SESIÓN 4: MUJERES PROYECTISTAS
GLENDA KAPSTEIN Hacia una modernidad regionalista
Claudio Galeno
LILLY REICH Barcelona 1929
David Caralt
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30.10.16
El CCCB investiga el poder de la arquitectura como motor de deseo sexual
Vía La Vanguardia.
Hasta el 19 de marzo
La muestra '1.000 m2 de deseo. Arquitectura y sexualidad' evidencia que los espacios propuestos para el placer se imaginan desde una fantasía masculina
El Centre de Cultura Contemporània de Barcelona (CCCB) investiga el poder de la arquitectura como motor de deseo sexual con la proyección de espacios para el sexo desde el siglo XVIII hasta la actualidad en una exposición "densa, en cuanto a pensamiento, pero juguetona", ha explicado el director del centro, Vicenç Villatoro, en rueda de prensa.
En la presentación '1.000 m2 de deseo. Arquitectura y sexualidad', el director ha remarcado que el recorrido ayuda a explicar el presentE, las personas y las sociedades: "No se puede explicar la contemporaneidad sin hablar de sexo y sin esta mirada".
La jefa de exposiciones del CCCB y comisaria, Rosa Ferré, ha destacado que la exposición investiga la proyección, investigación e imaginación de los espacios para el sexo en la sociedad occidental a través de 250 piezas, entre dibujos y maquetas de arquitectura, instalaciones, artísticas, audiovisuales y libros.
No se puede explicar la contemporaneidad sin hablar de sexo y sin esta mirada
Vicenç Villatoro
Director CCCB
El recorrido, también comisariado por Adelaïde de Caters y visitable hasta el 19 de marzo, explora el poder que ejercen los espacios como motor del deseo y muestra cómo la arquitectura ha contribuido al control de los comportamientos y a la creación de los estereotipos de género en la sociedad patriarcal actual, ha dicho Ferré.
La exposición evidencia como la práctica de la arquitectura ha estado dominada hasta muy recientemente por hombres y que, en consecuencia, los espacios propuestos para el placer se imaginan desde un deseo y una fantasía masculinos.
La propuesta, que no sigue una línea cronológica, pivota sobre tres ejes temáticos --'Utopías sexuales, 'Refugios libertinos' y 'Sexografías'-- y parte del siglo XVIII porque en este siglo nació el "concepto de intimidad", que en los siglos posteriores se convirtió en un espectáculo.
Las utopías sexuales del siglo XVIII de Claude-Nicolas Ledoux, Restif de La Bretonne y Charles Fourier abren el recorrido con sus propuestas radicales con proyectos radicales como el templo del placer de Ledoux, y los espacios para orgías eróticas y gastronómicas de Fourier.
En este apartado, se puede ver el gabinete Sade que investiga como el marqués construyó su utopía narrativa del exceso desde su pasión por la arquitectura y las artes escénicas.
También reivindica el trabajo del visionario arquitecto húngaro Nicolas Schöffer, que en los años 60 proyectó una ciudad utópica para la que diseñó un Centro de Entretenimientos Sexuales, representados en una instalación de gran formato que reproduce este espacio.
En el capítulo de 'Refugios libertinos', explora el poder que los espacios ejercen como motor del deseo y analiza cómo son los refugios para el placer, desde las 'petites maisons' de la aristocracia francesa del siglo XVIII, hasta los apartamentos para solteros propuestos por 'Playboy'.
‘Playboy’ y la arquitectura
De hecho, la exposición le dedica un capítulo entero a 'Playboy', comisariado por Beatriz Colomina, quien ha reivindicado el papel de la revista en la difusión de la arquitectura moderna de Frank Lloyd Wright y Mies van der Rohe en un momento en que las revistas del sector eran muy convencionales y clásicas.
"La revista hizo aceptable que los hombres se interesaran por la arquitectura y el diseño", además de cuestiones de estilo de vida, ropa y diseño, ha subrayado Colomina, que ha admitido que la publicación trata como un objeto a mujeres, pero también a hombres.
El ámbito 'Sexografías' ofrece un "mapa de las pasiones contemporáneas" a través de piezas de arquitectos y artistas como Bernard Tschumi, ecoLogicStudio, Danli Wang, Pol Esteve y Marc Navarro y descubre espacios públicos codificados para el sexo, como parques, calles y baños públicos.
24.9.14
El MNAC [Museo Nacional de Arte de Cataluña] se da un baño modernista
Vía El País.
Por José Ángel Montañés Barcelona 23 SEP 2014 - 14:21 CEST
El museo huye de estilos, categorías, cronologías y cánones en su reordenación del arte de los siglos XIX y XX, con 1.300 obras, la mitad no expuestas antes.
El Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC) es conocido por su colección de arte medieval, sobre todo sus pinturas murales románicas, consideradas el conjunto más importante del mundo. Pero el principal museo catalán conserva además, entre sus 300.000 obras de arte, una importante colección formada desde 1888 a partir de adquisiciones institucionales, donaciones y suscripciones populares, reflejo de los gustos y avatares históricos de cada momento, que no estaba suficientemente bien representada en la permanente. Esto cambiará hoy cuando los 4.000 metros cuadrados de la primera planta del museo abran sus puertas dedicados exclusivamente al arte moderno creado desde la segunda mitad del siglo XIX hasta los primeros cincuenta años del XX. En total, 1.300 obras, más de la mitad nunca expuestas, de 260 artistas, la mayoría poco o nada representados hasta ahora y que han abandonado la reserva para ocupar las salas del Palau Nacional.
Después de seis meses, en los que el museo se ha puesto patas arriba, esta planta del MNAC parece otro lugar. No solo porque las paredes han mudado del característico blanco neutro —que impuso la italiana Gae Aulenti en la reforma del edificio— a colores intensos que enmarcan las pinturas. También se ha huido de la común alineación de pinturas y las paredes se han llenado de todo tipo de obras.
Uno de los encargos del MNAC, como museo nacional, es construir el canon del arte catalán en las diferentes etapas de su historia. Ante la presencia en la nueva museografía de obras de autores no catalanes como Juan Gris, Olga Sacharoff, Ignacio Zuloaga, Darío de Regoyos o Julio Romero de Torres (representado, entre otras, por un casi inédito retablo laico con siete de sus bellas mujeres), franceses como Alfred Sisley o noruegos como Edvard Munch, el director del MNAC, Pepe Serra, dejó claro que no cree en la rigidez de los cánones y aseguró que “todas fueron compradas por el Ayuntamiento o la Junta de Museos y forman parte y ayudan a entender el conjunto de la colección”.
Ni estilos, ni periodos, ni categorías convencionales, ni cronologías, ni cánones. Cuando Serra tomo posesión de su cargo hace casi tres años dejó claro que rompería con la división tradicional del arte que se mostraba en el museo y que echaría mano de todos los soportes y técnicas. Está claro que lo ha hecho en la nueva museografía. En la reforma coordinada por el jefe de colecciones, Juan José Lahuerta, pinturas, esculturas, carteles, ilustraciones, caricaturas, muebles, publicidad, fotografía, cine e incluso arquitectura, teniendo en cuenta que la mayoría de los artistas más innovadores y relevantes del periodo (Lluís Domènech i Montaner, Josep Puig i Cadafalch o Josep Lluís Sert) son arquitectos, se exponen juntos por primera vez, contextualizando y dando sentido a un relato.
La nueva presentación explica, de forma compleja, el nacimiento del arte y del artista moderno, cómo se fue abandonando el academicismo considerado “acartonado y caduco” por el realismo, donde abundan los desnudos cada vez menos reales. Se muestran los rostros de los artistas a través de sus autorretratos, sus talleres, algunos de los burgueses barceloneses y catalanes que hicieron posible estas obras con su apoyo económico; cómo se abordó el paisaje y se pasó de la pintura historicista como La batalla de Tetuán, de Fortuny, a las obras que reflejan la crónica de actualidad, la guerra colonial o la lucha de clases. “Huyendo de ismos como el impresionismo, futurismo, cubismo o expresionismo, la nueva presentación refleja los gustos y aspiraciones de una sociedad en toda su complejidad y contradicciones”, explica Serra. “Las grandes obras siguen estando y se enriquecen junto a otras creadas del momento”, añade Lahuerta.
