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5.2.25

In memoriam: al artista visual Juan Castillo, por Fernando Balcells

 Vía El Mostrador, 4 febrero 2025.

No fue el primero en hacer un arte de la escucha y de la hospitalidad pero nadie ha trabajado en el modo entreverado en que Castillo daba visualidad a las palabras e imaginación a los relatos. Los sueños que Castillo rescataba de su somnolencia eran dotados de una dignidad pública poderosa.

 

Decir que Castillo trabaja con los sueños, el deseo, los rostros y el habla de la gente, no es todavía decir mucho. Afirmar que era amable y que gozaba conversando, cocinando y comiendo, tampoco nos avanza en su obra. Para Castillo, el arte es un modo de vivir. No una revelación política o teórica sino una inclinación intuitiva, un enlace espontáneo del deseo y el placer, de la cotidianeidad y la creatividad. Una obra y una vida entreveradas en arquitecturas de resistencia a la funcionalidad. Su obra consiste en producir encuentros insospechados, de bajo perfil pero duraderos y transformadores.

Los que creen que Castillo era un tipo amable y que en eso reside su aporte al arte, podrían explorar más a fondo la relación entre esa amabilidad y la constitución de una obra singular que gira en torno a la receptividad, a la vulnerabilidad y a la multiplicación de los encuentros. Su obra es una prolongación de su carácter.

Castillo trabajó por más de cincuenta años recogiendo imágenes y hablas populares para devolverlas transformadas a sus personajes y a los escenarios en los que se desenvuelven. Todo el trabajo del CADA cabe en los modos que tiene Castillo de hacer vibrar el arte en los modos de registrar, transformar y vivir una vida. Sus trabajos invariablemente, hacen crecer la realidad.

Antes y después del CADA, Castillo es el mismo artista fundamental en el arte de Chile. Recordar que él fue quien armó la distribución de la leche en poblaciones con ocasión de Para no morir de hambre en el arte del CADA y que durante toda su carrera trabajó con pobladores en La Victoria y otras poblaciones de Pedro Aguirre Cerda, Antofagasta y múltiples ciudades y barrios en todo el mundo.

Se ha dicho que la modernidad del arte consiste en el carácter autorreflexivo respecto de sus procesos y materialidades. Castillo llevó este acento a los procesos de exposición de personajes populares de carne y hueso a los que la obra vuelve con una ampliación llena de recursos reconstructivos. El hilo de insistencia en la obra de Juan Castillo fue la idea Te devuelvo tu imagen.

La devolución de tu imagen debe dar lugar a una reflexión novedosa sobre la multitud de pequeños pasos y desvíos que se artifician y se suceden entre el cuerpo, el espejo, el arte y el reflejo.

Qué decir de la modestia de Castillo o, en otras palabras, de su forma de retirarse para permitir que las imágenes vuelen por sí mismas. No por casualidad pinta con una preparación de té, que da espacio a la fuga de las figuras desde el cuadro y a su paso discreto y evanescente por otros rumbos de la imaginación.

Castillo no era un gran pintor pero era un gran creador de imágenes.

No fue el primero en hacer un arte de la escucha y de la hospitalidad pero nadie ha trabajado en el modo entreverado en que Castillo daba visualidad a las palabras e imaginación a los relatos. Los sueños que Castillo rescataba de su somnolencia eran dotados de una dignidad pública poderosa, por el solo expediente de la exposición de sus rostros y sus relatos circulando inusitadamente por la ciudad.


1.2.18

Hugo León Morales, escultor mejillonino radicado en Europa: "Desde niño tuve conciencia de habitar un lugar excepcional"

Vía El Mercurio de Antofagasta.

Por Marcela Mercado Rubina



Hugo León Morales, arriba cada diciembre a Antofagasta y pasa las primeras semanas encerrado
en su taller del que sólo sale para correr muy temprano por la mañana, ejercicio vital en el que retorna a su tierra, porque forma parte constituyente de ella.

Escultor y pintor, profesor y Licenciado en Artes Plásticas de la Universidad del Norte, desde 1983 se encuentra radicado en Bélgica, lugar donde continuó sus estudios, Artes Visuales en La Cambre y escultura en Mons.

SITIO EXCEPCIONAL

Hugo León Morales nació en Mejillones el 24 de enero de 1955 y recuerda que desde niño poseía la consciencia de habitar un lugar excepcional, "cuando era niño vivía en el sector de Ferrocarril en la ciudad de Mejillones, en el lugar existía abundancia de peces, anchoas,jibias, al ingresar a la
playa los peces herían nuestras piernas. Cuando llegó la industria pesquera, los peces fueron
muertos y su presencia se hizo aérea, nos habitaban a través del olor".

Para León es su paisaje de origen el que le revela la manera de abordar el volumen, el espacio.
Su identidad está determinada siempre por la posibilidad de retornar a esa historia de conocimiento intuitivo que tuvo de niño y que se hace explícito el año 1973 cuando ingresa a la carrera de Pedagogía en Artes Plásticas.

"Al ingresar a la Universidad del Norte tomo conciencia como individuo de mi identidad como ser; de la dimensión sobre mí mismo, de que existía una posibilidad. A través de esta toma de conciencia descubro que poseo un lenguaje que es íntimo. Este descubrimiento era posible porque existía un sistema pedagógico y un currículum que era coherente", explica.

Durante ese período, el creador forma parte de la intensa actividad artística que se desarrollaba entre alumnos y profesores y forma parte de varias exposiciones.

Andrés Sabella le dedica tres Linternas de Papel debido a su destacado trabajo. Realiza la escultura "Pata de Jaiba" que fue instalada al ingreso a la Universidad Católica del Norte y forma parte del equipo que realiza el "Monumento al Trabajador Nortino" junto a Ronald Clunes y Avelino Sanhueza.

Luego de un paso por el Museo de Historia Natural, se radica en Bélgica.

EN EUROPA

Ha realizado una obra destacada y prolífica en la ciudad de Bruselas, Bélgica, y en los parques privados y espacios públicos de ese país, París, Francia y los Países Bajos donde se pueden apreciar esculturas de su autoría, obras que tienen una impronta profunda vinculada al paisaje de origen de su autor.

Sobresalen, la Península de Mejillones como la piedra angular, la sobredimensión, la omnipresencia del paisaje en relación a la actividad humana.

El año 1984, realiza la escultura "Hombre herido por el paisaje en que representa un hombre que carga sobre él la Punta Angamos invertida, una obra de ocho metros por tres metros y que es realizada para un programa de televisión que trataba acerca de migración y es representativo de cómo el autor cargaba sobre sí su propia habitación a pesar de la lejanía y cómo el no-lugar lo hería, cómo León seguía habitando desde la añoranza y "este desierto que es una bóveda celeste,
a pesar de su aparente austeridad" y cómo vuelve una y otra vez al "rigor del paisaje a la simplicidad aparente, a sus volúmenes y contornos".

