Una noticia antigua y una reciente sobre la Pinacoteca de Andrés Sabella

Vía El Mercurio de Antofagasta.

6 de marzo de 2014

Más de 80 obras se suman a la Pinacoteca Andrés Sabella



Más de 80 obras -entre esculturas y cuadros- pasarán a formar parte de la Pinacoteca Andrés Sabella. La mayoría de los trabajos fueron regalos por artistas nacionales e internacionales a la Corporación que lleva el nombre del escritor antofagastino.

El catálogo que reúne esta importante colección será lanzada hoy a las 19 horas en el Museo Andrés Sabella, ubicado en la Casa de la Cultura. Instancia en la que serán exhibidas parte de las pinturas y esculturas que llegan a completar este trabajo y que el público podrá disfrutar.

Sonia Buljan, una de las fundadoras del Museo, destacó la importancia de nueva incorporación de obras a la Pinacoteca Andrés Sabella

"Todos los años estamos recibiendo aportes de diferentes obras de distintos pintores, dibujantes, escultores, acuarelistas y grabadores que confían en nosotros y en el valor de este proyecto. La Pinacoteca Andrés Sabella debe ser un orgullo para Antofagasta porque es parte del legado que él dejo a la comunidad", enfatizó.

Este es el segundo catálogo lanzado por la Corporación Cultural Andrés Sabella que ya en 2011 entregó a la comunidad parte de este tesoro patrimonial.

"Son tantas las obras tenemos que fácilmente podríamos lanzar un tercer catálogo para que la gente siga disfrutando tanto de las obras de Andrés Sabella como de quienes nos aportan con sus trabajos", explicó Sonia Buljan.

La Corporación Cultural Andrés Sabella, fundada en un comienzo por amigos del poeta nortino en 1989, se ha convertido en una pieza fundamental en el desafío de preservar, de enriquecer y difundir el legado de Sabella.

En total son más de 170 las obras que componen la Pinacoteca Andrés Sabella. Entre ellas se pueden encontrar obras del poeta además de varios de sus objetos personales.

11 de octubre de 2017

La Pinacoteca Andrés Sabella exhibirá 20 de sus mejores obras



PINTURA. La selección de los trabajos que componen la muestra estuvo a cargo del artista visual antofagastino Marko Franasovic.

Hasta el próximo viernes 20 de octubre la Pinacoteca de Andrés Sabella (colección personal con obras de artistas como Chela Lira, Alejandro Galetovic, Santiago Nattino y Osvaldo Ventura López), exhibirá una selección de sus obras al público. Dicho trabajo curatorial estuvo a cargo del artista visual antofagastino Marko Franasovic Bojanovic.

En esta oportunidad fueron escogidas 20 obras de diversos artistas, muchos de ellos poco conocidos, para conformar esta muestra, las que se desprenden de una colección de 180 obras entre afiches, grabados, dibujos y pinturas que componen la Pinacoteca Andrés Sabella.

Siglo pasado

La administración de dicha colección está a cargo de la Corporación Cultural Andrés Sabella, fundada en 1989, quien ha sido pieza fundamental en el resguardo, preservación y enriquecimiento de este tesoro, patrimonio de todos los antofagastinos.

"Nosotros realizamos este tipo de muestras de forma periódica para que la gente tenga conciencia de cuán importante era la cultura del siglo pasado. Muchos de estos artistas fueron adelantados a su tiempo como si hubiesen estado viviendo ahora", enfatizó Mirtha de la Vega, actual presidenta de la Corporación Cultural Andrés Sabella.

Es Andrés Sabella, en su artículo "Pintura de Antofagasta" escrito para la revista AISTEHESIS el año 1975, quien da cuenta de un período fundacional en la plástica antofagastina. En un extenso texto, nos cuenta cómo "la pintura entró a Antofagasta, en la Caja de óleos de César Soto Moraga", nos hace transitar por las aventuras de un joven Salvador Reyes, del "Maestro Palma" Humberto Palma Díaz, pintor adicto al aire libre; nos informa acerca de cómo Osvaldo Ventura firmaba sus primeros cuadros como Jimeno Hidalgo. Se refiere con admiración a la misteriosa figura de la Chela Lira, primera Dama del Ancla el año 1954. Nos da detalles del matrimonio entre el arquitecto Carlos Contreras y su esposa Lola y nos habla del don de Waldo Valenzuela para "evidenciar los dramas del Hombre Americano y ahondar los de la tierra atacameña".

Conocemos a través de las palabras del vate de la "austeridad de oficio y apasionamiento" de Iván Lambergh. Otorga una mención especial a los pintores que han salido de la Universidad del Norte: Ronald Clunes, Jorge Flores, Max Véliz. El mejillonino Ramón Vergara Grez quien "combate, lúcidamente, por una pintura en que forma y espacio sean las esencias".

De prácticamente todos los artistas nombrados por el poeta en este tratado acerca de la pintura antofagastina, la Pinacoteca cuenta con algún testimonio de autor.

Resguardo

En la actualidad y luego de una década de arduo trabajo por parte de los miembros de la Corporación, las obras se encuentran catalogadas y resguardadas con gran celo. Lamentablemente no cuentan con un lugar que las acoja de modo exclusivo y que permita que se encuentren en exposición permanente. Aún así, aspiran a contar con el apoyo de las instituciones y la sociedad civil con el fin de tener un lugar que se erija como centro vivo de la cultura y del legado del poeta y que se transforme en punto de convergencia de compatriotas del resto del país y de extranjeros que visiten la ciudad.

En esta oportunidad es el artista visual antofagastino Marko Franasovic Bojanovic quien ha realizado un trabajo de revisión y selección de las obras con el fin de cruzar su mirada con la del vate, quien además fue un gran dibujante, y con quien los une un común y fecundo amor por el hombre y mujer de este territorio y una mirada honda a este paisaje duro, a las distancias secas, a la tierra desnuda, a los crepúsculos nortinos que de una generación a otra cruzan y cuyo legado se mantiene más vivo que nunca.

"Lo llamativo de esta exposición, investigando a los autores, es que fueron todos marginales. Me llamó la atención que hay muchos autores de Valparaíso y Concepción. Era gente que no estaba validada en la sociedad de Bellas Artes, por ejemplo. Eran artistas que solo pintaban por pintar. En Antofagasta también hay varios casos parecidos", explicó Marko Franasovic, curador de la muestra.

Sobre la selección de las obras el artista antofagastino señala que, "El criterio principal en el proceso de selección tuvo que ver con la calidad autoral. Más que rescatar una obra lo que hicimos fue rescatar al autor de la obra, es decir, su biografía y su dedicación".

La exposición podrá ser visitada en las dependencias del Museo Andrés Sabella, ubicado en la Casa de la Cultura.

Retrospectiva de afiches del diseñador Julián Naranjo se expone en Balmaceda Arte Joven Antofagasta

Vía Balmaceda Arte Joven Antofagasta.



Una inédita muestra gráfica se expone desde el jueves 10 de marzo en el Edificio Comunitario y Espacio Cultural de Fundación Minera Escondida (Av. O´Higgins 1280).

Se trata de la retrospectiva de afiches del destacado diseñador Julián Naranjo Donoso, titulada “Retrovisión – 33 Años de Pensamiento Visual”, que por primera vez se exhibe en la región y estará abierta al público hasta el próximo sábado 2 de abril.

La iniciativa que visita la ciudad gracias a la colaboración de Balmaceda Arte Joven y Fundación Minera Escondida, reúne ochenta obras de Naranjo con diversas temáticas como causas sociales, identidad, derechos humanos, teatro, el horóscopo chino y otros desarrollados para seminarios en torno al diseño y al afiche en particular.

El periodo que abarcan los trabajos cubre de 1981 a 2014, desde algunos afiches realizados en Estados Unidos hasta otros especialmente creados para esta retrospectiva, todos ellos seleccionados por una curatoría a cargo de Claudio Aguilera, socio fundador de Plop! Galería en Santiago.

Naranjo es considerado como uno de los diseñadores chilenos contemporáneos más destacados, junto a Guillermo Tejeda, Vicente Larrea o José Neira, entre otros, según el libro y la serie de televisión “Historia del Diseño Gráfico en Chile”, de Pedro Álvarez.

También es reconocido gracias a una importante carrera profesional desarrollando branding estratégico de marcas y entidades como Cerveza Cristal, Coca-Cola Embonor, Mademsa, Casa&Ideas, CTC (hoy Telefónica), Luchetti, Chilquinta, Ferrocarriles del Estado, Servicio de Impuestos Internos, y Valle Nevado, por nombrar algunas.

“Es la primera vez que tengo la oportunidad de exponer en Antofagasta. Estoy feliz poder itinerar con esta retrospectiva no solo por que se trata de mi trabajo, sino también por la posibilidad llevar el diseño chileno al público de regiones, especialmente a los jóvenes”, señala Julián Naranjo.

Ver Diario Universidad de Chile: “Retrovisión – 33 Años de Pensamiento Visual”, una panorámica del diseñador Julián Naranjo [en el Centro Cultural Palacio La Moneda].