Entre los objetivos de la nueva presentación es que el MNAC acabe siendo, por fin, el museo de referencia del modernismo, el movimiento artístico en el que Barcelona se mide con otras metrópolis europeas de igual a igual. Por eso, las obras de Ramon Casas, Santiago Rusiñol, Miquel Utrillo, Isidre Nonell, Pablo Picasso, Carles Casagemas, entre otras muchas que ya se podían ver, se han visto reforzadas por 20 nuevas piezas de mobiliario creadas por Antoni Gaudí para viviendas como las casas Calvet, Batlló o La Pedrera, posible tras el acuerdo firmado con la Sagrada Familia en julio. Los herederos de Josep Maria Jujol también han cedido ocho obras de su antepasado, que siempre trabajó a la sombra de Gaudí.
Juli González, Joaquim Sunyer, Josep de Togores, Joaquim Torres-García, Salvador Dalí o Picasso se suceden en los 39 espacios en los que se ha ordenado esta enorme colección. El recorrido concluye con obras relacionadas con la Guerra Civil. Entre ellas, las fotografías de Agustí Centelles del conflicto y muchas de las obras que se pudieron ver en 1937 junto al Guernica de Picasso en el Pabellón de la República de París y que el museo ha conservado desde entonces.
El epílogo a este recorrido lleno de innumerables paradas lo pone un conjunto de obras firmadas por Tàpies, Modest Cuixart o Joan Ponç, integrantes de Dau al Set, que a finales de los cuarenta, tras el conflicto bélico, intentaron recuperar las vanguardias clásicas, especialmente el surrealismo. Se podrán ver gracias a un tercer acuerdo con el Macba que las ha cedido. “Pese a los 4.000 metros cuadrados no había sitio para ir más allá”, explica Serra, que anunció para 2015 una nueva reforma, esta vez la de las salas del Renacimiento y Barroco. La que se inaugura hoy ha costado 890.000 euros, un tercio de los cuales los ha aportado la Fundación La Caixa. Este miércoles, el sábado y domingo, el museo ha programado tres jornadas de puertas abiertas para mostrar estas nuevas piezas.
Por José Ángel Montañés Barcelona 23 SEP 2014 - 14:21 CEST
El museo huye de estilos, categorías, cronologías y cánones en su reordenación del arte de los siglos XIX y XX, con 1.300 obras, la mitad no expuestas antes.
El Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC) es conocido por su colección de arte medieval, sobre todo sus pinturas murales románicas, consideradas el conjunto más importante del mundo. Pero el principal museo catalán conserva además, entre sus 300.000 obras de arte, una importante colección formada desde 1888 a partir de adquisiciones institucionales, donaciones y suscripciones populares, reflejo de los gustos y avatares históricos de cada momento, que no estaba suficientemente bien representada en la permanente. Esto cambiará hoy cuando los 4.000 metros cuadrados de la primera planta del museo abran sus puertas dedicados exclusivamente al arte moderno creado desde la segunda mitad del siglo XIX hasta los primeros cincuenta años del XX. En total, 1.300 obras, más de la mitad nunca expuestas, de 260 artistas, la mayoría poco o nada representados hasta ahora y que han abandonado la reserva para ocupar las salas del Palau Nacional.
Después de seis meses, en los que el museo se ha puesto patas arriba, esta planta del MNAC parece otro lugar. No solo porque las paredes han mudado del característico blanco neutro —que impuso la italiana Gae Aulenti en la reforma del edificio— a colores intensos que enmarcan las pinturas. También se ha huido de la común alineación de pinturas y las paredes se han llenado de todo tipo de obras.
Uno de los encargos del MNAC, como museo nacional, es construir el canon del arte catalán en las diferentes etapas de su historia. Ante la presencia en la nueva museografía de obras de autores no catalanes como Juan Gris, Olga Sacharoff, Ignacio Zuloaga, Darío de Regoyos o Julio Romero de Torres (representado, entre otras, por un casi inédito retablo laico con siete de sus bellas mujeres), franceses como Alfred Sisley o noruegos como Edvard Munch, el director del MNAC, Pepe Serra, dejó claro que no cree en la rigidez de los cánones y aseguró que “todas fueron compradas por el Ayuntamiento o la Junta de Museos y forman parte y ayudan a entender el conjunto de la colección”.
Ni estilos, ni periodos, ni categorías convencionales, ni cronologías, ni cánones. Cuando Serra tomo posesión de su cargo hace casi tres años dejó claro que rompería con la división tradicional del arte que se mostraba en el museo y que echaría mano de todos los soportes y técnicas. Está claro que lo ha hecho en la nueva museografía. En la reforma coordinada por el jefe de colecciones, Juan José Lahuerta, pinturas, esculturas, carteles, ilustraciones, caricaturas, muebles, publicidad, fotografía, cine e incluso arquitectura, teniendo en cuenta que la mayoría de los artistas más innovadores y relevantes del periodo (Lluís Domènech i Montaner, Josep Puig i Cadafalch o Josep Lluís Sert) son arquitectos, se exponen juntos por primera vez, contextualizando y dando sentido a un relato.
La nueva presentación explica, de forma compleja, el nacimiento del arte y del artista moderno, cómo se fue abandonando el academicismo considerado “acartonado y caduco” por el realismo, donde abundan los desnudos cada vez menos reales. Se muestran los rostros de los artistas a través de sus autorretratos, sus talleres, algunos de los burgueses barceloneses y catalanes que hicieron posible estas obras con su apoyo económico; cómo se abordó el paisaje y se pasó de la pintura historicista como La batalla de Tetuán, de Fortuny, a las obras que reflejan la crónica de actualidad, la guerra colonial o la lucha de clases. “Huyendo de ismos como el impresionismo, futurismo, cubismo o expresionismo, la nueva presentación refleja los gustos y aspiraciones de una sociedad en toda su complejidad y contradicciones”, explica Serra. “Las grandes obras siguen estando y se enriquecen junto a otras creadas del momento”, añade Lahuerta.
Entre los objetivos de la nueva presentación es que el MNAC acabe siendo, por fin, el museo de referencia del modernismo, el movimiento artístico en el que Barcelona se mide con otras metrópolis europeas de igual a igual. Por eso, las obras de Ramon Casas, Santiago Rusiñol, Miquel Utrillo, Isidre Nonell, Pablo Picasso, Carles Casagemas, entre otras muchas que ya se podían ver, se han visto reforzadas por 20 nuevas piezas de mobiliario creadas por Antoni Gaudí para viviendas como las casas Calvet, Batlló o La Pedrera, posible tras el acuerdo firmado con la Sagrada Familia en julio. Los herederos de Josep Maria Jujol también han cedido ocho obras de su antepasado, que siempre trabajó a la sombra de Gaudí.
Juli González, Joaquim Sunyer, Josep de Togores, Joaquim Torres-García, Salvador Dalí o Picasso se suceden en los 39 espacios en los que se ha ordenado esta enorme colección. El recorrido concluye con obras relacionadas con la Guerra Civil. Entre ellas, las fotografías de Agustí Centelles del conflicto y muchas de las obras que se pudieron ver en 1937 junto al Guernica de Picasso en el Pabellón de la República de París y que el museo ha conservado desde entonces.
El epílogo a este recorrido lleno de innumerables paradas lo pone un conjunto de obras firmadas por Tàpies, Modest Cuixart o Joan Ponç, integrantes de Dau al Set, que a finales de los cuarenta, tras el conflicto bélico, intentaron recuperar las vanguardias clásicas, especialmente el surrealismo. Se podrán ver gracias a un tercer acuerdo con el Macba que las ha cedido. “Pese a los 4.000 metros cuadrados no había sitio para ir más allá”, explica Serra, que anunció para 2015 una nueva reforma, esta vez la de las salas del Renacimiento y Barroco. La que se inaugura hoy ha costado 890.000 euros, un tercio de los cuales los ha aportado la Fundación La Caixa. Este miércoles, el sábado y domingo, el museo ha programado tres jornadas de puertas abiertas para mostrar estas nuevas piezas.
10.9.14
Alvar Aalto: arquitectura orgánica, arte y diseño
Sanatorio de Paimio. © Postales Inventadas.