En la obra del autor se perciben las pulsiones telúricas de nuestra tierra.

La distancia le ha permitido forjar una observación seria, desarrollar una especie de "don emocional" en relación a ella.

Podemos encontrarnos con conchas de loco y de mejillones, paseando por los verdes parques, hombres poseídos por inmensos peces, la serie de ciclistas y toros, niños que danzan desafiando la gravedad en lugares y una variedad inimaginable de seres y expresiones que forman parte del universo del artista.

Si el arte en una zona tiene sentido como construcción de repertorios culturales que dotan
de significación la experiencia en un tiempo y un espacio, entonces el desarrollo de la
obra de nuestro autor cobra especial relevancia y forma parte del espacio cultural de nuestro
territorio (por lejos que se halle) y aporta para afrontar nuestra propia experiencia. Ante la
amenaza de la conversión del arte en mera industria del entretenimiento, surge el repertorio telúrico de Hugo León, dotando al ejercicio artístico de trascendencia, genialidad, identidad y sentido.

24.9.17

El legado intelectual del poeta y teórico Ronald Kay

Vía Culto, La Tercera.

Por Aldo Perán.

Ex pareja de Pina Bausch, murió el jueves a los 76 años. Sus funerales se realizarán hoy. Editor de la mítica revista Manuscritos, su último proyecto fue una obra con Raúl Zurita.

La historia comenzó así: en un tour por Sudamérica en 1980, Pina Bausch conoció a quien sería su pareja hasta el final de su vida. Los días que la reconocida coreógrafa pasó en Chile fueron suficientes para que el poeta Ronald Kay decidiera dar un giro en su vida y mudarse a Wuppertal (Alemania). Un año después nació Rolf Solomon, su único hijo.

Nacido en Hamburgo en 1941, hijo de padre alemán y madre chilena, llegó a Santiago en 1947, finalizada la Segunda Guerra Mundial. Poeta, teórico y artista visual, Ronald Kay murió el jueves, a los 76 años, tras un prolongado cáncer. Sus funerales serán hoy en el Parque del Recuerdo.

La trayectoria intelectual de Kay comenzó en la Escuela de Derecho de la Universidad de Chile, donde conoció a Raúl Ruiz, uno de sus grandes amigos. En 1960 abandonó los estudios y partió a Oxford por un año. A su regreso, ingresó al Instituto Pedagógico de la U. de Chile, donde conoció, entre otros, a Gonzalo Millán.

En 1968, ya casado con Catalina, la hija mayor de Nicanor Parra, obtiene una beca de la DAAD alemana para estudiar en la universidad de Constanza. Durante su estadía en Alemania, conoció a Wolf Vostell, uno de los artistas alemanes más importantes del siglo XX. Vostell hablaba español, por lo que establecieron una fluida comunicación. Ronald Kay escribió un ensayo sobre uno de sus trabajos en 1972, el año de su retorno a Chile. Desde entonces, establecerán una extensa relación epistolar, la que los llevará en 1977 a inaugurar una de las primeras exposiciones de arte realizadas luego del Golpe de Estado.

El año anterior, el artista de Fluxus presentó en la sexta versión de la feria de arte Documenta (Kassel) un proyecto titulado El huevo. La instalación llegó a Chile acompañada de catálogos y otros materiales que hicieron escuela en las generaciones de artistas jóvenes.

El huevo era una crítica a la violaciones a los derechos humanos. Sin embargo, esa no fue la primera vez que Ronald Kay demostró ser un pionero en el campo cultural chileno. Luego de su retorno al país en 1972, Cristián Huneeus, director del Departamento de Estudios Humanísticos de la U. de Chile, le invitó a ser parte de la planta académica. Fue en esas clases donde algunos estudiantes escucharon a Kay hablar de Rimbaud, Mallarmé, Heidegger y discutieron traducciones de Walter Benjamin y Michel Foucault. Al mismo tiempo, compraron una máquina impresora que instalaron en el subterráneo de República 475 y comenzaron a imprimir materiales de uso privado, pero también publicaron libros y, en 1975, la revista Manuscritos, donde Kay recuperó los Quebrantahuesos de Nicanor Parra. La revista sólo tuvo un número: a las autoridades militares no les hizo gracia el contenido. Un segundo número, donde iban algunos inéditos de Juan Luis Martínez, quedó a la deriva.

Su importancia en el campo de las artes es indudable. Para la académica y fotógrafa Andrea Josch, “sus desbordes y descalces con la poesía, la filosofía, la performance y, sobre todo, con la incorporación de lo popular, es un aporte inédito a la comprensión del arte latinoamericano”.

Sergio Parra, poeta y librero, afirma que “era una figura mítica y ausente a fines de los 80, pero su libros de poemas, Variaciones Ornamentales junto a la revista Manuscritos, circulaban de mano en mano”. Y recuerda: “A fines de los 90 tuvimos un primer encuentro, en el Venezia, donde comimos unos buenos perniles con papas cocidas y harto pebre, mientras la conversación se centraba en la poesía chilena, un tema que lo apasionó hasta el último día”.

Raúl Zurita, desde Nueva York, siente profundamente su pérdida: “Era alguien demasiado brillante como para que vivir le fuera fácil y sin él no se explicaría nada del arte chileno a partir de los setenta. La vida nos acercó y nos alejó, pero en los último diez años estuvimos profundamente unidos y estábamos haciendo una obra juntos. La maqueta de Ronald estaba lista, así que ese proyecto será nuestro último abrazo”.

Para el galerista Pedro Montes, es indispensable “recalcar su calidad humana, su rigurosidad en el trabajo y su persistencia para sacar adelante proyectos de poesía y arte de gran valor”. Trabajaron juntos en un libro de Juan Luis Martínez y en una exposición del mismo Kay. Sin embargo, el proyecto más apasionante fue convencer a Diego Maquieira, quien no había publicado un libro en 20 años, para sacar adelante el libro El Annapurna, en 2013.

Volvió a Chile luego de la muerte de Pina Bausch, en 2009. Durante sus últimos años, Kay dedicó su trabajo a investigar y repensar -en el más completo silencio- las lineas de Nazca y la obra del escultor Lorenzo Berg. Sergio Parra sentencia: “Ronald se fue de éste mundo como un poeta. Sin hacer ruido” .

29.8.16

Muere José Balmes, Premio Nacional de Artes Plásticas


Fuente: Galería de Arte, U. Católica de Temuco.

Vía La Tercera.

Artista de vocación política, fundó el grupo Signo, emparentado con el informalismo. El Premio Nacional de Artes nacido en España murió ayer a los 89 años de edad.

Habría sido el cierre perfecto del círculo. José Balmes llegaba a los 90 años mientras el Museo de Bellas Artes le dedicaba una gran retrospectiva. Finalmente no pudo ser: las complicaciones multisistémicas derivadas de una obstrucción intestinal sufrida el domingo no quisieron que el artista chileno-español viera aquella gran muestra que se planifica para el próximo año. El Premio Nacional de Artes 1999, uno de los sobrevivientes del Winnipeg, murió ayer a los 89 años, un tiempo después de haber sido sometido a una operación intestinal, tras la cual había desarrollado una neumonía.

