterizan el edificio que estaban enlazadas por una serie de vigas de hormigón (ver post: Aeropuerto de Antofagasta, diálogos semánticos sobre sus columnas modernas: "cactus", "ancla" y "flecha"). Las cubiertas eran completamente de retículas metálicas. A pesar de que en 1973 la estructura estaba muy avanzada, recién a mediados de 1975 entró en funcionamiento el nuevo terminal aéreo. El Mercurio de Antofagasta decía:
"El terminal de pasajeros está acondicionado para atender a 400 pasajeros. Tendrá modernas oficinas para casino, compañías aéreas, para el turismo"
Sobre su tecnología indicaban:
"La torre de control del Aeropuerto Cerro Moreno de Antofagasta es una de las edificaciones más modernas de las aeródromos sudamericanos, los controles de vuelo, aparatos meteorológicos y radio son de gran precisión y auguran un aumento."
Hace algunos meses publiqué un post (Terminal del Aeropuerto Cerro Moreno: remodelación de un ícono modernista de Antofagasta) sobre la ampliación y transformación que se realizaría al terminal aéreo de Antofagasta, sin embargo, las obras prometían ser respetuosas con el edificio, o por lo menos eso fue lo que declaraba el gerente de aeropuertos del Holding IDC, Omar Becerra el 3 de marzo de 2012 a El Mercurio de Antofagasta:
"Lo único que vamos a utilizar del actual terminal es prácticamente los elementos estructurales, el resto se cambia completamente. Hay que entender que pese a lo antiguo del edificio, no se puede negar que tiene una estructura imponente, entonces esa estructura es lo que el ministerio decidió mantener y eso daba la posibilidad de poder mejorar los espacios."
Sin embargo "esa estructura" se remitía no al conjunto de la estructura, y su relevante arquitectura ha sido depredada, dejando solo lo que es de hormigón. Esa es sin duda una actitud de un erróneo pensamiento posmoderno que ve solo en lo que es simbólico como algo a mantener, en este caso las columnas. No han sido capaces de entender que la estructura es un todo, y respetarla significa velar por la integridad de hormigón más las retículas metálicas. Justamente estas últimas han sido amputadas, y el desafortunado edificio está viendo como en vida, va siendo disectado, para cubrirlo de una membranas de moda.
El edificio se había mantenido impertérrito desde su inicio de funciones, por lo menos en cuanto estructuras (ver post: Desaparecidos murales Aeropuerto Cerro Moreno Antofagasta, 1977, Ronald Clunes), pero este último espectáculo macabro, está torturando y desintegrando una obra emblemática de la ciudad de Antofagasta.
Es un proceso de canibalismo: entre 1969 y 1975 el Ministerio de Obras Públicas crea una magnífica obra que significa la ciudad de Antofagasta y que es precursora a nivel nacional en cuanto servicios para el transporte aéreo, el mismo MOP, cuarenta años después, en un estado democrático, sacrifica en vida y descuartiza el noble edificio que ha albergado los servicios a la comunidad minera por décadas. El MOP crea y el MOP descuartiza.
¿No podría haberse realizado una obra que respetara lo existente y propusiera una extensión contemporánea que integrara este representante del patrimonio de la modernidad?
A continuación imágenes de la "vivisección":
3.1.13
28.12.12
Una historia subterránea: los estacionamientos de la Plaza Colón y del Parque Brasil
Hace un año que el Municipio aprobó la licitación para los estacionamientos subterráneos bajo la Plaza Colón y en el extremo norte del Parque Brasil en Antofagasta, pero últimamente poco se ha sabido de los avances de los proyectos. El proceso no ha estado exento de polémicas, como toda gran obra pública, y una de ellas es sobre su ubicación en áreas inundables en caso de un maremoto, como se puede ver en un video de Antofagasta TV: "Surgen voces disidentes".
Como se publicó en agosto de 2012 (Estacionamientos subterráneos prometen descongestionar el centro de Antofagasta ), es evidente que frente a la congestión que se produce en ambos sectores y a la consecuentes escasez de estacionamientos, la medida, si es bien ejecutada ayudaría a liberar el espacio público que ocupan hoy todos esos vehículos que aparcan por donde sea, paraderos de transporte colectivo, áreas donde es prohibido estacionar, e incluso sobre las veredas, interrumpiendo el espacio de transito peatonal. En realidad la anarquía es total.