Vía Hoyesarte.
Fecha: Del 27 mayo al 30 de agosto 2015
Comisario: Jochen Eisenbrand, comisario jefe del Vitra Design Museum
CaixaForum Barcelona presentará en mayo de 2015 una gran retrospectiva dedicada al arquitecto finlandés Alvar Aalto (1898-1976), una de las figuras más importantes de la arquitectura y el diseño del siglo pasado.
La muestra, organizada por Vitra Design Museum y Alvar Aalto Museum en colaboración con la Obra Social ”la Caixa”, presentará una amplia panorámica de la vida y la producción de este legendario arquitecto, se detendrá en sus edificios y diseños más representativos y revelará numerosos nuevos aspectos de su producción. Incluirá, además, 20 maquetas históricas y más de un centenar de piezas, entre dibujos originales, muebles, lámparas y objetos de cristal, así como obras de otros artistas con los que compartió inquietudes y amistad, como Alexander Calder o Jean Arp, y fotografías históricas y modernas a cargo del fotógrafo Armin Linke.
Aalto es el arquitecto finlandés más conocido de su generación y uno de los más importantes del siglo XX. Sus edificios plasman una magistral interacción de volúmenes, formas y materiales orgánicos, y los objetos diseñados por él son reconocidos en la actualidad como hitos del desarrollo del mobiliario moderno.
Fue una figura clave de la arquitectura y el diseño internacional de vanguardia desde los años veinte. El finlandés realizó encargos en países como Italia, Suiza, Francia, Alemania y Estados Unidos en la posguerra. Su prolífica carrera llega hasta los años setenta, incluyendo más de 400 edificios y docenas de muebles, objetos de cristal y lámparas. Acabó llevando a cabo encargos a gran escala como el Auditorio Finlandia de Helsinki (1975), justo un año antes de su muerte, y la Ópera de Essen, que fue finalizada póstumamente en 1988.
17.5.14
Albert Viaplana, imprescindible arquitecto vanguardista (1993-2014)
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© Afasia.Vía El País.
Por Josep María Montaner.
El arquitecto Albert Viaplana i Veà (Barcelona, 1933) falleció el pasado miércoles. Viaplana trabajó junto a Helio Piñón entre 1974 y 1997 y la obra del estudio Viaplana-Piñón, que surgía del contexto de la llamada Escuela de Barcelona, de raíz realista y contextualista, significó a finales de los años setenta una fuerte ruptura por la búsqueda conceptual, esencialista y abstracta, próxima a los Five Architects neoyorkinos, especialmente Peter Eisenman y John Hedjuk.
Sus primeras obras fueron en su mayoría viviendas, como la casa Jiménez de Parga en La Garriga (1976). Más adelante emprendieron una sistemática experimentación, con proyectos muy influyentes, aunque no se realizaran, como el que ganó el concurso de la nueva sede del Colegio de Arquitectos de Valencia (1977). De forma escalonada y repetitiva, consiguieron una inolvidable propuesta intemporal y minimalista, expresada con unas líneas lo más abstractas, simples y anónimas posibles, para que cualquiera los pudiera utilizar y continuar.
Este proceso, que tuvo una pieza complementaria en el parque del Besós, en Sant Adrià (1984), culminó con la plaza dels Països Catalans, frente a la estación de Sants (1981-1983), modelo de las nuevas plazas promovidas por el Ayuntamiento socialista de Barcelona. Más allá de su abstracción, la plaza está llena de detalles humanos, inspirados en Christopher Alexander, y de citas poéticas, como el gato de chapa.
Tras algunas obras en que este racionalismo de base sintonizaba con una visión poética de la experiencia espacial, como el Centro de Arte Santa Mónica (1985-1992) o el hotel Hilton en la Diagonal (1987-1990), Viaplana y Piñón realizaron la que está considerada su mejor obra y que es uno de los hitos más emblemáticos de Barcelona: el Centre de Cultura Contemporánea de Barcelona (1990-1993), remodelando el antiguo complejo de la Casa de la Caritat. Se conservaron tres de las cuatro partes del edificio y se construyó una totalmente moderna, con la fachada de cristal y una escalera mecánica a toda altura. En la parte más alta, la fachada se inclina y refleja la ciudad. De esta manera, la modernidad se convierte en recurso hermenéutico que relaciona el pasado con el presente; el cristal consigue presentar las huelas de la memoria urbana.
En aquellos años, a finales de los ochenta, principios de los noventa, Viaplana era uno de los arquitectos más influyentes del panorama español. Profesor en la Escuela Técnica de Arquitectura de Barcelona desde 1971, donde se había titulado en 1966 y donde pasó a ser catedrático de Proyectos en 1988 hasta su jubilación en 1999, Viaplana era un auténtico oráculo por su honestidad conceptual, sus dibujos y diagramas, y sus ideas tan pedagógicas.
Aunque su influencia fue quedando en segundo término, más tarde realizó polémicas y trascendentes obras, como la plaza Lesseps (2001), tras un proceso de participación vecinal, o la de Europa en L’Hospitalet de Llobregat (iniciada en el 2003), que estructura todo el crecimiento junto a la Fira de Barcelona. También realizó centros de arte y cultura, bibliotecas y edificios públicos, como el nuevo Ayuntamiento de Sant Cugat del Vallés (2003). En estos últimos años proyectaba asociado a su hijo David Viaplana.
Además de su talante austero, discreto y exigente, contribuyeron a su pérdida de protagonismo el hecho de que Piñón se independizara y renegara de toda su obra anterior, y la paradoja de que fuera su discípulo Enric Miralles quién se convirtiera en un mito, primero por su obra y después por su muerte prematura.
Es de esperar que tras su fallecimiento la historia lo sitúe en el lugar destacado que se merece y ganó con algunas de sus obras maestras, más allá de las polémicas que acarrearon otras y de las objeciones a su obra tan prolífica. La clave será revisar sus ideas y recuperar sus dibujos, para reinterpretar y valorar la aportación de este vanguardista silencioso y pausado que fue la clave en la arquitectura catalana.
25.2.14
José Miguel de Prada Poole, conferencia lunes 3 de marzo en ESARQ-UIC, Barcelonna
LUNES 3 DE MARZO CONFERENCIA DEL PREMIO NACIONAL DE ARQUITECTURA JOSE MIGUEL DE PRADA POOLE - ESARQ-UIC, 19H -
El próximo lunes, Jose Miguel de Prada Poole, Premio Nacional de Arquitectura 1975, dictará la conferencia Arquitectura “Evanescente” en el marco del ciclo de Foros ESARQ 2014 que este año lleva por título “Transformations” y está dirigido por el arquitecto Jorge Vidal.
La conferencia “Arquitectura Evanescente” versará sobre una serie de proyectos aparentemente muy diferentes que tienen en común la posibilidad de transformación, reorganización o cambio de lugar: la Ciudad Instantánea de Ibiza, una pista de patinaje sobre Hielo en Sevilla, un pabellón modular, un Auditorio en Villaverde - Ciudad Lineal (Madrid), una propuesta de Escuelas Modulares Desmontables para el Ministerio de Educación y Ciencia o un Museo Viajero e “invisible” para Manhattan.
La conferencia tendrá lugar en el Aula Magna de la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de la Universitat Internacional de Catalunya (C/ Immaculada, 22 en Barcelona)
29.1.14
"[Le Corbusier] El arquitecto que odiaba al MoMA", exposición del MoMA en el CaixaForum de Barcelona
Le Corbusier. El Partenón, Atenas, 1911. Vista hacia el mar. Fondation Le Corbusier, París. © 2014 FLC-VEGAP
Vía El País.
La maqueta que el arquitecto francosuizo Charles Édouard Jeanneret-Gris, Le Corbusier (1887-1965), realizó en 1931 con el fin de participar en el concurso para construir los palacios de los soviets en Moscú, símbolo del incipiente triunfo del comunismo, acabó, por el azar de la historia, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA). Se la vendió el propio arquitecto en una operación que acabó mal, ya que Le Corbusier siempre aseguró que el museo no se la había pagado. Por eso, repitió en más de una ocasión que odiaba al MoMA. El tiempo lo cura todo y ha sido este museo neoyorquino quien ha organizado la última gran retrospectiva junto a la Foundation Le Corbusier de París. Le Corbusier. Un atlas de paisajes modernosse centra en su preocupación por el paisaje que desarrolló a lo largo de seis décadas de trabajo, muchos de ellos no realizados.