Miembro fundador del grupo Signo junto a su esposa Gracia Barrios (1927), Enrique Martínez Bonatti (1930) y Alberto Pérez (1926-1999), José Balmes fue uno de los grandes representantes chilenos del informalismo, la corriente que rompió con la pintura figurativa tradicional y que se desarrolló en Francia tras la Segunda Guerra Mundial al mismo tiempo que el expresionismo abstracto en Estados Unidos. De hecho, Signo nació después de que los mencionados artistas participaran en la Segunda Bienal de Juventud de París, en 1961. En esa época, el pintor nacido en el pueblo catalán de Montesquiu ya estaba casado con la artista chilena Gracia Barrios, hija del escritor Eduardo Barrios. Pocos años antes, en 1957, había nacido su hija Concepción Balmes, que también desarrolló una carrera en las artes visuales, conformando una de las familias artísticas chilenas más emblemáticas de los últimos 30 años.

Nacido en un hogar de artistas y panaderos con ideas republicanas, José Balmes salió de España con destino a Francia después de la Guerra Civil Española. La contienda armada también provocó un cambio en la pintura de sus años iniciales: pasó del caballete y el paisajismo catalán a una obra dónde la realidad social importaba más que antes. Una vez en Chile, entró a los 12 años como alumno libre a la Escuela de Artes y ya en 1947 ingresó a la Facultad de Artes de la Universidad de Chile, organismo al que estaría ligado durante gran parte de su vida, primero como académico y luego como decano, entre 1972 y 1973.

Miembro del Partido Comunista, Balmes fue un activo partidario de la Unidad Popular y en 1971 participó en el proyecto del Museo de la Solidaridad Salvador Allende, que en su inicio recibió cerca de 500 obras en apoyo al gobierno de la Unidad Popular. Tras los años de exilio en Francia, Balmes retornó a Chile en 1986 y en 1999 obtuvo el Premio Nacional de Artes Plásticas. Como una vuelta de mano del tiempo, en el 2006 también asume como director del reabierto Museo de la Solidaridad Salvador Allende (MSSA), cargo en el que se mantuvo hasta el año 2010, cuando fue reemplazado (no sin cierta polémica) por Ernesto Ottone. El actual ministro de Cultura fue de los primeros que anoche se expresó por Twitter sobre su deceso (”Nos ha dejado el inmenso José Balmes, uno de los más grandes maestros. Recordaremos tu valentía, tu consecuencia y tu genio”).

Un año después de su salidad del MSSA, Gracia Barrios recibió el Premio Nacional de Artes. Súbitamente, la creación de ambos adquirió un inesperado nuevo vuelo. Juntos seguirían realizando obras durante algún tiempo más, pero el paso de los años va dejando huellas y consecuencias definiitvas: en el 2014 dejan de pintar y en enero del 2015 realiza una exposición conjunta en el Museo de la Memoria. La muestra se organizó en torno al tópico del exilio, una experiencia traumática que el pintor nacido en Cataluña vivió primero como temprano desterrado de España y luego como expulsado del régimen militar. Ocho meses después, en septiembre, la galería VALA (Vanguardias Latinoamericanas) abrió sus puertas en calle Holanda, con la muestra Winnipeg, que recuerda los 76 años desde que el barco arribara a costas chilenas, trayendo a bordo a más de 2 mil refugiados de la Guerra Civil Española, entre ellos dos niños que se transformarían en pintores: José Balmes y Roser Bru. Obras de ambos, junto a las de Barrios y Guillermo Núñez, habitaron este espacio. Marcelo Aravena, dueño de VALA, agente de Balmes desde hacía 5 años y marchante de la dupla Balmes-Barrios, lo recuerda como un hombre “con mucha sabiduría, con un gran legado como artista y como académico”.

Maestro de varias generaciones y de artistas como Francisco Brugnoli, Patricia Israel, Eugenio Dittborn y Gonzalo Díaz, José Balmes (al igual que Gracia Barrios), siempre prefirió el gran formato. El rasgo clásico de su obra es el compromiso social y una gran expresividad que se concreta a través de óleos, pero también en mucha utilización de collages, objetos cotidianos o aerosol. Aunque el componente político es evidente en su obra, siempre hay un rasgo humano único.

Dos intervenciones quirúrgicas de importancia, a las que fue sometido en las últimas semanas, le desataron un cansancio crónico, cuenta Aravena. “Se fue cansando de a poco”. Sin embargo, agrega el galerista, la exposición de abril próximo en el Bellas Artes lo tenía “muy feliz”.

Anoche, en redes sociales, lo recordaron desde la instituciones de las que formó parte (la U. de Chile, el MSSA, el Partido Comunista). También, centenares de admiradores de a pie. Los mismos que hoy tienen la oportunidad de despedir sus restos en el Salón Blanco del Museo de Bellas Artes, a partir de la 11 de la mañana.

20.9.13

Patrick Hamilton: "El arte chileno ha perdido su densidad y tradición crítica"

© E-Flux.
Patrick Hamilton, Handsaws Construction, 2013. Copper and plastic, 400 cm. Courtesy Gonzalez y Gonzalez, Santiago del Chile.

Vía La Tercera.

Tras nueve años sin exhibir en Chile, el artista, que acaba de estar en la Bienal de Venecia, reúne parte de sus últimas obras en el MAC, desde el martes.

Para Patrick Hamilton (39), la escena mundial del arte es similar al ranking ATP del tenis profesional: para llegar a estar entre los 10 mejores, es esencial haber ganado varios Master Series y por lo menos un Grand Slam. “El circuito afuera es muy estructurado. En este momento hay sólo dos ferias importantes en el mundo, Art Basel y Frieze, de Londres. En bienales hay varias, pero la cumbre indiscutible es Documenta Kassel”, dice Hamilton.

En ese escenario, se podría decir que el chileno va bien encaminado. En la última década, ha expuesto en la Bienal de Sao Paulo en Brasil, en la feria Armory de Nueva York, en Art Basel-Miami, y este año estuvo en el Pabellón de la Urgencia de la Bienal de Venecia invitado por el peruano Jota Castro.

Aunque hace nueve años que no expone de forma individual en Chile, Hamilton tiene su centro de operaciones en Santiago, donde además es profesor de la U. Diego Portales. Desde el martes la muestra Progreso resume sus últimos años de producción, en el MAC de Parque Forestal. Allí, desplegará una serie de objetos, fotos e instalaciones que reflejan los temas centrales de su obra: la relación entre trabajo, desigualdad y espectáculo en el contexto económico actual.