En septiembre de 2012, el Municipio declaró (Muni concesionará estacionamientos subterráneos en Plaza Colón y Av. Brasil) que los estacionamientos serían concesionados a privados y entregaron detalles de las obras:
"Para el sector de calle San Martín, el municipio pretende construir 254 estacionamientos subterráneos, en tres niveles, además de una galería con 13 locales comerciales, una cafetería y 3 kioscos, a la cual se accedería desde calle Arturo Prat. De forma adicional, se concesionarán 115 estacionamientos de superficie con parquímetro en las calles Baquedano y Bolívar mientras se realicen las obras, los que se reducen a 92 en calle Baquedano y Condell una vez que comience la operación.
Del mismo modo, en la Avenida Brasil (sector de las clínicas), se emplazarán 279 estacionamientos subterráneos, 11 locales comerciales y 2 cafeterías, más 185 estacionamientos en superficie durante la construcción de la obra, los que se reducen a 92 en las calles 14 de Febrero y pequeños tramos de Coquimbo, Copiapó y Condell, cuando las obras se encuentran terminadas."
Las experiencias de este tipo de estacionamientos, en muchos sitios es exitosa, pero podemos recordar otras que han sido un desastre, como en Iquique, donde la realización de las obras en la Plaza Prat, deformó totalmente ese espacio público, convirtiéndolo en una suerte de desierto. Además está la experiencia reciente de la Plaza Condell que para la excavación demolió el odeón art deco diseñado por el arquitecto Jorge Tarbuskovic.
Esperemos que los proyectos preliminares que se han publicitado con infografías y animaciones, queden bien, recuperen espacio público, mantengan o amplíen las áreas verdes y lo principal, recuperen el patrimonio que se aloja en esos espacios. En la Plaza Colón aún yace abandonado el Odeón Eslavo, y esperemos que estas obras no signifiquen su ruina completa. Por otro lado, la infografía que muestra el proyecto para la Plaza, no incorpora el monumento español. ¿Pensarán trasladarlo?
Por otro lado, en las imágenes del Parque Brasil, se mantiene el monumento al Alcalde Poblete, pero no está el Odeón que regaló la Fundición Orchard para el Centenario, ni se vislumbra el Monumento de la Colonia Griega que muy bien podría recuperarse e integrarse a la nueva obra. Ese proyecto en general tiene una espantosa estética posmoderna, y entre sus diseños recargados y rebuscados tiene un extraño corchete rojo como un portal cerca del edificio obelisco, es de esperar que esto no pase de un anteproyecto, y su estética adquiera mayor sobriedad y más unidad.
27.12.12
Una magnífica puesta en escena: Desde el ferrocarril habia una vez un desierto, exposición en Centro Cultural Estación Antofagasta
Desde el 23 de noviembre de 2012 y hasta el 12 de mayo de 2013 estará abierta la exposición "Desde el ferrocarril había una vez un desierto", que está siendo exhibida en el Centro Cultural Estación Antofagasta y que fue dirigida por el arquitecto Alejandro Soffia.
El Ferrocarril Antofagasta Bolivia (FCAB) tiene una colección de objetos que son un registro de su vida en el desierto. Esas piezas están en una antigua casa de madera en el interior de sus patios que enfrentes el barri Bellavista. Ese espacio era casi un mito, ya que a pesar de que era público, para acceder a el había que concertar una cita. Afortunadamente el FCAB decidió sacarlo a la ciudad y exponer una parte de esa colección en una muestra preparada por un experto.
En el cuadríptico de la muestra, Miguel Sepúlveda, gerente general del FCAB declara: "quisimos dar cuenta de los orígenes de Antofagasta y el FCAB, hecho que ocurren casi de manera simultánea y colaborativa, y que nos permiten poner en valor nuestra identidad a través de una mirada contemporánea. No buscamos hablar de simples objetos, muy por el contrario, la historia que aquí se narra es la de las personas reales que dieron vida a estas piezas."
La muestra se divide en tres temas principales sobre la conquista en le desierto:
-Geografía: riqueza y adversidad;
-Ferrocarril: desarrollo y crecimiento;
-Personas: Sacrificio y empuje.
La puesta en escena es magnífica. Toda la muestra se organiza bajo una gran caja de proyecciones que está suspendida en la gran altura del espacio del Centro Cultural. Sobre las superficies internas de ese volumen se pueden ver muchísimas proyecciones audiovisuales que está coordinadas para componer largas escenas que van ilustrando la vida del ferrocarril. Son siete composiciones que llevan por nombre: "Llegada del ferrocarril", "Desierto de Atacama: paisaje desafiante", "Auge y desarrollo del FCAB", "Las comunicaciones", "Acerca de los trenes", "Los inmigrantes" y "Los trabajadores del ferrocarril".