La conflictiva maqueta ha viajado a Barcelona con otros 214 objetos: dibujos, fotografías, cuadernos de viaje, pinturas, esculturas, muebles, maquetas, sus incontables planos —muchos de ellos nunca expuestos— y los multicolores croquis a mano alzada que realizaba en rollos de papel durante las conferencias que realizaba por medio mundo, en las que intentaba convencer al público de la validez de sus planteamientos. Un papel que luego se llevaba a casa y que por eso se puede exponer ahora.
La exposición repasa la trayectoria de esta figura clave, influyente y polémica de la arquitectura del siglo XX, donde queda patente que también fue urbanista, pintor, diseñador de interiores, escritor, fotógrafo y aficionado al cine.
Le Corbusier trabajó en toda su vida en unos 400 proyectos arquitectónicos, construyó 75 edificios en una docena de países, en todos los continentes excepto Oceanía, y publicó unos 40 libros. Muchos de ellos han quedado como manifiestos arquitectónicos.
Comisariada por uno de los máximos especialista en el arquitecto, Jean-Louis Cohen, la muestra es un viaje que recorre los lugares donde vivió, en los que dibujó, diseñó o llegó a construir: desde las montañas suizas del Jura donde nació, hasta India, pasando por Río de Janeiro, Moscú, Nueva York, París, Barcelona, Argelia y otras orillas del mar Mediterráneo, como la Costa Azul donde murió en 1965.
Está representado el primer trazo de su teoría de “la ley del meandro”, que descubrió en uno de sus múltiples vuelos sobre Brasil; los dibujos realizados en Chicago donde habló de la ciudad-jardín vertical que 10 años más tarde levantó en Marsella y alguna de sus propuestas más radicales, como la de arrasar París. Bueno, solo sus viviendas, sobre las que construiría rascacielos de cristal que dialogaban con los monumentos, los únicos que dan personalidad a la ciudad.
También se detiene la exposición en sus planes para Barcelona. Se expone el enorme diorama, un gouache en papel, conservado en el Colegio de Arquitectos de Cataluña que realizó en 1933, dentro del llamado Plan Macià y en el que, una vez más, pensaba cargarse parte de la ciudad antigua. Impresionante. “Estos proyectos son cuestionables, pero lo que permanece después de los años es la actitud. La actitud de hablar del mundo desde la arquitectura”, explicó el comisario.
También se puede ver el proyecto Una casa, un árbol que realizó para la ciudad de Barcelona, tras recibir las críticas de otro arquitecto, Josep Lluís Sert de no entender la idiosincrasia barcelonesa. Según dibujó, el arquitecto pensó en manzanas de 400 por 400 metros en la que se establecía una relación íntima entre los bloques de viviendas, las avenidas arboladas y las plazoletas que conformaban las manzanas.
Al final de su carrera consiguió muchos de sus objetivos, como construir cuatro unidades habitacionales en Francia y otra en Berlín, también su único edificio en Estados Unidos, en la Universidad de Harvard, tras el fracaso que representó el que la autoría del nuevo edificio de la Organización de las Naciones Unidas de Nueva York se atribuyera solo a Oscar Niemeyer y se negara su participación —pese a su esfuerzo por demostrar con collages y fotografías lo contrario—. Una de cal y otra de arena. En 1950 consiguió el proyecto de concebir una ciudad entera cuando le propusieron levantar Chandigarth, la nueva capital del estado del Panyab, al norte de la India; una ciudad que ha acabado convertida en el paradigma de de la nueva poética del hormigón visto.De este momento es también su construcción más famosa: la capilla de Notre Dame du Haut en Ronchamp, Francia, donde consiguió la comunión entre el edificio y su paisaje.
Durante el recorrido se pueden ver las fotografías del británico Richard Pare que durante dos años ha revisitado la obra construida por Le Corbusier en todo el mundo, viendo su actual estado y uso, dando a conocer una nueva visión de todos ellos, su encaje con el entorno y las vistas del paisaje que enmarca el edificio.
La exposición en Caixaforum reproduce, como si fuera un Ikea vintage, y a tamaño original, cuatro estancias creadas por Le Corbusier, con el mobiliario original, alguno creados por él mismo, como un vetusto escritorio realizado para su madre Maria Carlota en 1915. Desde una de las estancias que creara para sus padres en la Maison Blanche; un pabellón para la Villa Church, en Ville d’Avray; la unidad de habitación de Marsella y su última cabaña de Roquebrune-Cap-Martin, situada junto a la Costa Azul, donde pasó los últimos años de su vida. Un espacio mínimo realizado en madera: las paredes, techos, suelo y los austeros muebles, en los que el paisaje, por fin, parece tomar el interior del edificio.
La conflictiva maqueta ha viajado a Barcelona con otros 214 objetos: dibujos, fotografías, cuadernos de viaje, pinturas, esculturas, muebles, maquetas, sus incontables planos —muchos de ellos nunca expuestos— y los multicolores croquis a mano alzada que realizaba en rollos de papel durante las conferencias que realizaba por medio mundo, en las que intentaba convencer al público de la validez de sus planteamientos. Un papel que luego se llevaba a casa y que por eso se puede exponer ahora.
La exposición repasa la trayectoria de esta figura clave, influyente y polémica de la arquitectura del siglo XX, donde queda patente que también fue urbanista, pintor, diseñador de interiores, escritor, fotógrafo y aficionado al cine.
Le Corbusier trabajó en toda su vida en unos 400 proyectos arquitectónicos, construyó 75 edificios en una docena de países, en todos los continentes excepto Oceanía, y publicó unos 40 libros. Muchos de ellos han quedado como manifiestos arquitectónicos.
Comisariada por uno de los máximos especialista en el arquitecto, Jean-Louis Cohen, la muestra es un viaje que recorre los lugares donde vivió, en los que dibujó, diseñó o llegó a construir: desde las montañas suizas del Jura donde nació, hasta India, pasando por Río de Janeiro, Moscú, Nueva York, París, Barcelona, Argelia y otras orillas del mar Mediterráneo, como la Costa Azul donde murió en 1965.
Está representado el primer trazo de su teoría de “la ley del meandro”, que descubrió en uno de sus múltiples vuelos sobre Brasil; los dibujos realizados en Chicago donde habló de la ciudad-jardín vertical que 10 años más tarde levantó en Marsella y alguna de sus propuestas más radicales, como la de arrasar París. Bueno, solo sus viviendas, sobre las que construiría rascacielos de cristal que dialogaban con los monumentos, los únicos que dan personalidad a la ciudad.
También se detiene la exposición en sus planes para Barcelona. Se expone el enorme diorama, un gouache en papel, conservado en el Colegio de Arquitectos de Cataluña que realizó en 1933, dentro del llamado Plan Macià y en el que, una vez más, pensaba cargarse parte de la ciudad antigua. Impresionante. “Estos proyectos son cuestionables, pero lo que permanece después de los años es la actitud. La actitud de hablar del mundo desde la arquitectura”, explicó el comisario.
También se puede ver el proyecto Una casa, un árbol que realizó para la ciudad de Barcelona, tras recibir las críticas de otro arquitecto, Josep Lluís Sert de no entender la idiosincrasia barcelonesa. Según dibujó, el arquitecto pensó en manzanas de 400 por 400 metros en la que se establecía una relación íntima entre los bloques de viviendas, las avenidas arboladas y las plazoletas que conformaban las manzanas.
Al final de su carrera consiguió muchos de sus objetivos, como construir cuatro unidades habitacionales en Francia y otra en Berlín, también su único edificio en Estados Unidos, en la Universidad de Harvard, tras el fracaso que representó el que la autoría del nuevo edificio de la Organización de las Naciones Unidas de Nueva York se atribuyera solo a Oscar Niemeyer y se negara su participación —pese a su esfuerzo por demostrar con collages y fotografías lo contrario—. Una de cal y otra de arena. En 1950 consiguió el proyecto de concebir una ciudad entera cuando le propusieron levantar Chandigarth, la nueva capital del estado del Panyab, al norte de la India; una ciudad que ha acabado convertida en el paradigma de de la nueva poética del hormigón visto.De este momento es también su construcción más famosa: la capilla de Notre Dame du Haut en Ronchamp, Francia, donde consiguió la comunión entre el edificio y su paisaje.