Para hablar del agotamiento del trabajo rural, Hamilton creó una instalación con machetes doblados en forma de mandala, y para tocar el tema de la segregación social, hizo un mural con rejas de puntas, las mismas que se usan para proteger las casas del barrio alto. Una de sus últimas obras es una foto del Costanera Center, recubierto con un material que simula mármol. “Ahí está la idea de la impostura, del falso éxito, una arquitectura lujosa, pero vacía”, dice Hamilton, quien en marzo de 2014 expondrá obras de esta misma serie en el Museo del Bronx, en Nueva York.

Trabaja mucho afuera, pero sigue viviendo en Chile, ¿por qué?

Elegí quedarme porque mi obra nace de una realidad local. El contexto económico, social y cultural de la posdictadura es mi tema. En ese sentido no me sirve vivir en Nueva York o Londres, además que es inmensamente más caro.

¿Por qué la estética es tan importante en su obra?

No me interesa hacer un panfleto de la desigualdad o la violencia, me gusta que la lectura de mi obra no sea directa y para eso uso el lenguaje del diseño y la publicidad. Mostrar este mural geométrico perfecto, pero hecho de puntas de rejas, tiene una carga simbólica de división social. Lo que intento es evidenciar cómo la publicidad y los medios de comunicación te venden un mundo bello, sin fisuras, un país fantástico, pero que esconde otras realidades.

¿Y esa falsa publicidad afecta a la escena del arte también?

Por supuesto. Chile tenía una tradición crítica y una densidad que se ha perdido. Cuando era estudiante mis modelos eran Alfredo Jaar, Eugenio Dittborn o Gonzalo Díaz y mi sueño era llegar a Documenta Kassel. Para mí, el arte tiene que ver con reflexionar sobre la realidad, pero hoy la gran mayoría de los artistas jóvenes sólo quieren vender. Es perverso que los paradigmas del arte los imponga el mercado, las ferias y no los museos o la crítica experta.

¿Eso lo hace contrario a las ferias?

Las ferias de arte se instalan cuando se cuenta con un grupo de coleccionistas, instituciones públicas y privadas consistentes que la avalan. En ese sentido, la Feria Chaco es engañosa. No quiero decir que esté en contra del mercado, yo mismo he estado en decenas de ferias, pero la feria no puede ser lo único. Finalmente, ese es el peor contexto para que un artista exhiba su obra y para que ésta dialogue con el público. En Chile necesitamos museos sólidos, porque la feria de arte no es más que un supermercado.

1.10.12

Cachipún 2012: Ana Avendaño y Paula Concha en la Galería de Arte de FME, organizada por Balmaceda Arte Joven sede Antofagasta.


A partir de este jueves 4 de octubre se podrá visita la exposición Cachipún 2012, en la Galería de Arte de la Fundación Minera Escondida (Av. O'Higgins 1280), y ha sido organizada por Balmaceda Arte Joven sede Antofagasta. En esta ocasión las artistas que exponen son Ana Avendaño y Paula Concha. La curatoria es del artista, productor y curador Jorge Wittwer.

Vía Balmaceda Arte Joven:

Cachipún tiene este 2012 su segunda versión y con la apuesta de enfrentar en un juego amistoso a dos artistas locales, la invitación este año fue extendida a dos mujeres. Cada una con su propia cosmovisión, coinciden en hablar de las migraciones y la movilidad de las personas por distintos territorios; una como observadora del dinámico entorno configurando un retrato humano de la mano de obra en Antofagasta y la otra en los zapatos del inmigrante, caracterizado en la figura de la provinciana o “la carmela” por el mundo. Ni Avendaño ni Concha se excluyen de estos procesos, ambas incluyen autorretratos en sus obras.

Exposición abierta de lunes a viernes de 09.00 a 13.00 hrs y de 15.00 a 19.00 hrs y los sábados de 11.00 a 14.00 hrs.

24.7.12

"Deisler los años antofagastinos", visita guiada por Claudio Galeno, jueves 26 de julio, 19:00 horas.


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Con motivo del cierre de la exposición "Deisler, los años antofagastinos" realizaremos una última visita guiada a cargo del académico e investigador del proyecto, Claudio Galeno.

Te invitamos a conocer en profundidad la obra de este gran artista y el contexto histórico en el que se desarrolló.

Jueves 25 de julio de 2002, 19:00 horas. Galería de Arte FME, organiza Balmaceda Arte Joven.

Evento en facebook: https://www.facebook.com/events/475116939166764/

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12.6.12

POETAS DE VERDAD: Guillermo Ross-Murray y Miguel Morales Fuentes.

Vía Informarte.



Por Carlos Massardo Prado
(Artículo aparecido en periódico "La Alternativa" 2008)

Tebaida, Arúspice y Trilce, nombres olvidados del patrimonio de nuestro país. Tres revistas literarias de la década de los 60. Encontramos reunidos en Antofagasta a Guillermo Ross-Murray Lay-Kim y a Miguel Morales Fuentes, dos de sus integrantes, dos amigos que se ven poco y se estiman bastante. Hablar con ellos es conectarse al pasado, aunque ellos son presente. En las conversaciones aparecen historias, lugares y personas que, por supuesto, quisiéramos haber conocido.

Don Guillermo nos relata: “La poesía joven chilena en la década de los 60 se concentraba en tres grandes grupos, cada uno de ellos con una revista: “Arúspice” de Concepción con Jaime Quezada a la cabeza, “Trilce” de Valdivia con Omar Lara y “Tebaida” con Alicia Galaz Vivar en el norte. Junto a ellos, la revista a nivel nacional que existía, “Orfeo” dirigida por Jorge Tellier. Estos tres grupos tenían una serie de ciertas características. La primera que hay que resaltar siempre es la amistad, tan escasa en los poetas de hoy. Y por otro lado “la profesionalidad”, es decir el compromiso estético con la belleza y el compromiso ético-solidario con los demás”.

Quienes formaron “Tebaida” y están hoy en el norte son Miguel Morales Fuentes en Antofagasta, Luís Moreno Pozo de Tocopilla y Guillermo Ross-Murray Lay-Kim de Iquique. Un poco más lejos geográficamente está Héctor Cordero Vitaglic, en algún lugar del sur de Chile y Oliver Welden Robertson circulando por el orbe.
Sobre la participación de Guillermo Deisler en “Tebaida”, - gran representante chileno de la poesía visual-, Ross-Murray Lay-Kim comenta: “Con sus ediciones “Mimbre” nos permitió dar nuestras primeros pasos a los poetas de esos tiempos junto con participar en Tebaida”.