La simultaneidad de las imágenes en movimiento y su sonido construyen una atmósfera dinámica que envuelve y atrae al espectador.
Bajo ese cajón de proyecciones se ubicaron vitrinas con la selección de estas antigüedades de la historia del ferrocarril. Contienen elementos en perfecto estado de conservación que ilustran la vida de los trenes en el desierto de Antofagasta. Está divididas en varios temas: Implementación (planos, vías férreas y obras), Servicios básicos (agua, electricidad y comunicaciones), Trenes, Equipamiento y mobiliario, Inmigrantes, Trabajadores y Comunidad (pasajeros y comerciantes).
Centro Cultural Estación Antofagasta
Bolivar 280 esquina Washington
De lunes a viernes de 9:00 a 13:30 y de 14:30 a 19:00
Sábado, domingos y festivos de 10:30 a 13:30 y de 14:30 a 20:30
Consultas: contacto@estacionantofagasta.cl
www.estacionantofagasta.cl
25.12.12
MATTAPRAT, 21.12.2012, 21:00 horas, primer acto de un nuevo espacio [no institucional] para la cultura y el arte
Se había anunciado el fin del mundo para el pasado viernes 21 de diciembre de 2012, pero para infortunio de los fatalistas, nada pasó, sin embargo para coincidir con tan bullado evento se realizó el evento inaugural de un nuevo espacio para la cultura y el arte en Antofagasta, un sitio que se ha denominado MATTAPRAT.
Se trata de un departamento tipo white cube ubicado en el cuarto piso del edificio Carcelé en la esquina de las calles Matta y Prat, en pleno centro de Antofagasta. Los promotores de la iniciativa son Paz Osorio, Luis Echeverría, Alejandro García y Jorge Wittwer, todos con amplia experiencia en arte y gestión cultural.
La convocatoria reunió a un selecto grupo de artistas y diseñadores contemporáneos de la región de Antofagasta entre los que estaban Alexis Díaz, Marko Franasovic, Claudio Cárdenas, Ana Avendaño, Macarena Gutiérrez y Claudio Galeno. El espacio quiere ser un lugar integrador de variadas prácticas culturales y artísticas, y lo primero fue discutir sobre su sentido. Para estimular la discusión, Alejandro García proyectó el video "Nouvelle Science Vague Fiction" de la artista Regina de Miguel, que estuvo hace poco por la ciudad visitando Paranal y realizando un taller.
Nouvelle Science Vague Fiction Excerpt from Regina de Miguel on Vimeo.
MATTAPRAT es un espacio no institucional, y operará en los márgenes que existen entre espacios culturales institucionalizados. Su operatoria será la de un laboratorio de prácticas que pueden alcanzar el formato de residencia artística.
Su entorno es muy provocador, ya que por el día es el núcleo del centro comercial de la ciudad y por la noche se evidencia la apropiación de la cultura popular de los inmigrantes. El área es parte de la tradición histórica de la ciudad, e incluso puede ser entendida desde los relatos que escribió Salvador Reyes de su infancia (principio del siglo XX) en Antofagasta, ya que vivió a algunos metros de este afamado cruce de calles.
"Siendo muy pequeño, cuando estalló una de las más trágicas huelgas que ha visto Antofagasta, huí con mi madre y mi abuela, entre las llamas que devoraban nuestra casa y las balas que cruzaban los huelguistas con las tropas del Regimiento Esmeralda. Nuestra casa se hallaba situada en la calle Manuel Antonio Matta (que entonces se llamaba Angamos), entre Prat y Sucre. Los huelguistas pegaron fuego a una tienda de la esquina de Prat y el fuego devoró la manzana entera. Nos refugiamos en casa de unos parientes y toda la noche oímos el paso de los soldados que patrullaban las calles. Al día siguiente mi tío Francisco me llevó a ver el montón de escombros humeantes, entre los cuales encontré la cabeza de mi caballo de balance."
Reyes, Salvador. Andanzas por el desierto de Atacama, Santiago: Zig-Zag, 1969, p.87.
Esplendor y ruina de los antiguos palacios de Santiago
Vía La Tercera.
Libro rescata la historia de las mansiones del centro y la vida de quienes las habitaron.
por Graciela Marín V. - 25/12/2012 - 09:34
“Se va el Santiago antiguo”, decía Joaquín Edwards Bello en 1928. La voz literaria de la tradicional clase alta chilena fue testigo de las transformaciones de la ciudad a fines del siglo 19. Entonces las casas de adobe y calles de tierra comenzaban a ser reemplazadas por las lujosas mansiones de las familias ricas.
Se les llamó palacios, aunque eran más pequeños que sus referentes europeos y allí no vivía nadie de sangre azul. Pero su principal atributo era el lujo. La historia de estas mansiones, hoy desaparecidas o en mal estado, se relata en Palacios al norte de la Alameda. El sueño del París Americano, de Fernando Imas Brügmann y Mario Rojas Torrejón. Recién editado por la Corporación del Patrimonio Cultural y financiado por el Banco Bice, busca “contar la historia de Santiago a través de sus edificios”, dice Soledad Rodríguez-Cano, directora de la publicación, en la que participan también el arquitecto Sebastián Gray, la historiadora Isabel Cruz y el escritor Roberto Merino. Es el relato de la ascensión social de nuevas familias, enriquecidas gracias a la banca, la minería y el comercio.
Uno de los primeros palacios fue el de Francisco Ignacio Ossa, dueño de las minas de plata de Chañarcillo. En 1860 mandó a construir una réplica de La Alhambra de España y envió al arquitecto Manuel Aldunate a Granada. El edificio de calle Compañía, hoy sede de la Sociedad Nacional de Bellas Artes y pronto a ser restaurado, tuvo su peor momento en 1891: la casa del partidario de Balmaceda fue saqueada y sus obras de arte destruidas.
La clase alta tenía los ojos puestos en Europa: hablaba francés, compraba en París. El centro debía parecerse también a la capital francesa, y esa fue la inspiración del Plan de Transformación de 1872. Los nuevos palacios también debían lucir europeos. Se instalaron cerca de la Plaza de Armas, el Congreso o la Alameda.
La construcción del Palacio Pereira (1872), a seis cuadras de la Plaza de Armas, le atrajo críticas a la familia. Su dueño fue vilipendiado por obligar a las visitas a trasladarse en coche. “No se entendía la elección de construir su palacio sobre un viñedo, hoy calle San Martín con Huérfanos”, explica el autor Mario Rojas. Con el tiempo llegaron otros y “por años la calle San Martín fue la avenida de los palacios”.
Hoy no quedan rastros del más impactante, el Concha-Cazotte (1876), entre Av. Brasil y el Liceo de Aplicación. Algunos lo llamaron “una pesadilla turco-siamesa”: tenía cúpulas doradas y escalinatas de mármol y un parque con palmeras. Allí se realizó la fiesta del siglo: el baile de fantasía, al que no faltó Edwards Bello. Pero la familia de Enrique Concha y Toro no sobrevivió a los despilfarros, los malos negocios y la muerte de una hija por intoxicación de erizos. El edificio fue demolido en 1935, se loteó su parque y dio paso a un conjunto residencial que hoy es el barrio Concha y Toro.
Los palacios aún en pie (entre ellos el Edwards, sede de la Academia Diplomática) son testimonio de un estilo de vida que no sobrevivió al siglo 20. Las clases adineradas después se trasladaron al oriente y adoptaron un estilo de vida americano.
13.12.12
Labrouste (1801-1875), architecte. La structure mise en lumière (La estructura puesta en evidencia). Cité de l'architecture & du patrimoine, Jeudi 11 octobre 2012 - Lundi 07 janvier 2013
Henri Labrouste "La structure mise en lumière" por Cite-architecture
Henri Labrouste est l’un des rares architectes du XIXe siècle dont l’œuvre n’a jamais cessé d’être une référence tant en France qu’à l’étranger.
La rationalité des solutions qu’il a mises en œuvre, la puissance de ses réalisations, l’étrange singularité de leurs ornements et surtout l’importance accordée aux matériaux nouveaux (particulièrement au fer et à la fonte) font de son œuvre un jalon essentiel dans l’histoire de l’architecture.
Sa carrière est dominée par la construction de deux chefs-d’œuvre à Paris : la bibliothèque Sainte-Geneviève et la Bibliothèque nationale. Leurs vastes salles de lecture, couvertes de voûtes en fer apparent, comptent parmi les créations spatiales les plus extraordinaires de l’architecture européenne. Mise en scène par l’architecte Manuelle Gautrand, l’exposition fera redécouvrir l’œuvre et la pensée de cet architecte, contemporain d’Eugène Delacroix (1798-1863) et de Victor Hugo (1802-1885), et précurseur par bien des aspects de l’architecture de notre temps. Elle dépasse le cadre strictement monographique pour présenter la postérité de Labrouste et son influence sur plusieurs générations d’architectes.
Une coproduction de la Cité de l’architecture et du patrimoine, du MoMA (The Museum of Modern Art, New York) et de la Bibliothèque nationale de France, avec la participation exceptionnelle de l’Académie d’Architecture et de la bibliothèque Sainte-Geneviève.
8.12.12
Volviendo a la tierra: Chuquicamata revive en imágenes. Fotografías de Cristian Ureta.
Vía GAM.
Un registro fotográfico presenta los últimos días del campamento que cobijó la vida social, laboral y familiar de cuatro generaciones de trabajadores de la mina más importante de Chile, antes de ser sepultado por los residuos del yacimiento.
10 nov al 16 dic de 2012
Hace más de diez años, el fotógrafo y publicista Cristián Ureta, leyó en el diario una pequeña nota que hablaba del cierre de Chuquicamata, urbe enclavada desde 1915 junto a la mina de cobre a tajo abierto más grande del mundo. Inmediatamente vinieron a su mente las visitas que realizaba cuando niño al campamento minero con su padre, mientras vivían en Antofagasta, surgiendo así la inquietud de fotografiarlo antes que dejara de existir. “Es solamente el sentido común, cuántas veces en la vida una pequeña ciudad va a desaparecer del mapa, literalmente, siendo sepultada”, explica sobre la exposición Volviendo a la tierra y el lanzamiento del libro homónimo que coincide con su inauguración.
Con viajes intermitentes entre 2003 y 2005, Ureta pudo capturar los últimos días del pueblo antes de trasladarse a Calama, como parte del desmantelamiento progresivo que Codelco diseñó en 1996 para expandir la explotación del yacimiento y acopiar en su zona los residuos propios de la mina. “Es un lugar que ha sido muy importante para el desarrollo económico del país en los últimos 50 años y que conllevó el desarraigo de miles de personas… es una manera de vida que llega a su fin (…) recuerdo que a propósito de esto conocí a una persona que reclamaba: Ahora mi carnet va a decir Calama y yo no nací en Calama, nací en Chuqui”, añade.
Resultado del arduo trabajo y proceso de búsqueda de financiamiento es la publicación Volviendo a la tierra: memoria visual del campamento minero de Chuquicamata, 200 fotografías en blanco y negro (90 de ellas seleccionadas para la muestra) que entregan una construcción narrativa a través de la imagen. Se entra desde el aire a la ciudad, tomando la señalética, la gente, el rol de la familia y un apartado hacia la muerte y la religión, dando cuenta de la dureza de la vida en una de las zonas más secas del mundo. “Las cosas hablan por sí mismas. Quise darle valor a los barrios, a las casas, a las calles. Escuchar y ver el relato del pueblo sobre sí mismo (…) un punto de inicio y fin sobre la tierra., como dice una frase bíblica que recojo en el libro: polvo eres y en polvo te convertirás”.
10 NOV al 16 DIC
MA-MI 10 a 21 h
JU-SÁ 10 a 21.30 h
DO 11 a 21.30 h
Sala Artes Visuales
GRATIS
6.12.12
Segundo seminario de flora: iniciativas de conservación en el norte de Chile
La Seremi de Medio Ambiente junto con la Dirección Regional de la CONAF de la Región de Antofagasta, el Banco de Semillas del INIA-Intihuasi y el Jardín Botánico de Aguas Antofagasta realizan el Segundo seminario de flora: iniciativas de conservación en el norte de Chile, un actividad enmarcada en el plan de conservación de la flora amenazada de Paposo en la Región de Antofagasta. Se contemplan conferencias de expertos botánicos y profesionales de diversas instituciones sobre iniciativas de recuperación, conservación y manejo de flora bajo amenaza en el norte del país.
Viernes 14 de diciembre de 2012 a partir de las 9:00 horas em el Salón Auditorio de Aguas Antofagasta, Av. Pedro Aguirre Cerda 6496, Antofagasta.
Viernes 14 de diciembre de 2012 a partir de las 9:00 horas em el Salón Auditorio de Aguas Antofagasta, Av. Pedro Aguirre Cerda 6496, Antofagasta.
4.12.12
Arquitectura y Antropología [AA], II Jornada de debate: "Topología del espacio urbano contemporáneo", martes 11 y miércoles 12 de diciembre de 2012, aula CB4 ETSAB
II Jornada de debat: TOPOLOGIA DE L'ESPAI URBÀ CONTEMPORANI
Grup de recerca ARQUITECTURA I ANTROPOLOGIA.
Coordinadora: Marta Llorente
Martes 11 de diciembre
16:00 horas, aula CB4 ETSAB
La representación de la ciudad
Marta Llorente
Carmen Rodríguez
Carles Carreras
Manolo Laguillo
Pau Pedragosa
Miércoles 12 de diciembre
16:00 horas, aula CB4 ETSAB
El discurso de la antropología en el contexto urbano
Teresa Tapada
Gaspar Maza
M. Dolors Calvet
Beatriz Santamarina
Gary W. McDonough
El Norte en la XVIII Bienal de Arquitectura de Chile
El pasado viernes 30 de noviembre se inauguró la XVIII Bienal de Arquitectura de Chile, con un impresionante y monumental montaje diseñado por el arquitecto Arturo Lyon. Sólo por apreciar y experimentar la espacialidad de esa gigantesca instalación que ocupa toda la Estacion Mapocho, merece una visita a la Bienal que dura hasta este domingo 9.
El catálogo del evento permite conocer lo que se expone y se puede descargar de forma gratuita en el sitio de la Bienal.
Sin duda en la muestra hay proyectos de mucho interés y un ciclo de conferencias donde uno de los conferencistas principales en Thom Mayne del afamado estudio californiano Morphosis el día sábado 8.
El norte de Chile no podía dejar de estar presente en la muestra nacional, y entre las obras que se presentan está la ampliación de la Escuela de Arquitectura de la Universidad Católica del Norte.
En el área de la muestra universitaria, la Escuela de Arquitectura de la Universidad Católica del Norte expone una serie de videos realizados por alumnos y ex alumnos, luego de una convocatoria realizada la interior de esa escuela. Se presentan dos animaciones de proyectos de título: Centro de Conferencias de Hernán Retamales y Centro Agrónomo Carretera Arica Azapa de Iván Barraza: una animación del estudiante Sergio Ramírez que muestra la evolución urbana de la ciudad de Antofagasta desde 1866 hasta la actualidad basaad en planos históricos: el registro del Ejercicio Integrado 2011, en el cual se construyó un atrapanieblas en la Cordillera de la Costa al sur de Antofagasta en un sitio conocido como Los Nidos, trabajo que tuvo como profesor invitado al físico Carlos Espinosa; por último una serie de fotos fijas del Pukará de Quitor en San Pedro de Atacama realizada por el estudiante Luis Machuca; y el registro de un viaje en coche por el Salar de Atacama hacia Peine realizado por el arquitecto Sergio Alfaro.
Más información en el sitio de la Bienal.
El catálogo del evento permite conocer lo que se expone y se puede descargar de forma gratuita en el sitio de la Bienal.
Sin duda en la muestra hay proyectos de mucho interés y un ciclo de conferencias donde uno de los conferencistas principales en Thom Mayne del afamado estudio californiano Morphosis el día sábado 8.
El norte de Chile no podía dejar de estar presente en la muestra nacional, y entre las obras que se presentan está la ampliación de la Escuela de Arquitectura de la Universidad Católica del Norte.
En el área de la muestra universitaria, la Escuela de Arquitectura de la Universidad Católica del Norte expone una serie de videos realizados por alumnos y ex alumnos, luego de una convocatoria realizada la interior de esa escuela. Se presentan dos animaciones de proyectos de título: Centro de Conferencias de Hernán Retamales y Centro Agrónomo Carretera Arica Azapa de Iván Barraza: una animación del estudiante Sergio Ramírez que muestra la evolución urbana de la ciudad de Antofagasta desde 1866 hasta la actualidad basaad en planos históricos: el registro del Ejercicio Integrado 2011, en el cual se construyó un atrapanieblas en la Cordillera de la Costa al sur de Antofagasta en un sitio conocido como Los Nidos, trabajo que tuvo como profesor invitado al físico Carlos Espinosa; por último una serie de fotos fijas del Pukará de Quitor en San Pedro de Atacama realizada por el estudiante Luis Machuca; y el registro de un viaje en coche por el Salar de Atacama hacia Peine realizado por el arquitecto Sergio Alfaro.
Más información en el sitio de la Bienal.
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