Durante el recorrido se pueden ver las fotografías del británico Richard Pare que durante dos años ha revisitado la obra construida por Le Corbusier en todo el mundo, viendo su actual estado y uso, dando a conocer una nueva visión de todos ellos, su encaje con el entorno y las vistas del paisaje que enmarca el edificio.
La exposición en Caixaforum reproduce, como si fuera un Ikea vintage, y a tamaño original, cuatro estancias creadas por Le Corbusier, con el mobiliario original, alguno creados por él mismo, como un vetusto escritorio realizado para su madre Maria Carlota en 1915. Desde una de las estancias que creara para sus padres en la Maison Blanche; un pabellón para la Villa Church, en Ville d’Avray; la unidad de habitación de Marsella y su última cabaña de Roquebrune-Cap-Martin, situada junto a la Costa Azul, donde pasó los últimos años de su vida. Un espacio mínimo realizado en madera: las paredes, techos, suelo y los austeros muebles, en los que el paisaje, por fin, parece tomar el interior del edificio.
Vía CaixaForum.
Conferencia inaugural: "Le Corbusier"
Jean Louis Cohen, comisario de la exposición.
Miércoles 29 de enero de 2014, 19:00 horas
Ciclo de conferencias.
Coordinación del ciclo a cargo de Marta Llorente, profesora titular de Teoría de la Arquitectura, Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona, Universidad Politècnica de Catalunya
Miércoles 12 de febrero | 19.30 h
Otro Le Corbusier
Juan Calatrava Escobar, catedrático de Historia del Arte, Universidad de Granada
Miércoles 19 de febrero | 19.30 h
Modos de habitar
M. Teresa Muñoz, profesora titular de Proyectos Arquitectónicos, ETSAM
Miércoles 26 de febrero | 19.30 h
“Les techniques modernes”
Jorge Torres Cueco, catedrático de Proyectos Arquitectónicos, UPV
Miércoles 5 de marzo | 19.30 h
Ciudades y paisajes
Xavier Monteys, catedrático de Proyectos Arquitectónicos, UPC
Miércoles 12 de marzo | 19.30 h
Medir y escuchar: el Modulor, diapasón del universo
Marta Llorente, profesora titular de Teoría de la Arquitectura de la ETSAB, UPC
Miércoles 19 de marzo | 19.30 h
Le Corbusier: se puede evitar la revolución
Juan José Lahuerta, profesor titular de Historia de la Arquitectura de la ETSAB, UPC
Miércoles 26 de marzo | 19.30 h
Mesa redonda
Una encrucijada para la arquitectura de hoy: cuatro generaciones hablan de los caminos abiertos por Le Corbusier
Ponentes: Rafael de Cáceres, Antón Salvadó, Victoria Garriga y Ricard Gratacós
Modera: Marta Llorente
18.9.13
Depero y la reconstrucción futurista del universo, exposición en La Pedrera, Barcelona, 17 de septiembre de 2013 al 12 de enero de 2014.
© StudyBlue.Vía La Pedrera / Biblioteca ETSAB / Pamela Valdivia.
A partir del 17 de septiembre. Exposición dedicada a uno de los artistas más destacados del futurismo italiano.
Pintor, escultor, escenógrafo, arquitecto, escritor y diseñador gráfico, Fortunato Depero (Fondo, 1892 – Rovereto, 1960) es uno de los artistas más destacados del futurismo italiano, movimiento al que se afilió en 1915 y se mantuvo fiel el resto de su vida.
La exposición Depero y la reconstrucción futurista del universo, organizada en colaboración con el Museo di Arte Moderna e Contemporanea di Trento e Rovereto –institución que conserva el legado del artista–, abarca cronológicamente veinte años de su dilatada carrera, desde la fundación del movimiento futurista en 1909 hasta 1930, cuando Depero volvió a Italia tras una estancia de dos años en Nueva York, la metrópoli futurista por excelencia.
«Nosotros, los futuristas, adoramos las centrales eléctricas, las estaciones ferroviarias, los hangares, los acorazados, los gigantescos transatlánticos, las fábricas en su diabólica agitación productiva, los multiplanos voladores y los lujosos trenes bala. A semejanza de estas maravillas reconstruiremos el universo: Motocicletas-Vacas, Caballos-Bicicletas de acero, Soles artificiales, Árboles coloreados de cemento y metal; Flora mecánica sorpresiva – Nubes publicitarias domadas mediante registros exactos – Tormentas teatrales en el espacio.»
F. Depero, Una geniale rassegna di idee di Depero, 1926
Fortunato Depero
Fortunato Depero nace el 30 de marzo de 1892 en Fondo, una pequeña localidad de la provincia de Trento, que a la sazón formaba parte del imperio austrohúngaro. Poco después, la familia se muda a Rovereto, donde Fortunato pasará toda su infancia e iniciará sus estudios en la Scuola Reale Elisabettina, un instituto de artes aplicadas que imparte un avanzado programa pedagógico basado en un principio interdisciplinar de las artes.
En 1913 se traslada a Roma, donde conoce a Filippo Tommaso Marinetti y entra en contacto con los pintores futuristas. A finales de año visita la exposición de Umberto Boccioni en la Galleria Sprovieri, que influye decisivamente en su trabajo. La investigación de Depero deriva, a partir de ese momento, hacia las líneas-fuerza de Boccioni. El año siguiente, sin embargo, el encuentro con Giacomo Balla hará que se distancie de la estética boccioniana para acercarse al estilo de Balla, con quien tiene una gran afinidad en materia plástica y conceptual.
La reconstrucción futurista del universo
En marzo de 1915 se publica el manifiesto Ricostruzione futurista dell’universo, firmado por Balla y Depero.
Ambos autores se proponen romper definitivamente con la compartimentación habitual de las disciplinas artísticas para alcanzar el carácter de totalidad de la intervención creativa futurista en todos los ámbitos de la realidad cotidiana: del arte al interiorismo, de la arquitectura al diseño, de la cocina a la literatura, de la publicidad a la moda y de la poesía al teatro, con la voluntad de que cada instante de la vida del hombre moderno encuentre una respuesta en los cánones estéticos del futurismo. El programa futurista de «reconstrucción del universo», que supone una radicalización del binomio arte/vida, adquirirá plena consistencia a lo largo de los años veinte y treinta.
La Casa d'Arte futurista
En 1919 Depero decide regresar a Rovereto, una ciudad duramente castigada por la guerra, con la idea de fundar su Casa d’Arte, un centro de artesanía artística para la creación seriada e industrial de mobiliario, tejidos, objetos y decoraciones de interior, además de carteles, publicidad en general y todos aquellos elementos enunciados en el manifiesto Ricostruzione futurista dell’universo unos años antes.
La Casa d’Arte Depero fue la más activa de las creadas por los futuristas, y la que produjo elementos decorativos y diseños de mayor calidad.
Depero en Nueva York
En septiembre de 1928 Depero viaja a Nueva York, donde permanecerá un par de años, una estancia que es vital en la evolución de su obra, ya que la ciudad—la metrópoli futurista por excelencia— ejerce de inmediato un potente estímulo para su fantasía.
Con la intención de introducir sus productos en el mercado norteamericano, abre la Depero’s Futuristic House, una filial de su Casa d’Arte Futurista de Rovereto.
Sin embargo, su proyecto tropieza con los gustos imperantes en esos momentos en Nueva York, y su actividad se acaba reduciendo al diseño gráfico publicitario y la escenografía.
Desilusionado, y con graves problemas económicos, en octubre de 1930 regresa a Italia, a Rovereto, donde continuará desarrollando su labor artística, siempre fiel a los postulados futuristas.