Respecto a la época en que ellos tenían “Tebaida” y la actual, nos dice: “Yo creo que dos características ya no se dan; la amistad que existía entre todos nosotros a raíz de cual se hacían viajes, encuentros y por otro el ser profesional. Yo veo que esta posibilidad de publicar ahora es tal como lo es el amor. Antes el amor era una escalera, paso a paso. Ahora es una carrera de cien metros. La poesía es igual. Antes había un proceso de gestación y revisiones y cuando se llegaba al primer libro, realmente tenía enjundia. En cambio ahora no. Ahora falta eso. Es tan rápido, que la mayoría de las veces el poeta se arrepiente de sus primeros escritos”.
Sobre la posibilidad de hacer algo en conjunto con los integrantes que mantienen cierta conexión Don Guillermo acota: “Somos parte de este archipiélago que se llama Tebaida y no sólo por nuestra voluntad, sino porque Tebaida y toda la poesía chilena fue rota por la dictadura militar impuesta el 11 de septiembre de 1973. Pero a pesar de la no comunicación concreta, está la comunicación que va por sobre la carta, por sobre la palabra, que es el recuerdo”. Es este mismo recuerdo que nos hace tener presente a Ariel Santibáñez, detenido-desaparecido, y a todos estos hombres que son poesía.

APU (En la muerte de Pinochet)
10.12.2006

Para él,
ninguna gota de Poesía.
Tinieblas, tinieblas, tinieblas,
nada más.

Guillermo Ross-Murray Lay-Kim

Angélica

En qué rue de París
vas pisando adoquines?
Mientras yo me encorvo
como gárgola,
y me lleno de polvo
aquí en los cerros de Antofagasta.

Miguel Morales Fuentes

13.3.12

¿Quien fue la bailarina Andrée Hass [Haas]?

La notable danzarina Andree Hass posa para un croquis en los Talleres Libres de la Asociación de artistas de Chile, en el Catálogo del Salón de Independientes de 1931. © Dibam.


¿Quien fue Andrée Hass? esta bailarina suiza que cautivó a la varguardia chilena. Su presencia estimulante, se puede apreciar sólo con ver el la foto de su cuerpo contorsionado en plena secuencia de baile del catálogo del Salón de Independientes de 1931 y en el dibujo de Vargas Rozas de un artículo de Juan Emar de noviembre de 1924.

Hass nació en 1908 y murió en 1981 y era conocida como Mimi Haas. Su apellido suizo se puede encontrar escrito como Haas o Hass. Estudió con Blanche Selva en París y en Chile fue pionera de la danza moderna en Chile y co fundadora de la primera escuela de danza profesional en la Universidad de Chile.

Ella introdujo en Chile los sistemas de Émile Jaques Dalcroze, de quien fue alumna en Ginebra, así como el sistema de Mary Wigman, renovando completamente la enseñanza de la danza en Chile.

Como dice Yolanda Montecinos en su artículo "El Ballet Nacional Chileno.
Perspectiva histórica y humana"
:

Andrée Haas, de ascendencia sueca [suiza], era profesora titulada en el Instituto de Jacques Dalcroze de Ginebra y la única representante en Chile de este método. Unió su trabajo con el de la profesora de danza titulada en la Escuela de Mary Wigman en Dresde, Elsa Martin y fundaron una escuela bajo el postulado de la Wigman: "La danza es el lenguaje del cuerpo". Unieron los métodos en forma racional y, sobre una sólida base musical rítmica, dieron a conocer una novedosa técnica moderna.

Enseñaron gimnasia, danza gimnástica, pantomima y danza coreográfica. Sus presentaciones lograron amplio eco en un sector del público, llegando a contar con crecido número de alumnas. En su presentación del 17 de julio de 1933, en el Teatro Municipal, presentaron, entre otros, cinco esbozos rítmicos por los cursos superiores, medio e infantil, una pantomima sin música de Edfriede Renz, La Loca, estudio experimental a base de una composición sobre ritmos y una danza colectiva en la que las alumnas expresan, en forma simbólica, la alegría, la ingenuidad, la envidia y el sentido del infinito.

La crítica de ballet responde a la novedad del espectáculo. La Nación del 29 de diciembre dice: "Es importante dejar constancia de esta presentación coreográfica porque no está dirigida a satisfacer el gusto de parientes o del grueso público. Es un espectáculo serio, honrado, sin divisas comerciales, en el que destacan, Yerka Luksic, Nidia Peralta, María Luisa Solari y Graciela Pérez de Arce".

El Mercurio con las iniciales R. A. dice en su edición del 30 de diciembre de 1933: "La danza rítmica es una innovación tan interesante como el psicoanálisis en la terapéutica del espíritu, porque busca hallar el ritmo interior o llegar a formarlo".

El año 1939, ambas maestras fueron llamadas para participar en la Celebración del 90° aniversario del Conservatorio Nacional de Música y lo hicieron presentando en el Teatro Municipal La Canción de la Tierra (Bela Bartok, Marta Valencia) y Ma Mere l'Oye (Ravel-Héctor del Campo) con la orquesta dirigida por Armando Carvajal. Ambas obras encontraron excelente acogida y el espectáculo culminó con el estreno de La Boite a Joujoux con decorados de Isaías Cabezón y Marta Valencia que fue recibido como la primera manifestación "seria" de ballet en nuestro país.


Dibujo de Vargas Rozas en artículo de Juan Emar en La Nación. © Dibam.

19.2.12

Luego de la muerte del fotógrafo Sergio Larraín Echeñique (1931-2012)

© Sergio Larraín, Horcones, Chile, 1957. Vía David Arquimbau.

Desde el fallecimiento del destacado fotógrafo chileno Sergio Larraín Echeñique, su trayectoría profesional ha sido destacada en artículos en El País o en La lettre de la photographie. Su vida estuvo marcada por una privilegiada formación como hijo del precursor arquitecto modernista Sergio Larraín García Moreno, luego por el auge y reconocimiento de su trabajo fotográfico para la famosa agencia Magnum, y por su súbito retiro profesional a un pueblo alejado al interior de Ovalle, sin embargo siguió publicando libros y exponiendo en importantes museos como el IVAM de Valencia en 1999.

Desde su muerte muchas preguntas han tratado de encontrar respuestas a los hechos de la vida de Larraín, principalmente en Chile donde era poco conocido.

Una nota reciente que indaga en la vida de Larraín, gracias por el link a Rodrigo Ramos Bañados, vía El Semanal de La Tercera.

Las sombras que dejó Sergio Larraín

En 1978, Sergio Larraín decidió desaparecer en un pueblo escondido al interior de Ovalle. Dejaba atrás una vida glamorosa en la que sus imágenes eran publicadas en revistas como Paris Match y él tenía el privilegio de ser el único chileno de la agencia Magnum. Fue justamente en Tulahuén, perdido en el norte chileno, donde el fotógrafo murió la semana pasada. Fuimos hasta allá. Sus amigos y su hijo reconstituyen la vida y rutinas del artista en estos años. Y muestran, en exclusiva, sus últimas fotos.

Por Andrew Chernín, desde Tulahuén.

[...]

Tulahuén es un poblado de casas de adobe, que suena a rancheras todo el día y donde casi todos se apellidan González. Más que un pueblo, es la comunidad de 1.815 personas que decidieron vivir entre el río Grande del Valle del Limarí y el único camino de alquitrán que cruza los pueblos al sureste de Monte Patria.