El retorno de la serpiente: Mathias Goeritz y la invención de la arquitectura emocional. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, 12 noviembre, 2014 - 13 abril, 2015 / Edificio Sabatini, Planta 3

El retorno de la serpiente: Mathias Goeritz y la invención de la arquitectura emocional
12 noviembre, 2014 - 13 abril, 2015 / Edificio Sabatini, Planta 3

La exposición constituye una aproximación al trabajo de Mathias Goeritz (Danzig, 1915 – México DF, 1990) realizado desde su instalación en México, en 1949. A lo largo de cuatro décadas, en su producción tanto teórica como práctica converge la utopía racional con el neoprimitivismo, factores que derivan de su propia biografía: el periplo por distintas ciudades de Europa y del norte de África (1948), su estancia en España y su participación en los prolegómenos de la Primera Semana de Arte en Santillana del Mar (septiembre de 1949), así como el contacto con la cultura mexicana.

La muestra toma el principio de la “arquitectura emocional” como el asunto sobre el que se construye y articula el discurso expositivo. Formulado por Mathias Goeritz en 1954, este principio se convierte en el eje dinamizador y fundamento teórico y estético de su trabajo. Con él apelaba a la necesidad de idear espacios, obras y objetos que causen al hombre moderno una máxima emoción, frente al funcionalismo, el esteticismo y la autoria individual. En este sentido, las nociones de colaboración, la libertad de creación y la recuperación de las funciones sociales del diseño se reconocen en todos los trabajos alentados y realizados por Goeritz en esos años.

Planteada como un recorrido por los trabajos emblemáticos de Goeritz, la exposición pone de manifiesto cómo el conjunto de su obra y actividad surge de la asunción del arte como proyecto meta-artístico (extendiéndose al ámbito de lo social, lo político y lo público), donde una forma primigenia –las líneas en arista que conforman el cuerpo de una serpiente (La serpiente de El Eco, 1953)– deviene módulo formal y conceptual de todo su trabajo, desarrollado en un contexto de guerra fría. A su vez, términos como maqueta y monumento aparecen como las categorías entre las que transita su obra, evidenciando una voluntad de subvertir la noción de proporción.

Para ilustrar estas cuestiones y problemáticas referidas a la concepción y realización de los distintos proyectos e ideas, la exposición se compone de una selección de más de doscientas obras. La naturaleza de las mismas –dibujos, bocetos, maquetas, fotografías, esculturas y cuadros sobre tabla– revela el carácter experimental, analítico e incluso lúdico de la producción de Goeritz, la cual queda vertebrada por la persistencia de un tema y motivo.

Organización:
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Comisariado:
Francisco Reyes Palma

Ver artículo en El País: Tan contemporáneo como un rascacielos, por María Minera.

El imperio de los sentidos según Olafur Eliasson

Vía El País.



Superestrella del arte sensorial, el danés se interroga sobre los límites de la percepción en dos nuevas exposiciones en Francia y Dinamarca

Por Álex Vicente

La primera vez que Olafur Eliasson (Copenhague, 1967) presentó su obra frente al mundo tenía 15 años. Colgó un puñado de dibujos de gran formato en las paredes de una improvisada galería e invitó a sus amigos a observar el resultado. “Me puse nervioso y lo pasé mal, pero a la vez quería que todo el mundo viniera. Por extraño que parezca, me sentía exactamente igual que hoy”, rememora un par de horas antes de la inauguración de su nueva exposición. El estatus de este hombre de rictus hierático y aspecto indudablemente escandinavo ha cambiado bastante desde entonces. Ya no se encuentra en un garaje de extrarradio, sino en la Fundación Louis Vuitton, gigantesco palacio de cristal firmado por Frank Gehry y convertido en última atracción del concurrido circuito parisiense. Eliasson, estrella de ese arte sensorial que hoy invade los museos de medio mundo, acaba de ser escogido para inaugurar su programa de exposiciones.

La muestra se titula Contact y le sirve para explorar, con la falta de comedimiento que ya es marca de la casa, “la relación entre uno mismo, el espacio y el universo”. Eliasson pretende empujar al visitante hacia cierto vértigo existencial a través de un puñado de ilusiones ópticas que hacen tambalear los cinco sentidos, fuentes estroboscópicas que dejan estupefacta a la retina y bolas de cristal que dan cuenta de lo que sucede en el exterior mientras exploramos las salas de este oscuro subterráneo. La comisaria Suzanne Page, a cargo de la dirección artística de la fundación, resume la exposición como “un viaje” fundamentado en “un acercamiento emocional al arte”. Eliasson, más profesoral, lo traduce en sus propias palabras: “En los tiempos que vivimos, es lógico interesarnos por nuestra interacción con lo que llamamos realidad”, sostiene. “Existe un horizonte a partir del cual dejamos de percibir y de entender. A mí me interesa demostrar que esa frontera se encuentra más lejos de lo que creemos, que nuestros sentidos son más fuertes de lo que sospechamos”.

Al acceder a la muestra, no encontramos texto introductorio ni paneles explicativos. La bienvenida corre a cargo de un meteorito que el artista invita a acariciar, capaz de trasladarnos a otra dimensión gracias al poder de la autosugestión. Eliasson exhorta al espectador a iniciar un trayecto hacia lo desconocido y asumir el riesgo de perderse por el camino. “Vivimos en una sociedad hiperregulada, donde se nos dice constantemente qué debemos hacer y pensar. Cuando le dices a un visitante que busque la salida por sí solo, se desconcierta e incluso se enfada. Esa pasividad no es buena. Dar por sentado que siempre habrá alguien que te guíe —igual que dar por sentadas la paz, la riqueza, la educación o la sanidad— resulta negativo. Puede llevarnos a deteriorar o incluso perder lo que constituye la democracia”, responde.

No es la primera incursión de Eliasson en el terreno resbaladizo de la financiación privada, pero tal vez sí la mayor. En octubre, un colectivo de filósofos, críticos y artistas, encabezado por Georges Didi-Huberman y Giorgio Agamben, firmó una violenta columna contra la fundación, fruto de la iniciativa del empresario Bernard Arnault. El colectivo la consideró una iniciativa pensada para “desgravar una parte de las ganancias que no se encuentran ya en algún paraíso fiscal” y “elevar la cotización de los artistas por los que, temporalmente, hayan decidido apostar”. Eliasson, que afirma que la leyó, tiene la respuesta a punto. “Se suele sobreentender que lo público representa una libertad inexistente en el sector privado. La realidad es otra: el sector público asume pocos riesgos y tiene una relación ingenua con el arte contemporáneo. En el sector privado, en cambio, se están produciendo experimentos interesantes porque tienen mayores recursos, pero también porque su confianza en el arte es más radical y están más dispuestos a arriesgarse”, afirma. “Pero estoy de acuerdo en que no se puede utilizar la financiación privada para justificar los recortes en arte y cultura. Yo creo en un sector público fuerte, que siga siendo protagonista. Si no, corremos el peligro de que el arte se vuelva un sector dependiente del mercado y que las ferias y subastas se conviertan en lo fundamental”, admite.

La muestra parisiense arranca casi a la vez que su otro gran proyecto orquestado en 2014 llega a su fin. Riverbed es un paisaje artificial formado por toneladas de piedra volcánica, que Eliasson trasladó de la Islandia de sus ancestros hasta el interior del Louisiana Museum, ubicado a treinta minutos al norte de Copenhague, la ciudad donde creció antes de mudarse a Berlín hace veinte años. El lugar, que fue propiedad de un hombre casado con tres mujeres llamadas Louise (de ahí ese nombre de reminiscencias sureñas en plena costa báltica), emerge en medio de la nada, encajado entre un bosque otoñal y un impresionante acantilado. Al artista, ese espectacular paisaje no podría importarle menos: ha preferido reproducir la naturaleza a escala real, pero bajo techo y entre cuatro paredes.

Los fenómenos naturales están profundamente arraigados en el lenguaje artístico de Olafur Eliasson, quien se dio a conocer a mediados de los noventa tiñendo las aguas fluviales de ciudades de medio mundo, antes de construir cascadas artificiales bajo puentes neoyorquinos y propagar brumas ilusorias en el interior de galerías de arte, como hizo The Weather Project (2003), la alucinante aurora boreal que sedujo a dos millones de visitantes en la Tate Modern. “Es una manera significativa de dirigirme a mis semejantes. Hablar de la frontera entre naturaleza y cultura equivale a preguntarme quiénes somos como especie”, explica sobre Riverbed, que conforma con Contact un compendio que resume toda su trayectoria, centrada en la exploración de los límites de la percepción y en la engañosa separación entre naturaleza y cultura.

“Durante mucho tiempo trabajé con esos dos conceptos como si fueran antónimos y no compartieran ninguna cualidad”, relata Eliasson. “Con el tiempo, empecé a reconsiderar esta polarización. Ahora estoy cada vez más convencido de que la cultura es solo un grano que crece sobre la naturaleza”. Riverbed transita por esos borrosos confines. Caminar por su vasta extensión, transitando por las mismas salas que hasta hace poco acogían a Picasso, Pollock o Warhol, implica agacharse para cruzar las puertas que las intercomunican, o incluso brincar sobre un riachuelo para sortear el desnivel creciente, si se aspira a trepar hasta el término del recorrido. Aunque, una vez más, no exista camino, punto de partida o meta final.

¿Se puede vincular su trabajo a esa eventocracia que decretó el supercomisario Massimiliano Gioni, abierta a todo lo que deje a la retina estupefacta y suscite un espectáculo traducible en cientos de miles de entradas? Eliasson orquesta acontecimientos, aunque estos no sean necesariamente fáciles o gratuitos. No cuesta entender hasta qué punto el merodeo propuesto por su exposición cobra dimensiones existenciales, ni tampoco descifrar el habitual subtexto ecologista en la obra del danés. Al apropiarse de este paisaje virgen, el visitante terminará por alterarlo inevitablemente. A medida que pasen las semanas, se abrirán nuevos caminos y aparecerán recodos invisibles en el día de la inauguración.

Hace una década que museos e instituciones se abren a este arte capaz de estimular varios sentidos a la vez y rinden homenaje a figuras pioneras como Julio Le Parc, Carlos Cruz-Díez o James Turrell, vinculado al movimiento Light and Space. Durante esta inesperada resurrección, se ha entendido que sus precursores, tratados con desdén en su momento, escondían en realidad una dimensión política. En el despertar que persigue Eliasson también se encuentra el germen de una toma de conciencia, que permite poner en duda la realidad circundante y agudizar el espíritu crítico, como pregonaron los fundadores de colectivos como GRAV o Zero hace medio siglo. La experiencia sensorial se desintegra a causa de la virtualización imperante. Eliasson busca la manera de recomponerla, a riesgo de ser tratado de inocuo, estéril o incluso decorativo. “Supongo que la única respuesta que les puedo dar a mis críticos es convertirme en mejor artista”, responde con una inesperada modestia. “¿Qué puedo hacer si la gente opina eso? No es como si yo fuera sólido y ellos fueran líquidos. Nuestras opiniones tienen el mismo valor”.

Olafur Eliasson. Contact. Fundación Louis Vuitton. París. Hasta el 16 de febrero de 2015. Riverbed. Louisiana Museum. Humlebaek (Dinamarca). Hasta el 4 de enero de 2015.

Por otro lado, Chacabuco continua con su plan de preservación.

Una breve nota del El Mercurio de Antofagasta relata la asignación de fondos para continuar con el trabajo de restauración de la filarmónica de la salitrera Chacabuco. Los dineros fueron concursados por la Corporación Chacabuco a los Fondos del Patrimonio 2014 del Consejo Nacional de la Cultura y de las Artes. A nivel nacional fueron postulados 37 proyectos y se asignaron fondos a 17 de ellos.



Otras notas de prensa:

Red Antofagasta:
Región de Antofagasta se adjudica proyecto para reconstruir edificio de la ex oficina salitrera Chacabuco

La Tercera:
Fondo del Patrimonio entrega $ 1.500 millones para 17 proyectos

Fallecimiento de Manuel Casanueva

Torre construída en travesía a Bahía Errazuriz en Antofagasta. © Bitácora Virtual.

La Escuela de Arquitectura y Diseño de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso ha informado que falleció el arquitecto Manuel Casanueva.

"Lamentamos informar el fallecimiento de Manuel Casanueva, alumno y profesor de la Escuela de Arquitectura y Diseño durante toda su carrera académica y miembro fundador de la Ciudad Abierta.
Sus funerales serán mañana martes 9 de diciembre a las 12:00 en la capilla de la Ciudad Abierta."

Una breve biográfía en el sitio del MAC a propósito de una exposición del año 2004:

"Manuel Casanueva (Santiago, 1943). Arquitecto de la Escuela de Arquitectura UCV, inició la docencia en 1972 como ayudante del profesor José Vial y es actualmente Profesor Titular en la Escuela de Arquitectura y diseño PUCV, donde conduce un taller arquitectónico paralelo al de Fabio Cruz en cursos superiores. Realiza la primera "travesía" con un taller al desierto de Atacama (1979), lo que cinco años después, constituirá la serie "travesías" y sus obras. Hace 20 años dicta el curso de Cultura del Cuerpo, el cual culminó con el invento patentado en EEUU, "windroller" o Eolo, (ver Arq Nº 45). Montó una exposición de Amereida en Harvard el año 2000, donde fue recibido por el urbanista Pablo Allard y el arquitecto Guillermo Jullian. El 2001 viajó con su taller a Portugal en una doble misión, verificar por comparación el fenómeno de miniaturización en América con respecto a los modelos (templos), en ultramar, (completando un estudio de investigación Fondecyt). Viajó recientemente a Buenos Aires (2003) para estudiar su instalación cívica, los tres poderes y la vocación de esta ciudad para ser capital, montando una exposición en la FUBA, Universidad de Buenos Aires, donde además se entrevistó con el Arquitecto Clorindo Testa. Obtuvo tres postulaciones a proyectos Fondecyt con los cuales construye la "Hospedería del Errante", gracias también a los fondos concursables internos de la UCV. Ha publicado en las revistas ARQ, PUCch, ARQ de Cambridge, Spazio e Societá de Milán, AV de Madrid, CA de Chile y otras. Prepara el lanzamiento del libro "De los campos de abstracción y los elementos técnico-arquitectónicos para una arquitectura experimental", editado por la U. Finis-Terrae."

Primer Seminario Internacional de Historia de la Arquitectura Hospitalaria, Rio de Janeiro, UFRJ, 2014.

PROGRAMAÇÃO DO SEMINÁRIO

11 de dezembro

8:30 às 9:00
Credenciamento e café de confraternização

09:00 às 10:00
Mesa de Abertura

10:00 às 10:40
Conferência de Abertura:
Maria Lílian Gonzalez Servin (UNAM/México)
“Infraestructura nosocomial en el proceso de la Revolución Mexicana, 1910-1950”

10:40 às 10:55 intervalo

10:55 às 12:30
Mesa Redonda 1:
Coordenadora: Beatriz Oliveira

“Arquitetura e microbiologia no tempo de Oswaldo Cruz “
Jaime Benchimol, COC/FIOCRUZ (Brasil)

“A formação do campo da arquitetura hospitalar no Brasil”
Ana Amora – Proarq/UFRJ (Brasil)

“Conexiones y migraciones del sistema hospitalario de pabellones en Chile.”
Claudio Galeno – Universidad Católica Del Norte (Chile)

"Luis Nunes e o patrimônio da saúde em Pernambuco: o Leprosário da Mirueira"
Laura Alecrim/Luiz Amorin – UFPE/MDU (Brasil) Reunião de pesquisadores

12:30 às 14:00
Almoço

14:00 às 14:40
Conferência:
Nivaldo Andrade (UFBA/Brasil)
“O patrimônio moderno e a arquitetura da saúde.”

14:40 às 15:05
intervalo

15:15 às 17:00
Mesa Redonda 2:
Coordenador: Gustavo Rocha-Peixoto

“Da piedade à terapia: o espaço hospitalar e o hospital no espaço”
Hugo Segawa – FAU/USP (Brasil)

“O Hospital Gaffrée e Guinle, filantropia e saúde: os ecos do Pasteurianismo no Brasil da Primeira República”
Gisele Sanglard COC/FIOCRUZ (Brasil)

"Arquitetura anti-tuberculose: uma atitude Moderna".
Renato Gama-Rosa Costa – COC/FIOCRUZ (Brasil)

“De cómo un lazareto construye territorio: Agua de Dios y la lepra en Colombia.”
Carlos Nieto (Pontificia Universidad Javeriana (Colômbia)

17:00 às 18:00
Lançamento do livro
“Registro del sistema arquitectónico de pabellones en hospitales de américa latina, volúmen 1”
Organizado pela professora Lilia Gonzales (UNAM)
Rede de Pesquisadores Latino-americanos sobre hospitais pavilhonares
________

12 de dezembro

8:30 às 9:00
Reunião de pesquisadores
Rede de Pesquisadores Latino-americanos sobre hospitais pavilhonares

10:40 às 10:55
Intervalo

10:55 às 12:30
Reunião de pesquisadores
Rede de Pesquisadores Latino-americanos sobre hospitais pavilhonares

12:30 às 14:00
Almoço

14:00 às 14:40
Visita Guiada a Hospitais:
Sanatório de Curicica, atual Hospital Rafael de Paula Souza.
Obra de arquitetura pavilhonar moderna do arquiteto Sergio Bernardes para a Campanha Nacional Contra a Tuberculose -CNCT. (em processo de tombamento, listado pelo Docomomo Internacional e incluído no Inventário Nacional do Patrimônio Cultural da Saúde – COC/FIOCRUZ)

14:40 às 15:05 intervalo
Visita Guiada a Hospitais

15:15 às 17:00
Visita Guiada a Hospitais:
Sanatório de Curicica, atual Hospital Rafael de Paula Souza.

5º Seminario Docomomo Chile: El desafio del tiempo: proyecto y persistencia del patrimonio moderno, 26-28 de noviembre de 2014, FADEU, PUC.

MIÉRCOLES 26 DE NOVIEMBRE - AUDITORIO FADEU

Sesión Mañana

9:00 Inscripciones

11:00 CEREMONIA DE APERTURA

Mario Ubilla Sanz, Sr. Decano FADEU
Pontificia Universidad Católica de Chile

Emilio de la Cerda, Director Escuela de Arquitectura - FADEU,
Pontificia Universidad Católica de Chile

José de Nordenflycht, Secretario Ejecutivo
Consejo de Monumentos Nacionales

Ricardo Abuauad, Director Escuela de Arquitectura FAAD,
Universidad Diego Portales

Carlos Eduardo Dias Comas, Proyecto CAPES - UFRGS

Margarita Greene, Jefe de Programa Magíster en Arquitectura PUC

Horacio Torrent, Presidente Docomomo Chile

11:30 EL DESAFÍO DEL TIEMPO: PERSISTENCIA Y PROYECTO DEL PATRIMONIO MODERNO
Presentación Horacio Torrent, Presidente Docomomo Chile

12:00 LINA BO BARDI: THREE CITY PIECES 1976-1988
Carlos Eduardo Dias Comas, UFRGS - Docomomo Brasil
Presenta: Emilio de la Cerda, Director EA FADEU-PUC

Sesión Tarde
Coordinación: Francisco Quintana, EA FADEU-PUC

15:00 DOCUMENTACIÓN, VALORACIÓN Y PERSPECTIVAS

Patrimonio, documentación y valoración: perspectivas desde la fotografía, Paipote, 1951
Andrés Téllez

Inmigración, tecnología y modernización en Antofagasta, desde Josiah Harding a Jorge Tarbuskovic
Claudio Galeno, José Antonio González, Marcelo Lufin

El papel femenino en la formación del Concepción moderno (1940-1960)
Luis Darmendrail

Valoración social de la arquitectura en las ciudades del carbón
María Dolores Muñoz

El castillo de Rothenfelds, el Instituto de Arquitectura de Valparaíso y la iglesia del Monasterio Benedictino de Las Condes: Hacia una arquitectura del acto
Rubén Muñoz

17:00 Café

17:30 LAS DOS CASAS. ARQUITECTURAS DE JUAN O´GORMAN PARA DIEGO RIVERA Y FRIDA KAHLO
Claudia Costa Cabral, UFRGS - Docomomo Brasil
Presenta: José Rosas, Centro de Patrimonio Cultural PUC


18:30 PROYECTO Y PATRIMONIO MODERNO: CENTRO CULTURAL EMBAJADA DE CHILE EN ARGENTINA / SALA FANJZILBER CEPAL
Sebastián Irarrázabal - Hugo Mondragón
Pablo Saric - Eduardo Lyon

JUEVES 27 DE NOVIEMBRE - AUDITORIO FADEU

Sesión Mañana
Coordinación: Andrés Téllez, PUC - Docomomo Chile

9:00 PERSISTENCIAS DEL ESPACIO EDUCATIVO

Arquitectura escolar pública como patrimonio moderno. 1937-1960. Registro de obras y recuperación de archivos de la SCEE
Torres, Atria, Valdivia, Díaz

Emilio Duhart y la Alianza Francesa; Movimiento moderno y arquitectura escolar en Chile en los años 50
Sergio Salazar

Arquitectura moderna y educación superior en Chile
Alberto Sato

10:15 Café

10:45 CONJUNTOS EMBLEMÁTICOS, CAMINOS POSIBLES

Villa Presidente Rios en Talcahuano, 1947-1951. Sergio Larraín G.M. y Emilio Duhart
Verónica Esparza

Villa Frei, Utopía cumplida
Rodrigo Gertosio

Circulaciones elevadas: una escenificación tipológica de las relaciones sociales en la habitación colectiva en Chile
Pablo Fuentes

La Unidad Vecinal Portales: desde la documentación y valoración a la intervención. Proyecto, realizaciones y desafíos futuros
Umberto Bonomo

12:00 CASOS DIFÍCILES: BRUTALISMOS Y LADRILLOS DEL NORTE Y
DEL SUR
Ruth Verde Zein, U. Presbisteriana Mackenzie - Docomomo Brasil
Presenta: Ricardo Abuauad, Director EA FAAD-UDP

Sesión Tarde
Coordinación: Juan Camilo Pardo, Centro de Patrimonio Cultural PUC

15:00 OBRAS EMBLEMÁTICAS: PERSISTENCIAS MODERNAS

La arquitectura moderna en la difusión del turismo nacional, el Cap Ducal obra emblemática de Viña del Mar
Macarena Cortés

A casa Casado d´Azevedo: Un paradigma de la arquitectura doméstica moderna en Porto Alegre
Silvio B. de Abreu Filho, Magali N. C. Gonçalves

Arquitectura y urbanismo moderno en Tucumán, Argentina: el Hospital del Niño Jesús
María Ana Ferré

La búsqueda de un lenguaje propio acerca de una modernidad alternativa
Karin Westermeyer

Edificio Plaza de Armas: prototipo, sistema y transformación
Armando Caroca

17:00 Café

17:30 A VELHA CASA MODERNA
Marta Silveira Peixoto, UNIRITTER - Docomomo Brasil
Presenta: Andrés Téllez, PUC - Docomomo Chile

18:30 EL ESPEJO Y EL MANTO. ORTODOXIA / HETERODOXIA
Fernando Pérez Oyarzún
Presentación del libro Ediciones ARQ
Emilio de la Cerda, Francisco Díaz, José Rosas

VIERNES 28 DE NOVIEMBRE - AUDITORIO FADEU

Sesión Mañana
Coordinación: Macarena Cortés, PUC - Docomomo Chile

9:00 ESCALAS URBANAS COMO PATRIMONIO

El Plano Oficial de Urbanización de Santiago de 1939. La idea de ciudad moderna desde la transcripción del plano: leyenda y trazado
Saavedra, Hidalgo, Strabucchi , Rosas, Bannen

Emilio Duhart, el Corazón de la Ciudad. Seminario del Gran Santiago-1957
Cristián Berríos

La Placa como nivel social: implementación y discontinuidad en el espacio público del Plan Regulador de Concepción de 1960
Leonel Pérez, Pablo Fuentes

10:30 Café

11:00 INTERVENCIONES: PATRIMONIO EN PERSPECTIVA

Obsolescencia y reemplazo. Estrategias de intervención en el patrimonio moderno de la ciudad de Concepción
Valentina Ortega

¿Modernismo gradual en Santiago de Chile? Evidencias en la Parroquia del Sagrado Corazón de Jesús, El Bosque
Ignacio Julio

Escola Politécnica do Espirito Santo - Brasil: documentação e interpretação para uma possível intervenção
Mariani Dan Taufner, Renata Hermanny de Almeida

Edificio sindical de los Mineros del Carbón de Lota, paradigma y oportunidad
Mariela Leiva

La rehabilitación del patrimonio moderno: los cines de Lanco y Purranque
Gonzalo Cerda

12:00 INTERVENCIONES SIGNIFICATIVAS EN EL PATRIMONIO ARQUITECTONICO DEL SIGLO XX EN ESPAÑA
Víctor Pérez Escolano, Universidad de Sevilla - Docomomo Ibérico
Presenta: Umberto Bonomo, Diploma en Patrimonio Cultural PUC

Sesión Tarde
Coordinación: Umberto Bonomo, Diploma en Patrimonio Cultural PUC

15:00 CIUDADES INTERMEDIAS, NUEVOS PATRIMONIOS
Trayectoria de la vivienda moderna en Iquique (1930 -1970)
Víctor Manuel Valenzuela

Simultaneidad y dialogo. Tradición y modernidad en la persistencia del patrimonio moderno local: La vivienda unifamiliar en Osorno
Hugo Weibel

La plaza de Armas y el Hotel Burnier: paradigmas que construyen el espacio urbano de Osorno
Tirza Barría

Formas urbanas, arquitecturas modernas, grandes ciudades: Osorno-1930
Horacio Torrent

16:15 Café

16:45 PATRIMONIOS, INTERPRETACIONES, VALORACIONES

Cuerpo ideal y experiencia en la arquitectura. El mural de Xavier Guerrero en el Hogar Hipódromo Chile
Ignacio Szmulewicz

Integración de las artes y reforma social. Dos condensadores sociales en Santiago de Chile. 1939-1941
Hugo Mondragón, María José Arellano

El efímero inmortalizado en la producción de Lucio Costa
Carvalho, Canez, Knies, Baldissera

18:30 O TEMPO LONGO DE UMA MODERNIDADE AFRICANA.
MEMORIA E PROJECTO ENTRE ARTE Y ARQUITECTURA
Ana Tostões, IST Lisboa - Docomomo International
Presenta: Horacio Torrent, PUC - Docomomo Chile

Organizan
Docomomo Chile
Pontificia Universidad Católica de Chile
Programa Magíster en Arquitectura, PUC

Auspician
Dirección de Relaciones Académicas Internacionales
Vicerrectoría Académica. PUC
Decanato. FADEU PUC
Facultad de Arquitectura, Arte y Diseño - Universidad Diego Portales
Diplomado en Patrimonio Cultural - Escuela de Arquitectura PUC
Proyecto PPCP 021/2011 - CAPES
PROPAR - Universidade Federal do Rio Grande do Sul

Colaboran
Sub-dirección de Extensión
Jefatura de Investigación
Escuela de Arquitectura - FADEU PUC
Proyecto Fondecyt 1140964

Fotografía afiche
Edificio Hogar Hipódromo Chile
Enrique Gebhard; Jorge Aguirre.
Archivo de Originales. FADEU.
Pontificia Universidad Católica de Chile.

XXI Jornadas de Estudio Migratorios: migraciones y cambios en la sociedad receptora. Antofagasta, 20 de noviembre de 2014. Auditorio Escuela de Derecho, Universidad Católica del Norte

PROGRAMA
XXI JORNADAS DE ESTUDIOS MIGRATORIOS: MIGRACIONES Y CAMBIOS EN LA SOCIEDAD RECEPTORA.

DIA: 20 DE NOVIEMBRE DE 2014.
LUGAR: AUDITORIUM ESCUELA DE DERECHO, FACULTAD DE CIENCIAS JURIDICAS, UNIVERSIDAD CATÓLICA DEL NORTE, ANTOFAGASTA.
AVENIDA ANGAMOS 0610- SECTOR SUR.

MAÑANA:

9-9:30 Inscripciones Secretaría de la Facultad de Ciencias Jurídicas, Segundo Piso Pabellón X.

9:30-9:50 Bienvenida a los participantes por parte de:
Dr. Cristián Aedo, Decano de la Facultad de Ciencias Jurídicas.
Dr. José Antonio González Pizarro, Coordinador de las Jornadas.

9:50-10:10: Dr. Claudio Galeno, UCN:
“La presencia boliviana en el desierto de Atacama, después de la postguerra. Patrones de migración, inserción local y geolocalización urbana”

10:15-10:35: Prof. Andrea Avaria, UST:
Habitar la ciudad desde los márgenes en pleno centro: fútbol boliviano en el Montjuic de Barcelona”

10:40-11:00: Dr. Mario Matus, U. de Chile:
“Problemáticas surgidas desde un archivo judío inédito. Avance de investigación”

11:00- 11:25: Preguntas y respuestas. Coffee break.

11:25-11:45: Dr © Marcos Calle, UST:
“Gestiones empresariales de tres británicos en Tarapacá: John North, Robert Harvey y John Dawson”

11:45-12:05 Dr. José Antonio González Pizarro, UCN:
“Inmigración británica en Antofagasta: actividades comercial e industrial durante el ciclo salitrero”

12:05-12:15: Preguntas y respuestas.

12:15: Conferencia inaugural Dr. Sergio González Miranda, UNAP, Premio Nacional de Historia 2014:
“Los rostro de la migración”.

13:00 Almuerzo

TARDE:

15:00-15:20: Dr. Alexis Mondaca, UCN:
“Una problemática creciente, los así denominados matrimonios por conveniencia”.

15:20-15:40: Mg© Gustavo Macaya, UCN:
“Estereotipos y prejuicios hacia inmigrantes colombianos en la ciudad de Antofagasta, Chile”

15:40-15:50: Preguntas y respuestas.

15:50- 16:10: Dra © Ljuba Boric, USACH:
“Inmigrantes, una mirada desde el estudio de fuentes primarias. Magallanes 1880-1920”

16:10-16:30: Dr. Marcelo Lufin, UCN:
“Los croatas en la región de Antofagasta: Patrones de nupcialidad y actividad comercial, entre 1880-1930”

16:30-17:00 Preguntas y respuestas. Coffee break.

17:00-17:20: Dr. Sergio Lausic, U.Magallanes:
“La inmigración croata en Chile. Presentación y análisis de actas de nacionalización”.

17:25-17: 45: Dr. Baldomero Estrada, PUCV:
“Integración y economía étnica. La comunidad árabe de Valparaíso durante la primera mitad del siglo XX”.

17:45-18:05: Dra. Carmen Norambuena, USACH:
“Inmigración europea mediterránea al Cono Sur de América. Un ensayo de historia comparada”

18:10-18:30: Preguntas y respuestas. Entrega de certificados. Fin de las sesiones.

20:30 horas Cena de clausura

1er Seminario Internacional de Historia de la Arquitectura Hospitalaria, 11 y 12 dezembro 2014, Facultad de Arquitectura y Urbanismo, Universidade Federal do Rio de Janeiro

Auditorio Paulo Santos, 4º andar, FAU, UFRJ.

V Seminario Docomomo Chile, 26-28 de noviembre. Escuela de Arquitectura PUC, Santiago de Chile

El Desafío del Tiempo
Proyecto y persistencia del Patrimonio Moderno

programa*

Miércoles 26 de noviembre

09:00 – Registro
11:00 – Ceremonia de Apertura
12:30 – Conferencia | Carlos Eduardo Dias Comas
almuerzo libre
15:00 – Sesión 1: Obras Emblemáticas
16:30 – Café
17:00 – Sesión 2: Conjuntos Emblemáticos
18:30 – Conferencia Ruth Verde Zein

Jueves 27 de noviembre

09:00 – Sesión 3: Persistencias del Espacio Educativo
10:30 – Café
11:00 – Sesión 4: Escalas Urbanas como Patrimonio
12:30 – Conferencia Claudia Costa Cabral
almuerzo libre
15:00 – Sesión 5: Ciudades Intermedias
16:30 – Café
17:00 – Sesión 6: Documentación, Valoración y Perspectivas
18:30 – Presentación del libro El Espejo y el Manto, de Fernando Pérez Oyarzun

Viernes 28 de noviembre

09:00 – Sesión 7: Intervenciones: Patrimonio en Perspectiva
10:30 – Café
11:00 – Sesión 8: Intervenciones: Patrimonio en Perspectiva
12:30 – Conferencia Víctor Pérez Escolano
almuerzo libre
17:00 – Sesión 9: Patrimonios, Interpretaciones, Valoraciones
18:30 – Conferencia Ana Tostoes (presidenta de Docomomo International)

* programa tentativo, sujeto a modificación

XXIX Festival de Colectividades Extranjeras Antofagasta 2014

© Cultura Antofagasta.

Vía Agenda Antofagasta.

Este viernes 31, a las 19:00 horas, se inaugura una de las fiestas más tradicionales de Antofagasta: el XXIX Festival de Colectividades Extranjeras 2014.

La fiesta se extenderá hasta el domingo 2 de noviembre y los bailes tradicionales se realizarán a partir de las 19:00 horas todos los días. Sábado y domingo, desde las 11:00 horas ya estará disponible la venta de comidas típicas y bailes en el stand de cada colectividad. Gastronomía típica, folclor y tradiciones en un solo lugar.

Invita Ilustre Municipalidad de Antofagasta y la Corporación Cultural de Colectividades Extranjeras.

Tercera Jornada de Historia Regional de Antofagasta, Museo Regional, 28-30 de octubre de 2014, 18:00 horas.

Por tercer año consecutivo, Encuentro de Historia Regional de Antofagasta organizada por el Centro de Investigación Histórico y Cultural “Isaac Arce Ramírez”, agrupación vinculada al área de investigación histórica patrimonial del Museo de Antofagasta, a la que se ha sumado el patrocinio de la Corporación PatrimoniA y el aupicio de Hotel Marina, Café del Centro y Barrick Zaldivar.

El encuentro está referido a la Historia Sociocultural de la ciudad y fue inaugurado por el Doctor Jorge Pinto Rodríguez, Premio Nacional de Historia 2012, quien el martes 28 de octubre de 2014, a las 18:00 horas, presentó la ponencia  inaugural: “Antofagasta medio siglo de Historia (1950 – 2000)”, un relato testimonial que intenta evocar el recuerdo de la ciudad de mediados de siglo XX y las vivencias que han marcado su posterior crecimiento.

El programa de ponencias contempla además las presentaciones de dos destacados profesionales y socios del CIIAR, el periodista e investigador Isidro Morales Castillo expondrá: "Prensa y periodismo en Antofagasta" (miércoles 29 de octubre) y el Historiador Regional Floreal Recabarren Rojas, quien contará sobre: "El Centro para el progreso de Antofagasta" (jueves 30 de octubre).

Están todas y todos invitad@s a tres días de Historias del pasado de Antofagasta vinculadas con la vida social y cultural de la región durante el siglo XX.

Primer Encuentro Nacional de Teoría e Historia de la Arquitectura, 13 y 14 de noviembre de 2014, Universidad Central, Santiago de Chile

Pinche aquí para ver documento completo de la convocatoria.



La Línea de Teoría e Historia de la Arquitectura de la Escuela de Arquitectura de la Universidad Central de Chile, convoca al Primer Encuentro Nacional de Teoría e Historia de la Arquitectura orientado a reflexionar y debatir respecto de los paradigmas, problemáticas y desafíos para su enseñanza involucrados en la formación profesional de los arquitectos en nuestro país. Esta Convocatoria está dirigida a académicos, docentes e investigadores del área de la Teoría y la Historia de la Arquitectura.

Dado a que prácticamente no ha existido un espacio de debate sistemático y de alcance nacional respecto del ejercicio de la Teoría y la Historia de la Arquitectura en Chile, esta iniciativa pretende impulsar un primer esfuerzo por establecer vínculos entre aquellas Escuelas de Arquitectura que brinden espacio a estas disciplinas, tanto en su ejercicio docente como también investigativo.

Esa falta de debate no obedecería simplemente a la tradicional desvinculación existente entre las Escuelas de Arquitectura de nuestro país, también es el resultado del imperativo de competencia que el actual sistema de educación superior chileno ha transferido a las distintas instituciones académicas.

Sumada a estas particularidades de este sistema, la propia existencia y pertinencia de la Teoría y la Historia en la formación docente, se han visto altamente tensionadas por factores tanto internos como de contexto. Entre los primeros, podemos contar las importantes trasformaciones paradigmáticas acaecidas el último tiempo en relación a las propias definiciones tanto de lo teórico como de lo histórico, así como de la propia naturaleza conceptual de la arquitectura. Precisamente, la proliferación de una multiplicidad de visiones al respecto –fenómeno bien o mal llamado “posmodernidad”– desplegadas en un ambiente carente de debate, ha conducido a una aceptación acrítica de modelos de enseñanza muchas veces ajenos a nuestra realidad nacional y latinoamericana. Por su parte, entre los factores de contexto, la hegemonía de las dinámicas económicas y culturales propias del modelo económico chileno, ha orientado a la formación de los arquitectos a un excesiva tecnocratización que ha contribuido a desalentar todo debate teórico e histórico que pretenda ir más allá de los imperativos inmediatos y específicos del ejercicio profesional.

Esta ausencia sistemática de discusión en torno a las dimensiones teóricas e historiográficas en la enseñanza de la arquitectura en Chile, es justamente el principal obstáculo a superar. Por esta razón, el primer objetivo del presente Encuentro, consiste en establecer un debate inter-universitario de carácter nacional en dichas áreas. Ello no sólo apuntaría a superar el vacío discursivo que nos aqueja, sino también a disolver la desconfianza competitiva a la que se han visto obligadas las escuelas de arquitectura durante las últimas décadas, situación que, sin duda, ha lesionado profundamente el espíritu de colaboración que tradicionalmente ha caracterizado al mundo académico.

Menester de la teoría y la historiografía de la arquitectura, es reflexionar no únicamente acerca de las prácticas tanto materiales como discursivas que hoy en día atraviesan el ejercicio profesional, sino también, y sobre todo, el modo en que se enseña la disciplina. Es por ello que, junto con representar un intento por evadir la falta de un debate nacional en estas áreas, este Primer Encuentro dirige su atención a la formación docente, justamente por ser las escuelas de arquitectura las principales instituciones capaces de detener la reproducción de dicha ausencia de cuestionamiento, dada la investidura crítica que caracteriza al ethos universitario. Por lo mismo, el segundo de los objetivos del evento, apunta a reflexionar sobre el lugar y las maneras en que la Teoría y la Historia participan tanto de la enseñanza de pregrado como de la investigación académica, pero también sobre las dificultades que actualmente atraviesan a la hora de colaborar en la formación disciplinaria, así como los desafíos que tales inconvenientes les demandan.

Como tercer objetivo y en tanto síntesis de los dos anteriores, el encuentro pretende ir más allá de la contingencia de su celebración, al proponer la inauguración de una modalidad permanente de colaboración inter-universitaria en los ámbitos de la Teoría y la Historia que, a futuro, sea capaz de conformar –desde la particularidad de ambas áreas– un debate académico de largo plazo sobre nuestra disciplina en Chile. El carácter, la forma y los alcances de esta modalidad, serán materia a resolver por el propio encuentro.

Invitamos a todos los docentes e investigadores interesados a presentar ponencias sobre teoría y/o historia de la arquitectura respecto de los paradigmas, problemáticas y desafíos para su enseñanza, para lo cual proponemos las siguientes diez áreas temáticas:

Área temática N°1:
Modelos historiográficos y giros críticos contemporáneos.

Área temática N°2:
Actualidad y contingencia: desafíos de lo presente para la Teoría y la Historia.

Área temática N°3 :
Teoría, Historia y el ejercicio investigativo.

Área temática N°4:.
Fronteras de la Teoría y la Historia: debates sobre multidisciplina

Área temática N°5:
Modelos pedagógicos en la enseñanza de la Teoría y la Historia.

Área temática N°6:
Teoría e Historia: debates académicos y publicaciones.

Área temática N°7:
La Teoría y la Historia en la enseñanza del taller.

Área temática N°8:
La Teoría y la Historia en el contexto del diseño curricular.

Área temática N°9:
Dimensiones de la Crítica entre la Teoría y la Historia de la Arquitectura.

Área temática N° 10:
Perspectivas latinoamericanas de la Teoría y la Historia.

De la recepción de ponencias:

Los interesados deberán hacer llegar a la organización del encuentro por correo electrónico: encuentroteoriahistoria2014@ucentral.cl, el día 20 de octubre de 2014, hasta las 24 horas de este día, una propuesta de ponencia que deberá contener el título y una síntesis de la misma de máximo 200 palabras (no se revisarán propuestas de mayor extensión) en formato digital Word, cuya aceptación será comunicada el día 27 de octubre de 2014

Invitación especial: Contaremos, además, con la participación de destacados invitados destacados del mundo del intelectual chileno que nos brindarán sus visiones en torno a las dimensiones de la Teoría, la Historiografía y la Cultura nacional.

Lugar de realización: Facultad de Arquitectura, Urbanismo y Paisaje, Av. Sta. Isabel 1186, comuna de Santiago Centro, Santiago. Metro Moneda.

Coordinadores Generales del Encuentro:

José Solís Opazo
Coordinación Línea de Teoría e Historia de la Arquitectura.
jose.solis@ucentral.cl

Beatriz Navarrete
Unidad de estudios, Gestión y Proyectos
beatriz.navarrete@ucentral.cl

Fonos de contacto: 056 2 2 582 6892 – celular 9 539 4547
……………………………………………………………………………………………………
Organizan:

Línea de Teoría e Historia de la Arquitectura, Escuela de Arquitectura UCEN.
Unidad de Estudios, Gestión y Proyectos, FAUP, UCEN.
……………………………………………………………………………………………………
Patrocinan:

Universidad de Chile, Departamento de Arquitectura, Santiago.
Universidad de Santiago de Chile, Escuela de Arquitectura, Santiago.
Universidad Católica del Norte, Escuela de Arquitectura, Antofagasta.
Universidad del Bio-Bío, Escuela de Arquitectura, Concepción.
Centro de Estudios Arquitectónicos Urbanísticos y del paisaje CEAUP Facultad de Arquitectura Urbanismo y Paisaje Universidad Central de Chile.
Consejo Latinoamericano de Ciencias Sociales CLACSO- Chile.
Cátedra Michel Foucault Universidad de Chile – Embajada de Francia.
Colectivo, Ciudad Atmosférica. Universidad Central de Chile.

Más información, consultar a: encuentroteoriaehistoria2014@ucentral.cl

Festival of Future Nows, Neue Nationalgalerie, Berlín, 30 de octubre - 1º de noviembre de 2014.

From October 30th to November 1st, 2014, the Festival of Future Nows brings together performances, sculptures, talks, and installations by 100 artists, who have been part of the past five years of program of the Institut für Raumexperimente at the Berlin University of the Arts. The festival will be held within the David Chipperfield exhibition Sticks and Stones at the Neue Nationalgalerie in Berlin.

–
A project by the Institut für Raumexperimente, Berlin University of the Arts in collaboration with the Neue Nationalgalerie.

Supported by Einstein Foundation Berlin, TURN Fund of the German Federal Cultural Foundation, Goethe-Institut Addis Ababa, Jacqueline Diffring Foundation, Museum & Location GmbH, Studio Olafur Eliasson, Verein der Freunde der Nationalgalerie.

www.futurenows.net

Muere la artista visual Matilde Pérez, pionera del arte cinético chileno

Vía La Tercera.

La influyente artista, de 97 años, falleció esta tarde. Se encontraba postrada en cama desde el año pasado.
por Jorge Letelier F. - 01/10/2014 - 18:50

La artista cinética chilena Matilde Pérez, pionera en el país de esta corriente modernista, murió hoy a los 97 años, producto de un paro cardiorespiratorio.

Pérez será velada desde mañana en la Iglesia San Patricio, ubicada en Isabel la Católica con Manquehue, Las Condes. Su funeral se realizará el viernes en el Parque del Recuerdo (Huechuraba).

La información fue confirmada por su hijo, Gustavo Carrasco, quien manifestó que la artista falleció por un paro. "Los últimos meses estaba en cama, pero lúcida, con sus capacidades cognitivas intactas. Este lunes volví de un viaje y su estado había cambiado. Se encontraba durmiendo sin reacción, como en un sueño profundo. Ayer llamé a Help y comenzaron un tratamiento de suero, pero no reaccionó", cuenta.

Matilde Pérez fue un nombre propio en el arte moderno chileno de la segunda mitad del Siglo XX. Pero recién en la última década fue revalorizada como una artista fundamental de la escena. Tuvo su primera gran retrospectiva en enero del año pasado en Fundación Telefónica, Matilde X Matilde, Espacio móvil, donde se reunió obra inédita, textos, bocetos y material de trabajo, la que fue muy visitada por el público.

Dueña de una personalidad de muy bajo perfil, la artista siempre transitó por debajo de la oficialidad del arte chileno. "Yo funciono para el que quiera conocerme. El que no quiera, está bien. No tengo responsabilidades con nadie. Nunca me he preocupado si en Chile me reconocen", dijo Pérez para la inauguración de Matilde X Matilde, un poco aludiendo al Premio Nacional de Arte que nunca se le entregó.

La artista tuvo la importancia de introducir las primeras corrientes modernistas en el arte pictórico chileno, a comienzos de los años cincuenta con la abstracción geométrica, y luego con las enseñanzas del arte cinético que aprendió del húngaro Victor Vasarely, en París en 1960.

En su juventud, su búsqueda por encontrar nuevos lenguajes expresivos en el arte la llevó a ser parte del Grupo de los Cinco, y luego del Grupo Rectángulo, con el que expresó su rechazó a la tradición figurativa.

El momento clave fue su encuentro en París con Vasarely, a inicios de la década del 60', de quien aprendió las posibilidades de la abstracción geométrica y el trabajo sobre la forma y el color. Sus investigaciones en ese entonces la llevaron a transitar un camino único en el arte local, el que fue poco reconocido. A través de pinturas, collages, esculturas acrílicas o metálicas, Pérez trabajó incesantemente con las posibilidades de la creación del movimiento -a través de la ilusión óptica- y también del movimiento real producido por la electricidad.

"Su figura es única, anómala, muy secreta y singular. Por eso es que creo que no hubo una atención crítica hacia su trabajo antes. Era una artista solitaria, singular, de bajo perfil. Ella logró sin hacer mucho que se instalara esa atención crítica. Fue responsable de ocuparnos y detenernos a leerla, a intentar comprender su arte", explica el curador y Director del Parque Cultural de Valparaíso, Justo Pastor Mellado.

Entre sus obras públicas más conocidas figuran el Túnel Cinético (arriba) que expuso en el Instituto Chileno-Norteamericano, en 1970, y que fue reconstruido para la muestra Matilde X Matilde. Y el Friso que construyó en el Centro Comercial Apumanque en 1982, y que fue desmontado en 2007, el que ahora permanece en la Univ. de Talca.

La gestora cultural Morgana Rodríguez, también participó del revival de Matilde Pérez en los últimos años, y fue parte del equipo que preparó Matilde X Matilde, y se encuentra preparando un libro junto al curador Ramón Castillo y la nieta de la artista, Catalina Carrasco. "Estábamos trabajando en restauraciones, un catastro con restauraciones eléctricas y de sus obras más desconocidas. Y en un libro también, con su obra completa. Será una gran retrospectiva a partir de lo que ya hicimos en Telefónica. El tipo de obras que ella hacía eran tan distintas a la de su generación, por eso siempre se descubre algo nuevo en ella. Matilde se redescubrirá siempre", cuenta sobre la publicación.

Por décadas enfrentada a una virtual invisibilidad, la obra de la artista fue revalorizada hace poco más de 10 años en una exposición en el Museo de Bellas Artes, en 1999, la que fue curada por Ramón Castillo, responsable también de Matilde x Matilde, la exposición del año pasado en Fundación Telefónica. Mientras en Chile era parcialmente redescubierta, en el exterior su trabajo gozaba de prestigio, como lo atestigua la muestra del Museo Reina Sofía de España que reunió a los latinoamericanos más importantes del arte óptico, en la muestra Cinético(s), de 2007. En 2012 se le hizo un tributo en la Feria Pinta de Londres, el encuentro comercial de arte latinoamericano más importante del mundo, donde además se lanzó una serie de grabados realizados por la editorial española Polígrafa.

La figura de Matilde Pérez iba y venía. Gozaba de popularidad y luego volvía a quedar fuera de las modas que impregnan el circuito del arte. Para Ramón Castillo, el rasgo iconoclasta de la artista cinética fue su gran sello, tal como lo reconoció en la inauguración de Matilde X Matilde: "Matilde Pérez es un pensamiento. Hay escritos de una complejidad impresionante, donde afirma que busca la concepción pura de las formas, ya en la década del '60. Ella llegó a afirmar que "se puede hacer pintura sin pintura", finalizó.

Restauración de la fachada de la antigua Casa Consistorial de Antofagasta, actual Casa de la Cultura

El Edificio Consistorial de Antofagasta fue el resultado de un proceso desarrolado en torno al Centenario de la República, cuando la ciudad renovó su imagen urbana, construyendo una serie de edificios públicos.

El primer proyecto no construido, data de 1907, realizado por el arquitecto Miguel Zamora Figueroa.

La iniciativa se retomó en 1912, y se decidió hacer un concurso, cuyo resultado fue conocido en diciembre de ese año. Resultó ganador el ingeniero ítalo-árabe Luigi Abd-El-Kader. Las obras se iniciaron en 1913 y fueron realizadas por la empresa de Jaime Pedreny Gassó, un arquitecto catalán que residia en la ciudad y que se dedicó a la construcción.

En agosto de 1913, se encargó al arquitecto ítalo-chileno Leonello Bottacci que realizara un nuevo diseño para la fachada del edificio. Al parecer los regidores municipales no estaban conformes con el diseño de Abd-El-Kader, o querían algo más sofisticado de la excelente mano de Bottacci (autor de la incendiada Intendencia entre otros edificios en la región). En septiembre entregó el diseño y luego dirigió las obras.

En abril de 1914, se inició la ocupación del edificio, trasladando las oficinas desde el gran edificio de madera con amplias galerías en el segundo piso y con lucernarios (que aún existe) en la esquina poniente de calle Matta con Uribe.

En julio de 2014 se iniciaron las obras de restauración, y actualmente se puede apreciar su fachada totalmente renovada, con colores más adecuados a un edificio de ese refinamiento. Al parecer los se hizo un estudio de los colores originales del edificio. Un regalo a la imagen urbana de Antofagasta.

Obs.: Los datos históricos son del libro: Ahumada, María, et. al. Antofagasta: repertorio del patrimonio histórico más representativo de la ciudad: 1866-1930. Antofagasta: Universidad del Norte, 1982.

Duchamp antes del urinario. Exposición en el centro Pompidou de París, hasta el 5 de enero de 2015.

Vía El País.



Marcel Duchamp se adelantó al arte conceptual, elevó el objeto cotidiano a categoría creativa con los ready mades y revolucionó la idea que sus contemporáneos tenían de la belleza. Pero, antes de todo eso, Duchamp (1887-1968) fue un aprendiz de pintor en la Francia de entresiglos. Antes de contagiar su ironía desencantada al arte, Duchamp intentó dar con un lenguaje propio sobre la superficie del lienzo, como cualquier otro debutante de su generación. No tardaría en entender que la disciplina reina nunca lograría satisfacer sus necesidades creativas.

Una exposición abre sus puertas hoy en el Centro Pompidou de París para indagar en esa semidesconocida etapa de juventud, que concluye oficialmente tras su exilio estadounidense en 1915. Hasta el 5 de enero, la muestra celebrará la pintura firmada por un hombre al que la historia del arte ha tratado de asesino de la disciplina. “El objetivo no es rehabilitar al Duchamp pintor, ni tampoco afirmar que fue un genio del pincel”, aclara la comisaria Cécile Debray, consciente del carácter menor de muchas de sus obras. “He querido ver su pintura como un espacio de experimentación en el que se prefigura todo lo que vendrá después”. El museo vuelve a traer a Europa la práctica totalidad de la producción pictórica de Duchamp, perteneciente a la colección del Philadelphia Art Museum y expuesta en el continente en solo dos ocasiones anteriores. La primera fue en la gran retrospectiva con la que se inauguró el Pompidou en 1977, que restituyó a Duchamp en su propio país, seis décadas después del rechazo que le incitaría a romper con la pintura para buscar otras formas de expresión.

Incluso en sus años de madurez, cuando Warhol y Rauschenberg ya lo veneraban como a una leyenda viva, Duchamp seguía recordando cómo el círculo más ortodoxo del cubismo lo excluyó del Salón de los Independientes en 1912. El líder teórico del movimiento, Albert Gleizes, le exigió retirar uno de sus cuadros y mandó a sus dos hermanos, pintores menos alborotados (y, al final, menos influyentes), a comunicarle la mala noticia. “No contesté. Tomé un taxi para la exposición, cogí el cuadro y me lo llevé. Entendí que, después de aquello, nunca más volvería a interesarme por los grupos”, explicaría años más tarde al crítico Calvin Tomkins. Meses después volvió a presentar ese cuadro —Desnudo bajando una escalera, que reproducía el movimiento como en una fotografía estroboscópica— en el primer Armory Show de Nueva York, donde fue aplaudido a rabiar. Su destino apuntaba hacia el otro lado del océano.

Antes, ese Duchamp veinteañero experimentó fugazmente con las escuelas de la modernidad pictórica europea. Como demuestra la exposición, fue impresionista a los 16 años, antes de convertirse al fauvismo a los 19 y al cubismo a los 24. “Sin embargo, nunca se ajustó del todo al dogma de cada movimiento. Sus cuadros desprenden cierta libertad respecto a la ortodoxia de las vanguardias. Ya tenía pulsiones iconoclastas en la búsqueda de esa voz propia”, opina la comisaria. Sin embargo, no siempre fue un revolucionario. A la vista de las obras expuestas, Duchamp se parece más a un copista algo excéntrico de las tendencias en boga que al forajido del arte en el que se acabó convirtiendo.

La muestra compara su obra con la de algunos de sus contemporáneos. El francés pintó desnudos coloristas que recuerdan a los de Picabia y Matisse, retratos cubistas adulterados con la influencia del simbolismo —se apasionó por una figura marginal como Odilon Redon— y alguna ensoñación futurista que recuerda a De Chirico y a las novelas de Alfred Jarry. Mientras su generación reverenciaba a Cézanne, Duchamp afirmó admirar a artistas arrinconados como Eilshemius, pintor estadounidense menor que firmó lienzos llenos de figuras flotantes, pintadas sin perspectiva verosímil ni anatomía fiel a la realidad. “Las palabras faltan para definirla. Es una pintura que solo habla de sí misma”, se asombró Duchamp, inmerso en una pintura “distanciada del realismo absoluto” y “no tributaria de las escuelas existentes”. Una pintura "de la idea" y “al servicio del espíritu”.

En 1912, en una visita a uno de los salones aeronáuticos que fascinaron a su época, Duchamp vislumbró otro horizonte ante una avioneta. “La pintura ha muerto. ¿Quién podrá crear algo mejor que esta hélice?”, dijo a sus acompañantes, Léger y Brancusi. Meses más tarde presentaría su primer ready made: una rueda de bicicleta que no tenía nada que envidiar a la más refinada de las esculturas. Así confirmaba el fracaso de la pintura como modo de expresión, en el que solo reincidió dos veces más. En 1918, pintó Tu m’, misterioso encargo destinado a la mecenas del dadaísmo, Katherine Dreier (y ausente de la muestra por la negativa de la Yale University Art Gallery a cederlo). Duchamp tuvo problemas para terminar el que se considera su último cuadro. Siempre que no se contabilice El gran vidrio, obra mítica que dejó inacabada en 1923 tras trabajar en ella una década. Sobre ese doble panel de cristal, que encapsula un dibujo inacabado pintado al óleo que debía retratar a una novia desvestida por nueve hombres e ha especulado durante un siglo. André Breton, quien calificó a Duchamp como “el hombre más inteligente de su tiempo”, creyó descubrir en la obra una “interpretación cínica del fenómeno amoroso”. Octavio Paz, que frecuentó al artista en los cafés surrealistas, prefirió ver en ella un ejemplo de “metafísica de origen neoplatónico”. “Para Duchamp, dejarla inacabada fue una manera de reconocer su fracaso. Y, a la vez, ese final también es un nuevo principio. La obra está abierta a mil interpretaciones y anuncia la importancia que lo invisible terminará cobrando en el arte”, analiza Debray. En otras palabras, lo que el artista no pintó tiene tanta importancia o más que lo que vemos. Si la relación entre Duchamp y la pintura terminó, por lo menos lo hizo con un final abierto, en el que se intuye el arte que traería el futuro.

Ayer por la noche, después de los desórdenes, la región central de São Paulo aún tenia calles bloqueadas

Ver la noticia en El País Brasil.

“Colocaram a gente no chão, como se fôssemos bandidos”
Quatro famílias contam como foi a reintegração de posse do hotel abandonado no centro de São Paulo

Reintegração de posse acaba em guerra no centro de São Paulo
Policiais da Tropa de Choque entraram em confronto com sem-teto que ocupavam o prédio há seis meses

Vía Folha de São Paulo.



Após tumultos, região central de São Paulo ainda tem ruas bloqueadas

DE SÃO PAULO
16/09/2014 19h40 - Atualizado às 21h04

A região central de São Paulo ainda tinha ao menos três vias bloqueadas por volta das 21h desta terça-feira (16) após os confrontos registrados pela manhã e no final da tarde. Apesar disso, o clima já estava mais calmo e não havia registro de confrontos entre manifestantes e policiais militares.

Os bloqueios estavam na rua Xavier de Toledo, na altura da av. São Luís; na avenida São João, na altura da avenida Ipiranga; e no largo Paissandu. A Polícia Militar também reforçava a segurança na região.

Apesar do clima mais calmo, houve um confronto, por volta das 19h40 que deixou duas pessoas feridas no largo Paissandu. Policiais militares teriam reagido após serem atingidos por uma pedra e atiraram com balas de borracha. Um rapaz foi atingido no pescoço e um idoso na perna. Os dois foram socorridos.

A confusão desta terça começou ainda no início da manhã, com a operação da polícia para cumprir a reintegração de posse de um prédio invadido na avenida São João. Sem-teto atiraram móveis e objetos na polícia e foram alvo de bombas de gás. O tumulto se espalhou pela região, comerciantes fecharam as portas, e um ônibus foi incendiado em frente ao Theatro Municipal.

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Segundo a PM, 84 pessoas foram levadas a delegacias na região durante o tumulto, sendo 75 delas pessoas que se recusaram a sair do prédio ocupado. Também foram detidas duas pessoas sob suspeita de lesão corporal, seis por furto e uma mulher suspeita de incendiar um coletivo. A polícia não soube informar se todos estavam na ocupação.

Também foram registrados cinco policiais feridos levemente.

O clima de tensão diminuiu à tarde, mas tumultos recomeçaram por volta das 16h. Houve nova correria e lojistas voltaram a baixar as portas. Funcionários do comércio local foram liberados mais cedo e alguns saíram das lojas usando máscaras cirúrgicas para se proteger do gás lacrimogêneo que tomava a região.

Barricadas voltaram a ser montadas e a polícia usou bombas de efeito moral. Um ônibus teve os vidros quebrados e vândalos tentaram atear fogo no veículo, mas fugiram quando policiais chegaram. Um idoso, que não quis se identificar, ficou ferido na testa. Após as 18h30, porém, não foram mais ouvidas bombas na região e a PM disse não ter havido mais confrontos.

REINTEGRAÇÃO

A reintegração de posse começou por volta das 6h, quando equipes da Tropa de Choque cercaram o edifício ocupado pelo movimento FLM (Frente de Luta por Moradia). Os sem-teto atiraram pedras, cocos e objetos como sofás e móveis nos policias, que empregaram bombas de gás e balas de borracha.

Tanto a PM quanto o movimento sustentam que a outra parte agiu primeiro, e que só revidaram depois.

O tumulto tomou as ruas da região central de São Paulo e durou até, ao menos, por volta das 11h. O comércio, porém, só reabriu as portas por volta das 13h.

Confrontos também foram registrados nas ruas Barão de Itapetininga, Ipiranga, 24 de Maio, Dom José de Barros e próximo a região da praça da República. Houve tumulto, correria e a todo instante a PM lançava bombas de gás para tentar dispersar a multidão. Lojas foram atacadas e saqueadas.

Pessoas que cobriam o rosto com máscaras ou com a própria camisa ajudaram a incendiar o ônibus e tentaram arrombar lojas para fazer saques. Logo que começou a correria nas imediações do viaduto do Chá, lojistas fecharam os estabelecimentos nas ruas Xavier de Toledo, Sete de Abril, 24 de Maio e Barão de Itapetininga.

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Durante o tumulto no centro de São Paulo, mascarados fizeram barricadas e atiraram pedras contra a polícia. A Folha flagrou diversos ataques nas ruas do centro. A PM respondia com bombas e tiros. Uma pessoa passou mal com o cheiro forte do gás e precisou de atendimento.

Duas lojas de operadoras de celular foram saqueadas. Cerca de dez criminoso se aglomeram em frente ao estabelecimento, arrombam a porta e furtaram celulares e computadores das lojas da Claro e da Oi que ficam no calçadão da rua Barão de Itapetininga. Uma unidade do McDonald's na mesma rua teve as portas de ferro quebradas.

El cuerpo desnudo de una joven protesta en la 31ª Bienal de Arte de São Paulo: cosas que existen...

© Claudio Galeno.

En un acto de protesta y de performance, una mujer joven se desnudó hoy domingo en la 31ª Bienal de São Paulo. Los guardias trataron de contener a la desnuda que luego de cuando era retirada gritaba que la muestra era una hipocresía.

La Bienal en distintas versiones ha sido objeto de protestas em contra de la institucionalización del arte, para lo cual se controla cuidadosamente el acceso a los recintos con sensores de metales, pero una poderosa arma no puede ser detectado, el propio cuerpo humano.

© Claudio Galeno.