EXPOSICIÓN
Del 17 de septiembre de 2013 al 12 de enero de 2014
Cerrado: 25 y 26 de diciembre de 2013 / 1 y 6 de enero de 2014
Sala de exposiciones La Pedrera
Paseo de Gracia, 92. Barcelona
De lunes a domingo, de 10 a 20 h
Último acceso, a las 19.30 h
24.7.13
Medicina doméstica de la Infancia, de Wenceslao Hidalgo, una obra chilena precursora sobre la cultura del cuerpo, 1877
© Dibam.El libro "Medicina Doméstica de la Infancia" escrito por el médico Wenceslao Hidalgo en 1877 (con una segunda edición de 1885) fue precursor en la concientización de hábitos domésticos orientados por el saber médico. Su subtítulo aclara el fin de la publicación: "o sea "Consejos a las madres sobre el modo de criar, cuidar, educar y curar a sus hijos por sí mismas." Mediante esta publicación orientada a las madres, el Dr. Hidalgo pretendia formar una cultura científica en sus operaciones sobre el cuerpo en el hogar, y alejarlas de las prácticas derivadas de la cultura popular.
Como indica en la portada, la obra fue premiada en Certámen Literario Científico del 17 de septiembre de 1877, pero además obtuvo una medalla de plata en la Exposición Universal de Barcelona en 1888.
17.4.13
Ventura Rodríguez Tizón y el Real Colegio de Cirugía de Barcelona, 1761-1764, por Claudio Galeno Ibaceta
Vía Diagonal.
Al indagar sobre los espacios que evidencian relaciones entre arquitectura y cuerpo humano, emergen algunas construcciones dedicadas explícitamente al saber del cuerpo, las cuales constituyeron e integraron parte de escenas del conocimiento anatómico desarrolladas en torno a la práctica de la disección: los teatros anatómicos.
Esos espacios, que en un principio fueron transitorios y luego fueron construcciones permanentes, fueron de gran relevancia a partir del siglo XVI, donde destaca el influyente y precursor teatro de la Universidad de Padua, de 1593. Esa configuración espacial se extendió en los ámbitos de las escuelas de cirugía hasta finales del siglo XVIII, cuando perdieron vigencia debido a la transición hacia la clínica. En ese periodo y previamente a esa crisis del teatro anatómico, sobresale el de la Escuela de Cirugía de París, realizado entre 1769 y 1775, y también contribuye a esta taxonomía del teatro anatómico el singular Real Colegio de Cirugía de Barcelona, realizado gracias a la gestión del cirujano Pere Virgili, que conformó una escena del saber del cuerpo con una notable e innovadora arquitectura acorde a las nuevas reflexiones teóricas de su época.
El edificio de Barcelona, actualmente sede de la Real Academia de Medicina de Cataluña, fue proyectado en 1761 por Ventura Rodríguez Tizón, arquitecto de gran trayectoria. Como ha indicado Jovellanos, Rodríguez habría nacido en la época de mayor decadencia del país, en 1717, lo que habría marcado su destino. En 1731, a los catorce años, fue empleado como delineador en las reales obras de Aranjuez, donde se familiarizó con el trabajo de Juan de Herrera, artífice de lo que se ha definido como estilo herreriano, caracterizado por su sobriedad y monumentalidad entre finales del siglo XVI y durante el siglo XVIII. En 1741 fue nombrado primer aparejador del Real Palacio, y en 1744 Felipe V incorporó a Rodríguez como maestro de arquitectura de una nueva academia de bellas artes, la Junta Preparatoria. Fue nombrado primer director de Arquitectura en 1752, cuando en el reinado de Fernando VI se estableció, de modo definitivo, la Real Academia de las Tres Nobles Artes de San Fernando.
Ver texto completo en revista Diagonal.
Al indagar sobre los espacios que evidencian relaciones entre arquitectura y cuerpo humano, emergen algunas construcciones dedicadas explícitamente al saber del cuerpo, las cuales constituyeron e integraron parte de escenas del conocimiento anatómico desarrolladas en torno a la práctica de la disección: los teatros anatómicos.
Esos espacios, que en un principio fueron transitorios y luego fueron construcciones permanentes, fueron de gran relevancia a partir del siglo XVI, donde destaca el influyente y precursor teatro de la Universidad de Padua, de 1593. Esa configuración espacial se extendió en los ámbitos de las escuelas de cirugía hasta finales del siglo XVIII, cuando perdieron vigencia debido a la transición hacia la clínica. En ese periodo y previamente a esa crisis del teatro anatómico, sobresale el de la Escuela de Cirugía de París, realizado entre 1769 y 1775, y también contribuye a esta taxonomía del teatro anatómico el singular Real Colegio de Cirugía de Barcelona, realizado gracias a la gestión del cirujano Pere Virgili, que conformó una escena del saber del cuerpo con una notable e innovadora arquitectura acorde a las nuevas reflexiones teóricas de su época.
El edificio de Barcelona, actualmente sede de la Real Academia de Medicina de Cataluña, fue proyectado en 1761 por Ventura Rodríguez Tizón, arquitecto de gran trayectoria. Como ha indicado Jovellanos, Rodríguez habría nacido en la época de mayor decadencia del país, en 1717, lo que habría marcado su destino. En 1731, a los catorce años, fue empleado como delineador en las reales obras de Aranjuez, donde se familiarizó con el trabajo de Juan de Herrera, artífice de lo que se ha definido como estilo herreriano, caracterizado por su sobriedad y monumentalidad entre finales del siglo XVI y durante el siglo XVIII. En 1741 fue nombrado primer aparejador del Real Palacio, y en 1744 Felipe V incorporó a Rodríguez como maestro de arquitectura de una nueva academia de bellas artes, la Junta Preparatoria. Fue nombrado primer director de Arquitectura en 1752, cuando en el reinado de Fernando VI se estableció, de modo definitivo, la Real Academia de las Tres Nobles Artes de San Fernando.
Ver texto completo en revista Diagonal.
26.2.13
4.3.12
Inaugurada la vivienda-museo 1/11 de la Casa Bloc del GATCPAC en Barcelona.
© HASXX (Historia de la Arquitectura del Siglo XX).Vía The Sunday Newsletter de Paty Nuñez Agency.
Inauguración: El DHUB abrió las puertas del departamento-museo de la Casa Bloc.
El Disseny Hub Barcelona en conjunto con el INCASOL a dado término a la rehabilitación de la vivienda 1/11, el departamento-museo de la Casa Bloc (1932-1939). El edificio fue construido durante la Segunda República por el GATCPAC.
Después de un proceso de investigación y documentación, este proyecto museográfico nace con el objetivo de devolverle el aspecto original que habia perdido con el tiempo y abrirlo al público para explicar lo que significó para la arquitectura y la sociedad de aquella época.
Vía Disseny Hub Barcelona.
Vivienda 1/11 de la Casa Bloc
El año 1933 se puso la primera piedra de la Casa Bloc, un edificio de de viviendas impulsado por la Generalitat de Catalunya con el objetivo de alojar los obreros más necesitados con una arquitectura de calidad, adecuada a los nuevos tiempos y a las necesidades básicas de las personas. Construida durante la Segunda República en Barcelona por los arquitectos Josep Lluís Sert, Josep Torres Clavé y Joan Baptista Subirana, la Casa Bloc se construyó debajo el ideario del GATCPAC (Grupo de Artistas y Técnicos Catalanes por el Progreso de la Arquitectura Contemporánea).
Ahora se ha recuperado una de sus viviendas a fin de devolverle el aspecto original. La visita guiada a esta vivienda 1/11 permite explicar las innovaciones que la casa blanca supuso para la arquitectura y la sociedad de su tiempo.
Sitio: DHUB – Casa Bloc
C. de l’Almirall Pròixida, 1 (esquina con el paseo. de Torras i Bages)
Duración: 1 h 30 min
Precio: 3 € por alumno/a
Reservas: Consulta Información y reserva
7.2.12
Falleció el artista catalán Antoni Tàpies
Vía La Vanguardia.
Tàpies, la ética de la pintura
El artista catalán fallece a los 88 años en su domicilio de Barcelona | La vida del pintor catalán se había ido apagando lentamente en los últimos meses
Es muy importante compensar el dolor con el amor. Y ese equilibrio te hace ver la vida con optimismo", decía Antoni Tàpies hace unos meses, cuando ya encaraba la muerte real que tantas veces exorcizó en su pintura. Tàpies, el artista catalán más universal, que después del desierto del franquismo recuperó el espíritu de las vanguardias, murió ayer en su domicilio barcelonés y la noticia conmocionó al mundo del arte, porque la familia había mantenido con discreción la serie de enfermedades que habían minado el cuerpo del artista de 88 años. Su mujer, Teresa Barba, quiso ocultar la noticia de la muerte para asegurarse una despedida íntima, pero a última de la tarde ya vio que era imposible. El último adiós se realizará este mediodía en estricta intimidad y sin capilla ardiente.