Tulahuén es un lugar donde no hay semáforos ni cajeros automáticos ni veredas, en el que la gente gasta los días sentada bajo la sombra del porche, mirando cómo pasan las camionetas y los buses hacia Ova-lle, distante a 80 kilómetros.

A ese lugar, al final del callejón de los guindos, llegó Sergio Larraín en 1978. Y compró las 2,5 hectáreas que vendía Dominga Lomboy, una antigua amiga. La llamada había llegado cuando Sergio aún vivía con Juan José en Viña del Mar y los dos viajaban de Arica hasta Chiloé buscando un lugar donde el ex fotógrafo de Magnum pudiera perderse sin dejar rastro. Porque ese era el objetivo final de Larraín: perderse.

Su padre, recuerda Juan José, quería pasar la última etapa de su vida alejado de la sociedad, el desarrollo y la fastuosidad de la civilización, para revivir los veranos felices que pasaba de niño en el campo de su abuela materna en San Vicente de Tagua Tagua.

Por eso, en cuanto el teléfono sonó donde su vecino en Viña para avisarle que el terreno estaba en venta -él nunca quiso tener teléfono en su casa-, Sergio llevó a Juan José hacia la nueva vida que ambos vivirían.

Ese viaje, donde buscó desprenderse de su pasado como fotógrafo del New York Times, Paris Match y Life, podía entenderse como consecuencia de una serie de sucesos tristes: la muerte de su hermano menor, en la década del 50; el viaje posterior que su familia hizo a Europa, donde Larraín sintió que el mundo de opulencia en que había crecido era falso; su experimentación con el LSD; su paso por el culto de Oscar Ichazo en Arica, durante 1968; y el allanamiento que militares hicieron a una casa que tenía en El Arrayán, después del golpe, cuando Juan José recién cumplía dos meses.

Todo eso llevó a Larraín a convencerse, en 1978, de que su presente no podía estar en las figuras fantasmagóricas o en las sombras saturadas que eran la marca registrada de su estilo fotográfico. Que su vida tenía que encontrarla en la pintura de paisajes, la escritura para resolver el mundo y el yoga en su casa en Tulahuén, que miraba el río y donde no aceptaba muebles, televisión ni música que no fueran las composiciones barrocas de Bach.

Sergio Larraín transformó esa casa, en el callejón de los guindos, en un templo donde pocos tenían el privilegio de entrar. Aunque para Juan José aquel lugar se convirtió en otra cosa: un rincón de adobe del que algún día tendría que arrancar.

La imaginación de Tulahuén se preocupó de inventar cosas que Sergio Larraín no se molestó en explicar. Por el pueblo podían escucharse historias como que el fotógrafo caminaba desnudo por su campo, que tenía una pieza pintada negra y que convivía con una gran serpiente.

Si mitos así corrían, era porque Larraín sólo salía de su casa un par de días a la semana, primero en citroneta, después en bicicleta y finalmente caminando, para hacer lo mismo: dejar las cartas que escribía en la sede de la cooperativa de Tulahuén para que las mandaran a la oficina de correos en Ovalle o para comprar en el almacén Santa Alicia, del matrimonio de Raquel y Arturo Castillo, una lista que no variaba. Pedía cereales, verduras, frutas y nunca, en 32 años, pidió fiado.

Aunque también había días en que regalaba cosas.

Una vez, recuerda Raquel, Sergio llegó con un cuadro al óleo que pintó: un florero lleno de flores amarillas, secándose sobre una mesa al lado de una ventana. La pintura quedó en la casa de Raquel, quien sólo ahora comprendió quién era ese hombre, "sólo ahora nos hemos dado cuenta de la fama que tenía".

La familia Villalobos Cortés, vecina de Larraín, también recibió paisajes al óleo. A ellos, que prefieren no dar sus nombres, sólo les llamaba la atención la vida modesta del hombre con el que sólo intercambiaron saludos y que no hacía nada por cortar los espinos y la maleza que crecían libres en su patio.

Larraín, en la memoria de los tulahueninos, era un hombre que hablaba poco, que alguna vez intentó hacer clases de yoga en la cooperativa y en la escuela básica del pueblo. Sólo que cuando lo intentó, no pudo aguantar las risas que los mantras y las posiciones extrañas les producían a los vecinos.

Por eso eligió formas silenciosas de ayudar al pueblo que él esperaba que nunca se desarrollara ni dejara el anonimato: todos los meses, cuenta María Narea, de la cooperativa de Tulahuén, donaba $ 5.000 para que se regara la plaza.

Y cuando llegó, les abrió una cuenta corriente en Ovalle, con 15 mil pesos de la época, a 10 personas de escasos recursos de Tulahuén. El compromiso era que ahorraran para poder mantener un huerto y vivir una vida autárquica y sustentable, lejos del consumo o del capitalismo.

-También nos regalaba unos libritos -dice María Narea-. Los hacía él, eran bien divertidos. Déjeme ir a buscar uno para mostrárselo.

Lo que María trae es un libro pequeño, como de bolsillo, publicado en agosto de 2008, en una edición propia y autofinanciada de mil ejemplares, donde Larraín incluyó textos fragmentados en máquina de escribir, mezclados con dibujos, donde explicaba cómo plantar un manzano; citaba a Buda y decía que "no hay más salida que la sana".

-Son como locos- dice María.

El profesor Daniel Valenzuela recuerda el día que salió con su hijo hacia el río Grande y se encontró con un tipo delgado, que pintaba paisajes al lado de un niño y que, sin haberlo visto antes, le dijo que estaba "hastiado de la sociedad y que había venido aquí a descansar".

Valenzuela era un cristiano adventista que había llegado a hacerse cargo de la escuela básica. Quizás por eso Larraín aceptó hacerlo parte de su mundo y sus teorías, que incluían pensamientos como que había que reducir la tasa de natalidad: controlarla con asistentes sociales, para que no nacieran niños que no fueran producto del amor.

Larraín, en confianza, también decía cosas como que los países no deberían ser liderados por políticos, sino por grupos interdisciplinarios, que incluyeran desde científicos hasta obreros.

-Para Sergio, la antigüedad era poder, sabiduría -dice Valenzuela-. Entonces, yo le decía que leyera la Biblia, que es el libro más antiguo y donde está toda la sabiduría. Y él me contestaba "puede ser, pero hay libros más antiguos".

En esos ratos que compartieron en la casa de Larraín, sentados en colchones frente a una pequeña estatua de Buda, o caminando por el patio, Daniel entendió por qué su amigo estaba decepcionado de la religión, la política y por qué incluso se oponía a que llegaran autos a Tulahuén.

-Una vez me contó cuando lo mandaron a fotografiar el matrimonio del Sha de Irán. Me dijo "te mueres la fastuosidad, los excesos de la boda. Y después tener que volver a París, que era más pompa aún. Todo eso es falso. Esta es la felicidad".

Después, Larraín agarró un damasco de un árbol y se lo mostró a Valenzuela. "Este es el Edén", le dijo.

[... continua]

La artista chilena Voluspa Jarpa gana el Premio illy SustainArt en ARCO Madrid.

Minimal Secret, obra de Voluspa Jarpa presentada en la sección Solo Projects: Focus Latinoamérica en ARCOmadrid 2012 y ganadora del Premio illy SustainArt. © Foto EDSANCA.

Vía Artishock.

La artista chilena Voluspa Jarpa ganó el Premio illy SustainArt (sección Solo Projects: Focus Latinoamérica) que se entrega en la feria de arte contemporáneo ARCO, en Madrid, con su obra Minimal Secret, que continúa su investigación en torno a los archivos sobre Chile y los países del Cono Sur desclasificados por la CIA.

La obra fue premiada con quince mil euros (unos 19.750 dólares) y la oportunidad de diseñar un proyecto para un nuevo juego de tazas de café illy Art Collection.

El trabajo de Jarpa se exhibe en el stand de la galería Isabel Aninat (Santiago de Chile) en la feria, que cierra este domingo 19 de febrero.

“Las imágenes corresponden a los archivos conformados por fieltro para techo de mediagua impregnado con alquitrán y cortados láser que darán forma a un volumen suspendido en el centro del espacio de exhibición y que produce una tacha general en el espacio, ya que los espacios blancos de los documentos han sido calados y eliminados, quedando solamente la información de la tinta impresa”, explica la artista sobre la obra.

“La otra parte del trabajo es una gran mancha que contiene una degradación de los elementos visuales, textuales y gráficos que componen los archivos, y que está realizada a partir de la destrucción de estos papeles y su recomposición en papeles artesanales que desorganizan y fragmentan la información. El tercer elemento de la muestra es la exhibición de 200 libros apilados, perteneciente a la obra La Biblioteca de la No-Historia (mostrada en Santiago, Berna y Estambul durante 2010 y 2011) y de libros de La No-Historia (mostrada en la Bienal de Mercosur, Porto Alegre, Brasil, 2011), sobre una base retroiluminada”, añade.

Minimal Secret fue elegida por un jurado internacional compuesto por Agustín Pérez Rubio (director del MUSAC, León), Marcelo Mattos Araujo (director ejecutivo de la Pinacoteca de São Paulo) y Carlo Bach (director de arte de illycaffè).

En 2008, este premio fue concedido al brasileño Matheus Rocha Pitta, en 2009 el artista indio Avinash Veeraraghavan, en 2010 al artista mexicano Camilo Ontiveros, y en 2011 al brasileño André Komatsu.

ARCOmadrid, que se celebra del 15 al 19 de febrero de 2012, reúne a 160 galerías de 28 países en su Programa General, además de 62 galerías seleccionadas para los Programas Comisariados.

Jarpa participa en la sección Solo Projects: Focus Latinoamérica, que reúne a 23 artistas de once países latinoamericanos seleccionados por un equipo curatorial integrado por Cauê Alves (Brasil), Sonia Becce (Argentina), Patrick Charpenel (México), Alexia Dumani (Costa Rica), Manuela Moscoso (Colombia/Ecuador) y José Roca (Colombia).

Uno de los países con mayor representación en Solo Projects es Chile, de cuya escena llegarán a ARCOmadrid dos artistas más, ambos afincados en Nueva York: Felipe Mújica, que participa con la galería suiza CHRISTINGER DE MAYO y Cristóbal Lehyt, con la estadounidense VOGT GALLERY.

14.1.12

La estación interplanetaria rusa caerá este domingo cerca de la costa de Chile

© Taringa.

Vía ABC-EFE.

Por un fallo aún no esclarecido, la sonda quedó en la órbita terrestre en lugar de tomar rumbo a Marte.

Los fragmentos de la estación interplanetaria rusa Fobos-Grunt, que por un fallo aún no esclarecido quedó en la órbita terrestre en lugar de tomar rumbo a Marte, caerán mañana en el Pacífico junto a las costas chilenas, según ha informado este sábado Roskosmos, la agencia espacial rusa.

"El momento más probable de la caída de los restos del aparato espacial Fobos-Grunt será el 15 de enero a las 21.51 hora de Moscú (17.51 GMT)", dice el comunicado. La caída, de acuerdo con los cálculos, se producirá "cerca de las costas de Chile", añade. Roskosmos pronosticaba la víspera la caída de los restos de la estación en el Océano Atlántico y días antes, en el Índico.
La estación interplanetaria rusa caerá este domingo cerca de la costa de Chile

Según los datos de hoy el aparato está en una órbita de una altura máxima de 174,2 kilómetros y mínima de 149,7 kilómetros. "Un grupo operativo sigue constantemente el descenso del aparato", indicó la agencia espacial rusa.

La Fobos-Grunt, lanzada el pasado 9 de noviembre, debía cumplir una misión de 34 meses que incluía el vuelo a Fobos, una de las dos lunas de Marte, el descenso en su superficie y, finalmente, el retorno a la Tierra de una cápsula con muestras del suelo del satélite marciano.

El proyecto, con un coste de 5.000 millones de rublos (unos 170 millones de dólares), tenía como objetivo estudiar la materia inicial del sistema solar y ayudar a explicar el origen de Fobos y Deimos, la segunda luna marciana, así como de los demás satélites naturales en el sistema solar.

El ingenio pesa 13 toneladas y media, de las que 11 corresponden al combustible, y mide algo más de seis metros de largo. Tiene una envergadura de casi cuatro metros sin contar los paneles solares, cuya longitud cuando están extendidos es de ocho metros, según informa Rafael M. Mañueco.

En la nota difundida por la agencia rusa se advierte, no obstante, que la caída podría retrasarse al lunes y producirse en otro sitio. Se señalan tres factores que podrían hacer cambiar las cosas: una disminución de la altura de la órbita, la actividad solar y el estado de la atmósfera terrestre. En cualquier caso, afirma Roskosmos, el carburante (dimetilhidrazina) hará explosión cuando el aparato se acerque a los 100 km. de altura y asegura que «unos 20 o 30 fragmentos, con una masa total de no más de 200 km., serán lo que lleguen hasta la superficie de la Tierra». Todo lo demás se habrá desintegrado. La pila de cobalto de un espectrómetro es la única fuente radiactiva del artefacto, pero, al tener una masa inferior a los diez kilogramos, se considera que no reviste peligro.

Después de varios intentos fallidos de enviar sondas a Marte, en 1988, 1989 y 1996, Rusia se dispuso a reanudar los periplos interplanetarios no tripulados hace cinco años. El lanzamiento de la Fobos-Grunt debió haber tenido lugar en 2009, pero fue aplazado por no estar todavía a punto. El proyecto ha tenido un coste de unos 120 millones de euros. Se pretendía que la sonda se hubiese posado en la superficie de Fobos, una de las lunas de Marte, dejando allí una estación automática y enviando de regreso a la Tierra muestras de su suelo. La investigación hubiese aportado importantes datos sobre el origen del sistema solar y abundante información de cara a un futuro vuelo tripulado a Marte.