Tàpies había acentuado su geografía del dolor, a medida que una maculopatía le iba dejando con la visión borrosa y aumentaban sus dificultades de audición y su movilidad. Pero su asombrosa energía le llevaban a bajar cada verano al taller de Campins, en el Montseny.
Tàpies procedía de una familia de políticos catalanistas, con tradición librera que explican su pasión por la bibliofilia. Estudiante de Derecho, abandonó la carrera para dedicarse a la pintura gracias al impacto que le produjo el número de la revista D'Ací i d'allà de 1934. Al principio, su pintura era realista, con retratos de sus amigos y de su familia, de los que más tarde renegó. Después, tras entablar amistad con Joan Brossa, Joan Ponç, Modest Cuixart, Arnau Puig y Cirlot, editaron una revista en la imprenta que tenía Tharrats, Dau al Set, que revolucionó el panorama artístico de la posguerra. Con Joan Miró como referente, los artistas de Dau al Set reconstruyeron los puentes perdidos con las primera vanguardias, con una estética surrealista o de realismo mágico. En algunos de sus dibujos, Tàpies resumía ya buena parte del mundo sígnico, su afición por el esoterismo, el mundo onírico, el simbolismo, sus autorretratos metáforas del cuerpo desmembrado. la afición por el jazz y la música contemporánea, su fervor por Klee, Ernst o Poe. Más tarde, Tàpies, tras una beca de estudios en París, dio un vuelco a su pintura para ensayar el informalismo matérico.
La tisis que contrajo a los 18 años y la convalecencia en el sanatorio de Puig d'Olena fueron vitales para su formación. Sus lecturas de Dostoyevski, sus audiciones de Wagner o el descubrimiento de la filosofía zen por medio de El libro del té, le ayudaron a encontrar vías de superación del dolor. Otro acontecimiento que tuvo gran importancia para él fue el lanzamiento de la bomba atómica. La materia, el átomo, el polvo, el uso de materiales ajenos a los tradicionales se integraron en su pintura. La preocupación por el desarrollo de nuevas formas de expresividad siempre han ido acompañadas en Tàpies de su preocupación social por lo que sucedía en el mundo, por incluir la vida en su obra y del compromiso ético con Catalunya y la democracia.
La mirada del artista catalán era de largo alcance. Su arte combinatorio llegaba a Ramon Llull, al misticismo de todas las religiones, y de ahí tendía un doble puente hacia las filosofías budistas o hindúes, de India, por una parte, y los hallazgos de la ciencia contemporánea, de los que estaba al día. Quería conciliar contrarios. La cruz o el aspa marca esta tensión entre materia y espíritu, al mismo tiempo que recrea la inicial del apellido del artista o, tal vez, es un signo que llama la atención del espectador. Sus signos son polivalentes y dejan siempre un misterio que resolver. Sus materiales son humildes, paja, calcetines, mantas, útiles a la gente, y su escritura de las tapias acerca el cuadro a la calle. "En mi pintura he hecho muchas sillas, pero nunca he repetido una sola". "El arte es una fuente de conocimiento, como la ciencia, la filosofía. Si las formas no son capaces de herir a la sociedad que las recibe, de irritarla, de inclinarla a la meditación, si no son un revulsivo, no son una obra de arte", sostenía. Desde su primera exposición en 1948, la obra de Tàpies ha estado presente en los principales museos del mundo. Es el artista español contemporáneo más representado en el MoMA y su obra escultórica está presente en los espacios públicos de varias ciudades. En Barcelona, Núvol i cadira corona la fachada de la fundación que donó a la ciudad.
3.6.11
6th Conference of the International Forum on Urbanism (IFoU) - TOURBANISM
TOURbanISM-toURBANISM is the title of the 6th Conference of the International Forum on Urbanism that will take place from January 25th to 27th, 2012, at the Catalonian Politechnic University (UPC) in Barcelona.
The Barcelona School of Architecture (ETSAB) and the Department of Urbanism and Regional Planning (DUOT) in collaboration with the Municipality of Barcelona, the Provincial Government of Barcelona, Casa Asia and the other participating universities of the IFoU network will organize the conference within the framework of the International Forum on Urbanism (IFoU).
Subject
Tourism is one of the leading global economic activities. According to the 2009 Edition of the “International Tourism Overview”, published by the United Nations World Tourism Organization (UNWTO), its direct contribution to the global economy is estimated in 5%, ranging from 2% in the most developed countries to 10% in those that strongly rely on this sector. In 2008 global revenues generated by tourism, including transport of passengers, were about 3.000 million dollars, and its contribution to employment is estimated around 7% of the working population.
The amount of tourists has grown continuously since the middle of last century, from 25 million in 1950 to 922 in 2008. For 2020 the UNWTO foresees that the number of tourists will reach 1.600 million. Despite the changing trends that occurred from the second half of 2008 to the date, due to the global economic crisis (financial crisis, rising oil and raw materials prices, and sharp fluctuations in exchange rates) the sector growth has not ceased. In 2010 the UNWTO estimates a 4% increase in the number of tourists.
Over the last fifty years the global economy experienced several serious crisis and tourism has always proved to be a very strong economic sector. The current crisis has not significantly affected tourism. Consequently it has become the economic hope of many countries affected by the decline of economies based on raw materials or small profit industrial activities.
The map of the main tourism destinations has remained quite stable for many years. Europe is the largest and most mature destination in the world. 53% of tourists and 50% of revenues concentrate in this continent. The U.S. market (15.9% of tourists and 19.9% of revenues in 2008), that remains stable thanks to the domestic market, has been overtaken by Asia (20% of arrivals and 21,8% of revenues), that appears as an emerging area. Africa and Middle East are the two destinations with highest growth rates, although their absolute weight is relatively small.
Over the years tourism becomes a major engine that has transformed cities and territories, and an economic and social development bid for several countries. The aim of the 6th International Forum on Urbanism -IFoU- Conference is to reflect on tourism and especially on the changing processes as well as the instruments, plans, projects and strategies that arise in relation to it.
Aims
The conference aims to generate an exchange between the academic and the professional debate, to investigate opportunities and risks for the sustainable touristical development and to discuss visions, concepts and best practices. In this framework causes, reasons and dependencies of worldwide transformation processes will be analyzed and planning strategies and design concepts for a more sustainable development of tourism will be explored.
Target Groups
During the conference, scientific results, as well as design concepts and technical solutions will be presented; theoretical approaches will be discussed as well as professional experiences and best practices. With this in mind, the target group would include a range of different backgrounds: architects and urban planners; policy makers, students and researchers from different disciplines; managers and politicians, all of whom are involved in or interested in design, planning and the management of touristic developments.
Call for papers
Papers are invited for submission under the following sub-themes:
Tourism: Evolution and recent trends
A. From tourism as a social conquest to new types of tourism
B. World tourism trends (categories, destinations...)
Evaluation of "mature" tourist destinations
C. Impacts of tourism development
D. The recycling of the tourist areas
Potential of post-industrial territories
E. The recycling of historical tourism
F. The new holiday tourism. Tourism and economic development
Towards a new paradigm
G. Cultural tourism in "weak institutional contexts"
H. Responsible Tourism
I. Architecture, urbanism and tourism
Más información aquí.
4.1.11
¿Cómo pudimos equivocarnos tanto?
© EFEVía El País
TRIBUNA: REGRESO A LA SAGRADA FAMILIA... Y 'MEA CULPA' OSCAR TUSQUETS BLANCA
El autor del artículo, arquitecto, pintor y diseñador, instigó un manifiesto en los sesenta contra la continuación de las obras de la Sagrada Familia. Pero tras una reciente visita al templo, revisa su oposición a los trabajos recién terminados.
OSCAR TUSQUETS BLANCA 04/01/2011
A principio de los sesenta, aún en la universidad, fui uno de los instigadores de un manifiesto abiertamente contrario a la continuación del templo de la Sagrada Familia que contó con el apoyo incondicional de toda la intelligentsia de la época, de Bruno Zevi a Julio Carlo Argan, de Alvar Aalto a Le Corbusier. Aunque tras su publicación la reacción fue contundente y las obras en vez de detenerse cobraron nuevos bríos, continuamos convencidos de que constituían un error monumental.
Ahora, tras la consagración papal del templo, me he replanteado la cuestión. Mis dudas comenzaron cuando veía levantar la majestuosa nave central. Mi rechazo se tambaleó algo más cuando Alfons Soldevila -excelente arquitecto de avanzado leguaje tecnológico- me aseguró que si conociese profundamente la obra cambiaría de opinión, que era el edificio más importante del siglo XX y que estaba dispuesto a demostrármelo. Invitación que he aceptado para escribir estas líneas con conocimiento de causa. He visitado el templo de abajo a arriba (más de 60 metros de altura) con Alfons y Josep Gómez Serrano -uno de los arquitectos directores de su estructura- y he quedado anonadado.
Cierto es que en las partes que Gaudí dejó sin definir se presentan dos problemas graves: uno es que los continuadores -aunque con encomiable entusiasmo han llevado la obra adelante acertando en lo fundamental- no han tenido ni el talento de Jujol para interpretar a Gaudí en lenguaje gaudiniano ni el talento de Scarpa o de Albini para dialogar con él en un lenguaje personal, lo que provoca que casi todos los detalles no definidos por el Maestro choquen. Barandillas de inox y vidrio, spots luminosos, pavimentos, claves de bóveda, vidrieras y, en general, todos los elementos decorativos, no están a la altura del conjunto. Verdad es que estos acabados no consiguen desvirtuar la inmensa calidad del monumento y que son relativamente fáciles de sustituir en un deseable futuro. El segundo y más grave problema es la dificultad de encontrar artistas contemporáneos capaces de llevar adelante los proyectos figurativos del Maestro. En las fachadas, Gaudí pretendía, como en las catedrales medievales, explicar en imágenes la Historia Sagrada. Ya a principios del XX esto no era fácil pero el genio de Gaudí lo solventó, rozando el kitsch, en la Fachada del Nacimiento con estos muros que se arrugan formando figuras, muchas de ellas obtenidas sacando moldes de personas y animales reales (George Segal medio siglo antes). El penoso resultado escultórico de la Fachada de la Pasión revela la dificultad de proseguir esta andadura. Queda por levantar la fachada principal, la de la Gloria. Encontrar en el mundo un artista contemporáneo capaz de afrontarla es un desafío tremendo. La figuración está en un momento difícil, la de contenido religioso mucho más, y la capaz de transmitir la Gloria de la Resurrección, extinta. El arte contemporáneo ha dado muchas crucifixiones pero ninguna resurrección notable.
Pero vayamos a lo fundamental: la objeción de más peso contra la continuación del Templo siempre ha sido que no sabíamos cómo lo habría hecho Gaudí, un arquitecto que improvisaba en obra, que sus planos y maquetas habían sido destruidos al inicio de la Guerra Civil, y que cualquier interpretación constituiría inevitablemente una traición al artista. Esto es una verdad a medias. Gaudí dibujó e hizo maquetas de tres proyectos sucesivos al inicio de la construcción. El primero, al que corresponde la Fachada del Nacimiento y su cubista cara interior, es aún respetuoso con el lenguaje gótico. El segundo es mucho más orgánico. El tercero es absolutamente original, innovador, deslumbrante. De este tercer proyecto, que él consideraba definitivo aunque no lo pudiese ver completado en vida, hizo una maqueta a escala 1/10 por cuyo interior podías pasear. Es cierto que esta maqueta fue hecha añicos, pero existen excelentes fotografías y ha podido reproducirse con muchísima precisión. La fidelidad de esta reconstrucción se ha visto favorecida porque, a pesar de su apariencia aleatoria, esta obra se basa en estrictas geometrías. Parece ser que Gaudí, escarmentado por los problemas que había tenido en la fachada de La Pedrera, decidió recurrir a una rigurosa estructura geométrica en el Templo. Son geometrías complejas -paraboloides hiperbólicos, hiperboloides, polígonos regulares que giran en espiral en ambos sentidos formando los fustes de las columnas...- pero que, una vez definidas, no aceptan interpretaciones, se pueden reconstruir a escala 1/10 o diez veces mayores. Esto es lo que se ha hecho en la nave hoy prácticamente acabada. Si la arquitectura es ante todo espacio y luz, el interior de este templo es Arquitectura en mayúscula, emocionante y grandiosa Arquitectura frente a la cual las excentricidades de hoy parecen verdaderos juegos de niños.
Volvamos al origen. ¿Cómo pudimos equivocarnos tanto? Si hace 50 años se nos hubiese hecho caso, esta maravilla no existiría. Habría permanecido como una ruina o la hubiera terminado un arquitecto de moda en aquellos años ¿Cuánta gente la visitaría? Este templo no ha tenido nunca apoyo económico de las instituciones, vive de los donativos de los que la visitan, más de dos millones al año, más de 25 millones de euros. Se está financiando como una catedral medieval. De esta forma se terminará, no sé si la mejor obra del pasado siglo... pero sí el mejor edificio religioso de los últimos tres.
27.12.10
John Hejduk, "Casa para un poeta" en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona, 2000
El año 2000 murió el arquitecto norteamericano John Hejduk, en aquel mismo año en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona instalaron un modelo escala 1:3 de una de sus propuestas arquitectónica que exploraban el sintaxis del diseño. El modelo expuesto en el espacio de acceso a la Escuela, era parte de un exhibición derivada de un workshop realizado por Flores & Prats en el master Arquitectura, Crítica y Proyecto de la Escuela de Arquitectura del Vallés en 1999. Para el ejercicio del taller, el mismo John Hejduk había propuesto que el tema fuese construír un modelo a escala de la "House for a poet" o Casa para un poeta, su diseño para el proyecto no construido denominado Casa Guardiola, para Cadiz, de 1989.
Como se indica en la web (Expo John Hejduk) que explica el ejercicio: "La decisión de construir un proyecto no edificado con el fin de tratar de construirlo en un modelo a escala 1:3, parece un metodo de especial interés como una manera de hacer frente a las decisiones sobre la forma de como construir algo: que es la forma más concreta de acercarse a la construcción de un edificio, y los problemas que un constructor tendrá que resolver."
Finalmente la obra fue instalada en diversos sitios, el ETSA del Vallés, de Barcelona, de Valencia y más tarde en el CCCB.
Era impresionante llegar al edificio de la ETSAB en avenida Diagonal, en octubre del 2000 y encontrarse con esta gran instalación o escultura arquitectónica efímera. Tenía el recuerdo de haber tomado una fotografía, pero en realidad había hecho un croquis.
Como se indica en la web (Expo John Hejduk) que explica el ejercicio: "La decisión de construir un proyecto no edificado con el fin de tratar de construirlo en un modelo a escala 1:3, parece un metodo de especial interés como una manera de hacer frente a las decisiones sobre la forma de como construir algo: que es la forma más concreta de acercarse a la construcción de un edificio, y los problemas que un constructor tendrá que resolver."
Finalmente la obra fue instalada en diversos sitios, el ETSA del Vallés, de Barcelona, de Valencia y más tarde en el CCCB.
Era impresionante llegar al edificio de la ETSAB en avenida Diagonal, en octubre del 2000 y encontrarse con esta gran instalación o escultura arquitectónica efímera. Tenía el recuerdo de haber tomado una fotografía, pero en realidad había hecho un croquis.
15.11.10
CHILE MIRA BARCELONA: 8 PROPUESTAS
Xile mira Barcelona, arquitectes catalans a Xile: 8 propostes
XVIII Bienal de Arquitectura de Chile
Primera intervención: 16 de noviembre de 2010 a las 11:00 horas en el Pabellón Mies van der Rohe en Barcelona.
XVIII Bienal de Arquitectura de Chile
Primera intervención: 16 de noviembre de 2010 a las 11:00 horas en el Pabellón Mies van der Rohe en Barcelona.
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