El año 2011 ha estado plagado de fracasos para la industria espacial rusa. Se han malogrado por lo menos siete aparatos, entre ellos una nave de carga Progress. Este accidente trastocó el régimen de trabajo y los relevos en la Estación Espacial Internacional (ISS).

21.11.11

Reciente edificación en altura en Antofagasta, o, ¿Cual es la altura urbana de la nueva Antofagasta?

Antofagasta está creciendo en altura desde hace varios años, pero en este ultimo tiempo se ha desarrolado en el entorno del centro y del área del puerto nuevo, que corresponde a las manzanas cercanas al Mall.

El sector se caracterizaba por los edificios colectivos de la Caja de Seguro Obrero de 1939, un proyecto dirigido por Kulczewski y Zentilli, y en los cincuenta por los edificios de la Caja de EE.PP.

Ahora la orientación del espacio ha cambiado como podemos ver en las imágenes que siguen:

El skyline de los Colectivos obreros ahora está intervenido por el edificio de departamentos de Paz, denominado Icono, que solo tiene de su nombre el hecho que esté en una esquina y que tenga alrededor de treinta plantas. Su altura irrumpe sin ningun aporte urbano en cuanto diseño, o sea que de icono no tiene nada.



El edificio de la inmobiliaria Paz, ahora se puede apreciar esbelto, pero la verdad es que la mole asciende en su segunda etapa, para que su ancho aumente y que su presencia urbana sea solo la de un apilamiento de plantas.



El edificio en cuestión ahora genera una constante sombra urbana en su entorno, y de nuevo no tiene nada que destacar en cuanto diseño a la escala del peaton, a parte de restar la luz.



Por otro lado se levanta el edificio de oficinas Costanera, en la esquina del pasaje Argomedo y la avenida Balmaceda. Si bien como arquitectura recurre a una suerte de prisma miesiano, en la planta baja, se sostiene por unos interesantes pilotis, y en el ultimo nivel promete un remate. Su caracter abstracto y reflexión soobre el encuentro del volumen con el suelo urbano nos deja más que otro edificios.



La caja de Mies del edificio Costanera con su mirada suroeste, promete mucho más al imaginario urbano que ciertas otras manifestaciones de la especulación inmobiliaria de Antofagasta.

4.11.11

Cierre Exposición "Territorio Cocinado" de Alexis Díaz, viernes 4 de noviembre de 2011.



Hoy se realizará el cierre de la Exposición "Territorio Cocinado" del artista Alexis Díaz. El evento es este viernes 04 de noviembre a las 19.30 horas. En el evento se realizará una conversación abierta con el autor de la exposición: Alexis Díaz más otros dos artistas: Franz Reimers y Alejandro García. Estos tres artistas contemporáneos antofagastinos forman parte del proceso de convocatoria 2011 de la Galerías de Arte de Fundación Minera Escondida y Balmaceda Arte Joven.

Evento en Facebook.

Lugar: Balmaceda Arte Joven Antofagasta (O'Higgins 1280).

2.10.11

La arquitectura urbana del nuevo Hotel Alto del Sol en Mejillones

© Claudio Galeno

En Mejillones se construye un nuevo hotel Alto del Sol de la empresa Korlaet. Su interesante arquitectura que atraviesa completamente una manzana del centro de esa ciudad, propone una horizontalidad que acentua la escala urbana, y en ese sentido es arquitectura urbana.

El extenso volumen se percibe suspendido sobre la pequeña escala de esa ciudad llana. De ea forma, su perfil surge revelando la dimensión de la manzana y a pesar de su gran envergadura, la decisión de privilegiar la horizontal sobre la verticalidad habla de una característica propia de ese espacio urbano y de su paisaje.
© Claudio Galeno
© Claudio Galeno

5.9.11

Adriana Zuanic entrevista a Raúl Ruiz en Antofagasta el año 2007.

Adriana Zuanic entrevista a Raúl Ruiz en Antofagasta, 2007. from Claudio Galeno Ibaceta on Vimeo.

En Antofagasta el año 2007, la cineasta antofagastina Adriana Zuanic entrevistó al cineasta Raúl Ruiz en el contexto del Festival Internacional de Cine del Norte de Chile que ella dirigía. Ruiz, quien acompañaba a su esposa Valeria Sarmiento en ese viaje, en ese tiempo estaba filmando y produciendo para la televisión chilena y se interesó por Antofagasta como locación para alguna de las historias.La entrevista fue registrada por Visual Productora. Zuanic organizaba el Festival acompañada de un círculo íntimo de amigos y colaboradores: Marcela Díaz Gálvez, René Huerta, Claudio Galeno, Jorge Wittwer y Arlette Ibarra.

9.8.11

Incendio arrasó con parte de una manzana del centro de Antofagasta

La madrugada del domingo 7 de agosto, un incendio arrasó con una parte significativa de la manzana entre calles Ossa y Baquedano, haciéndo tabula rasa con varios negocios, entre ellos una antigua zapateria. En la esquina, de forma aislada se salvó una tradicional tienda de fotografía, por lo menos en su estructura, gracias a los invaluables muros corta fuego. No fue así con el resto de las construcciones que se derribaron mientras eran consumidas por las llamas.

La prensa ha destacado que el área corresponde al casco histórico de Antofagasta, lo que no deja de llamar la atención respecto de la importancia que tienen en la historia de la ciudad con muchas construcciones relevantes, pero con mucho abandono y poco control respecto de la calidad de las obras de transformaciones que se realizan en el área, donde todavía se pueden encontrar muchas casas construidas en balloon frame y recubiertas de caña y barro.

El detonante fue la instalación eléctrica de una residencial, donde fallecieron varias personas. Otro punto a destacar, el sin fin de espacios de hospedaje (residenciales, pensiones, pequeños hoteles, arriendo de cuartos, etc.) que se ofrecen en la ciudad tanto para los trabajadores mineros como para los nuevos inmigrantes extranjeros que abundan en la ciudad, pero el escaso control que se aplica sobre la calidad de sus instalaciones, no sólo como servicios, sino en términos de instalaciones eléctricas y sanidad, no es la primera vez que se incendia una de estas residenciales.

Ver:
"Incendio consume cinco casas en Antofagasta"
"Fuego destruye 6 casas en Antofagasta"
"Dos lesionados y 10 damnificados dejó voraz incendio en pleno centro de Antofagasta"

A continuación dejo una serie de fotografías que ilustran la potencia del incendio por la noche, y luego el vacío en la manzana, las ruinas de las construcciones, la materialidad de los edificios que resistieron, muros corta fuego, un gran memento mori.

Noche:






Ruinas, tabula rasa y memento mori: