Joaquín Torres García. Obra Viva. Centro Cultural La Moneda, 12 abril-28 julio 2019

Vía CCPLM.

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Obra Viva presenta un recorrido por la vida y el legado del artista con obras realizadas en una variedad de técnicas, como óleo sobre tela, pintura sobre papel, cartón, madera, juguetes articulados y publicaciones, que revelan su desbordante creatividad. La curaduría es un trabajo entre el Museo Torres García, que dirige Alejandro Díaz Lageard, y el equipo del Centro Cultural La Moneda, encabezado por su directora, Beatriz Bustos Oyanedel.

“Esta co curaduría ha permitido reunir una muestra única que incluye obras del Museo Torres García, piezas provenientes del Museo Nacional de Artes Visuales de Uruguay, del Museo de la Solidaridad y también de colecciones privadas, lo que transforma a esta exposición en una oportunidad para contemplar obras poco exhibidas, con una mirada integral al universo de Torres García”, explica Beatriz Bustos Oyanedel.

Obra Viva es un viaje por el mundo de Torres García, que revisa desde las creaciones del ámbito de lo familiar hasta su actividad como maestro y su evolución como artista y pensador, sus obras tradicionales y la creación del Universalismo Constructivo. “Es una muestra inédita porque nunca se había llegado a mostrar los distintos universos de Torres García en relación entre ellos”, apunta Alejandro Díaz, director del Museo Torres García.

La muestra da cuenta de su trayectoria y sus facetas. Se exhibe desde su primera obra, Retrato del Señor Gandelbeu, realizada en 1886, cuando tenía tan solo 12 años; y se presenta también su escritorio original, traído desde Montevideo. Ocupan un lugar muy importante sus juguetes, que después se comercializarían como Juguetes Aladdin, y que revelan lo más lúdico del artista; esas creaciones incluyen los teatritos que construyó para sus hijos, que son expuestos junto a sus decorados y personajes intercambiables. Estas piezas, así como las de la sección dedicada a su familia, muestran la perspectiva más íntima de Torres García.

La exposición Obra Viva busca convocar tanto a los adultos como al público infantil: es así como en la Sala Pacífico se exhibe una mesa con réplicas de Torres García, que podrán ser manipuladas por los asistentes, para experimentar la creatividad a través del juego como motor del arte, una de las premisas del artista uruguayo. “Tanto en esta exposición, como en la de J.M.W Turner que está en Sala Andes, quisimos dar la señal de que con muy poco, con una materialidad mínima, se puede crear y construir grandes obras e interpelar las emociones”, agrega Beatriz Bustos.

Otro hito fundamental en Torres García es su faceta como pensador, rompiendo con el lenguaje imperante para pensar el Sur desde el Sur. En la muestra está presente su obra icónica América invertida (1943), con la que declara: “Nuestro norte es el Sur. No debe haber norte, para nosotros, sino por oposición a nuestro Sur. Por eso ahora ponemos el mapa al revés, y entonces ya tenemos justa idea de nuestra posición, y no como quieren en el resto del mundo. La punta de América, desde ahora, prolongándose, señala insistentemente el Sur, nuestro norte”.
El hombre universal

Desde su quehacer artístico, docente y filosófico, Torres García siempre abogó por la búsqueda de un arte puro, asentado en la comunicación entre el ser humano y el orden cósmico, desde donde surgió su concepto Universalismo Constructivo.

Nacido en Montevideo, hijo de padre catalán y madre uruguaya, mostró desde muy temprana edad su interés por la pintura. A los 17 años migró con su familia a Barcelona, donde descubrió de golpe una cultura y una ciudad intensa. El viaje se transformó en una constante en su vida: deambuló por otras ciudades del mundo como Nueva York y París.

Su rol como padre y docente lo alejó de la clásica imagen del artista solitario, para dar paso a la de un hombre simple y sencillo, que buscaba el sustento de su familia, junto a su mujer Manolita Piña de Rubíes.

En Nueva York fundó su fábrica de juguetes artesanales. Dichas piezas no eran de porcelana o de cartón, eran juguetes sólidos de madera, pintados con colores llamativos y diseñados para soportar los golpes y sacudidas de los niños, partiendo por sus propios hijos.

Posteriormente, residiendo en París, fundo el movimiento de artistas abstractos Cercle et Carré (Círculo y Cuadrado) del que fueron parte importantes artistas avant garde como Piet Mondrián, Michel Seuphor y Sophie Taeuber-Arp. De vuelta a Uruguay se dedicó a su taller, la Escuela del Sur, donde formó a generaciones de artistas con un sello tan particular que se define como un movimiento artístico propio.

Coordenadas

12 de abril – 28 de julio | 2019
Lunes a domingo | 9:30 a 19:30 horas
Sala Pacífico | Nivel -3
Entrada general $3000, estudiantes y convenios $1500
Tercera edad y niños menores de 12 años entrada liberada en todo horario
Público general entrada liberada todos los días desde las 15:00 horas

Vergara Grez y el Geometrismo. Por Andres Sabella.

Vía El Mercurio de Antofagasta.



Mejillones es cuna de dos artistas que, distintos en su expresión, juntan sus ímpetus en un mismo fuego de hallazgos: el poeta Neftalí Agrella vive en la aventura de la palabra nueva. Ramón Vergara Grez, nacido el 31 de agosto de 1923, pinta en rechazo de cómodos asaltos a la realidad, escogiendo para sus telas la dificultará del hacedor de formas. Su arte es geométrico, goza la inmensidad de sus visiones, pasándolas a nosotros, como señales de un mundo al que sólo pueden penetrar los que desterraron de sus ojos el espectáculo "de todos", para ceder espacio al espectáculo "de uno mismo".

En 1961, Vergara Grez declaró que:

"Comprendí que la pintura es por una parte, las líneas, los planos y los colores y, por otra parte, la ordenación de esto en el plano de la tela".

Se enfrentaba a la pasión que exigiría en todos los desgarramientos: el orden, la pureza que, únicamente, soporta existir en "espacios vírgenes". El Grupo "Rectángulo" nació de algunos desvelados que Vergara Grez encabezada, en 1956, guiándolos hacia utopías de formas. Durante 23 años, no se debilitó el brío de las líneas augurales. Hoy el Movimiento "Forma Y Espacio" lo prolonga, victoriosamente.

El arte geométrico chileno que lo encarna, se levanta sobre tres fuerzas decisivas: lo subjetivo, lo mítico y lo mágico. La Geometría les permite a sus cultores disfrutar "la magia de las líneas", liberándolos del artista-espejo y reemplazándolos por el artista-surco.

Vergara Grez "pinta despierto", despierto al mandato secreto de los sueños que lo turban. Estos sueños, robustecidos por la nostalgia que lo obligaron a pintar, recientemente, una tela de laboriosa ternura: "Te devuelvo tu Iglesia, Mejillones", donde las formas rigurosas recuerdan el rigor de la memoria de su infancia. Un día, lo esperamos, esta obra será ocasión de visitas a Mejillones, su contraseña de valor.

Con Ramón Vergara Grez comparten por la plenitud de la línea -madre, varios pintores, empecinados porque el arte geométrico dé a nuestra América el encantamiento incesante de sus leyes de gracia.

Andrés Sabella

La desconocida ruta del arte abstracto en Chile sale a la luz

Vía La Tercera.

Por Denisse Espinoza A.

El Centro Cultural La Moneda exhibe La revolución de las formas: 60 años de arte abstracto en Chile, una muestra que reivindica la obra de más de 40 artistas fascinados por el espacio, la forma y el color.


Desintegración en el espacio (1961), de Elsa Bolívar (1930), obra MAC

Candidata eterna al Premio Nacional de Arte, Matilde Pérez fue una de esas artistas que dedicó su vida a una obra personal, alejada totalmente de las convenciones, modas y cánones del arte. Se intuía que su perseverancia y talento -que la hicieron pionera del arte cinético en el país- merecían un reconocimiento mayor; sin embargo, en 2014 murió a los 94 años, sin recibir el galardón estatal. En los últimos años, eso sí, gozó de una inesperada valoración internacional que se vio enmarcada por el auge que experimentó el arte abstracto geométrico alrededor del mundo. En 2007, la obra de Pérez llegó al Museo Reina Sofía de Madrid, en 2010 tuvo una retrospectiva itinerante en París, Berlín y Sicilia, y en 2012 la Feria Pinta de Londres le rindió un homenaje. Fueron los últimos destellos de una artista que en su época de mayor producción, entre los años 50 y 60, no fue reconocida por el medio chileno.

Tras la figura de Matilde Pérez, hay una larga lista de creadores que como ella cultivaron una fascinación por el espacio, las formas y el color, en tiempos en que la figuración y la representación de la realidad eran aún lo que primaba en las Escuelas de Arte. Artistas como Ramón Vergara Grez (1923-2012), Gustavo Poblete (1915-2005), Elsa Bolívar (1930), Claudio Girola (1923-1994), Ennio Iommi (1926-2013), Carmen Piemonte (1930) e Ivan Vial (1928-2016) fueron los exponentes de un movimiento que tuvo, en términos de mercado y coleccionismo, poca influencia, y que hoy es destacada en la muestra La revolución de las formas: 60 años de arte abstracto en Chile que se inauguró esta semana en el Centro Cultural La Moneda (CCPLM). La exposición reúne a 42 creadores, con más de 200 piezas, entre pinturas, esculturas, collages y fotografías.


Cuarto observatorio (1976), de Robinson Mora (1947), colección privada.

Curada por el historiador del arte y director de la Escuela de Arte de la U. Diego Portales, Ramón Castillo, la muestra funciona como una cartografía del movimiento abstracto, pero individualiza la obra de cada creador en su propio universo personal. Aunque en los últimos 15 años se ha rescatado la obra de ciertos artistas como Claudio Girola o Gustavo Poblete, y se han montado exhibiciones colectivas impulsadas por investigadores como Ernesto Muñoz o Carlos Navarrete, la exposición en el CCPLM se alza como una de las de mayor envergadura en una vitrina masiva y tiene la expectativa de llegar a miles de personas. “Es una exposición ambiciosa, que tiene una narrativa integradora de artistas que si bien trabajaron dentro de un mismo movimiento, muchos no se relacionaron ni expusieron juntos. La mayoría de estas obras estaban abandonadas, arrumbadas en las bodegas y entretechos de los artistas y no habían visto la luz; otras han sido rescatadas en los últimos años por coleccionistas que entendieron el gran valor que tienen, y la minoría pertenece a instituciones públicas”, cuenta Castillo.

La investigación y rastreo de las piezas demoró tres años y fue liderada por el académico junto a un equipo de coleccionistas privados: los estadounidenses David y Rita Hughes, el sueco Jonus Bartholdson y el chileno Carlos Cruz Puga. En ese periodo, además, llamaron a curadores extranjeros a conocer las obras, como el cubano Osbel Suárez -quien invitó a Matilde Pérez a la muestra en el Museo Reina Sofía-; la argentina Cristina Rossi y el venezolano Jesús Fuenmayor, quienes quedaron impresionados por la diversidad de autores enmarcados en el movimiento, que justamente en Argentina y Venezuela se transformó en uno de los más importantes, con artistas como Julio Le Parc y Jesús Rafael Soto, a la cabeza. “Los curadores simplemente no lo podían creer, todos desconocían estas obras y se preguntaban qué había hecho el público y el mundo cultural chileno con ellas. Por suerte ahora hay una euforia por este tipo de obras y los privados han comenzado a tomar conciencia de su valor”, comenta el académico.


Radiografía de la imagen (1958), de Ramón Vergara Grez (1923-2012), colección privada.

Grupos y reformas

La exposición parte marcando un nuevo hito en el desarrollo del arte abstracto en Chile. Aunque se suele situar su origen en los años 50, Castillo retrocede en el tiempo hasta los años 20: el recorrido parte con obras del uruguayo Joaquín Torres García y el argentino Emilio Pettoruti, quienes influyen en los artistas locales. De Chile, destaca Luis Vargas Rosas (1897-1977), fundador del Grupo Montparnasse, quien vuelve de París en los 30 con el germen de la abstracción; en su caso, uno donde las formas se inspiran en la naturaleza. Paisajes, árboles y flores que van sintetizándose hasta cobrar orgánicos movimientos sobre la tela. Los caligramas de Vicente Huidobro, coloreados por la artista abstracta Sara Malvar (1894-1970), también son parte de los antecedentes de un arte más concreto y constructivo.

Luego de eso, la muestra hace un salto a los años 50, específicamente 1952, con la muestra Arte Concreto, primera exposición en Chile que se realizó en el Hotel Miramar de Viña del Mar, y que fue protagonizada, entre otros, por los argentinos Ennio Iommi y Claudio Girola, quien se radicó en Chile y fue uno de los fundadores de Amereida, la Escuela de Arquitectura de la U. Católica de Valparaíso, otro eslabón perdido del arte abstracto en el país. De Girola se exhiben esculturas hechas con delgadas planchas de bronce que desafían la gravedad.

Dispuestas en la sala Andes, las obras de estos primeros años van hasta mediados de los 60. Un muro completo está dedicado a Ramón Vergara Grez, fundador del grupo Rectángulo (1955-1960), y otro para Gustavo Poblete que lideró el Movimiento Forma y Espacio, junto a Elsa Bolívar, quien también despliega su trabajo a muro completo.

Cruzando el hall, en la Sala Pacífico, se exhibe el resto de la historia. En 1968 se inicia la Reforma Universitaria en la U. de Chile y aunque hasta hoy muchos ven el movimiento de arte abstracto como simple decoración, éste fue parte fundamental en el cambio de estatutos que incluían asignaturas de forma, espacio y color con Gustavo Poblete, como director del Departamento de Artes de la U. de Chile, a la cabeza. También había de muralismo, dictado por Laureano Guevara. El Golpe de Estado de 1973 desmanteló todo el proyecto.

Entre los artistas menos conocidos hay rescates importantes como el antofagastino James Smith Rodríguez, quien fue miembro de editorial Quimantú y luego se fue exiliado a Holanda; Alejandro Siña, artista de formación ingeniero quien trabajó la abstracción con neones y llegó a estudiar en el MIT de EEUU; o Cornelia Vargas, quien inventó un sistema matemático para sus obras, llamado el “cuadrado mágico” y quien con 84 años fue la única que quiso hacer obras nuevas especiales para esta exposición.

Entre las razones de la poca recepción que tuvieron estos trabajos, enumera el curador, está el hecho de que la mayoría de los artistas provenían de la U. de Chile, la cual los acoge, pero a su vez los aísla, dejando que la producción se desarrolle sólo en sus talleres y aulas. Además de la poca riqueza cultural de la escena chilena: en esa época no hay ni coleccionistas ni instituciones que reciban este acervo y las muestras que algunos logran hacer en el Museo de Arte Contemporáneo o en el Museo de Bellas Artes son de entrada y salida, ninguna queda en el patrimonio público del país. “Más que conservadurismo, yo diría que hubo ignorancia, simplemente no se sabía qué era esto. Es un mal nacional: se menospreció lo propio pensando que lo que se hace acá es copia de otras partes y se equivocan, esto fue completamente original y nuestro”, concluye Ramón Castillo.

La revolución de las formas. 60 años de arte abstracto en Chile

Vía CCPLM.



La gran exposición de patrimonio nacional que exhibe 214 obras de 42 artistas, realizadas entre mediados del siglo XX y la primera década del siglo actual, da cuenta de una parte fundamental de la historia del arte en Chile y Latinoamérica.

Una exclusiva recopilación realizada entre colecciones privadas y públicas, chilenas y extranjeras, que incluye pinturas, dibujos, fotografías y esculturas que rescatan la expresión del movimiento de la abstracción en Chile desde sus inicios, con la simplificación de las formas, hasta el desarrollo de un arte concreto y constructivo que explora nuevos lenguajes, más cotidianos y cercanos, integrando el arte con elementos de la arquitectura, la ciencia, el diseño, el urbanismo, la literatura y la música.

A través de esta exposición el Centro Cultural La Moneda ha querido reconocer y rescatar el ímpetu y la envergadura del movimiento de los artistas geométricos, abstractos, concretos y cinéticos, así como también agradecer a los coleccionistas privados que han resguardado parte de estas obras y que hoy comprenden la importancia de ponerlas en valor facilitando su exhibición en este Centro Cultural y para todos los chilenos.

Exposición curada por el doctor en Historia del Arte, Ramón Castillo.

Del 23 de marzo al 28 de mayo | 2017
Salas de exposición: Andes y Pacífico | Nivel -3
Lunes a domingo | 9:00 a 19:30 horas
Entrada general $3000, estudiantes, tercera edad y convenios $1500
¡Gratis todos los días hasta 12:00 horas!

Plaza de la Ciudadanía 26, Santiago, Chile | Metro La Moneda | +56 223556500

Arte integrado en el desaparecido Hotel Turismo de Copiapó (actualizado el 21.05.2017)

Postal del Hotel Turismo de Copiapó (P 2800/5), editada por Grota, Grohmann y Cía, Valparaíso.

El Hotel Turismo u Hotel Diego de Almeida de Copiapó, fue una obra de HONSA, cuya construcción se inició a fines de los años 50 para terminarse alrededor de 1960. Por esos años los establecimientos construidos por la Hotelera Nacional SA, integraban obras de arte en sus arquitecturas. El artista a cargo de estas piezas era el diseñador Thomas Roessner, quien estuvo a cargo de esa labor hasta 1959.

No obstante, el mural que se divisa en la postal de Grota fue realizado por el artista Claudio di Girolamo en 1959 y se titula "Homenaje a la minería".

El Hotel fue demolido en una fecha no identificada para dar paso a un edificio posmoderno de mayores dimensiones sin ningñun valor arquitectónico. El mural fue integrado a ese nuevo edificio, sin embargo el año 2007 estaba en grave estado de deterioro como indica esta nota de prensa del Diario Atacama:

"Anita Anselmo es el nombre de la restauradora y conservadora que revisará detalladamente el miércoles el mural "Homenaje a la minería", realizado por Claudio Di Girolamo en 1959 ubicado en el Hotel Diego de Almeida. Así lo señaló la directora regional de cultural Carolina Armenakis, que indicó que ya se conversó con la administración del Hotel Diego de Almeida para que el mural no se toque hasta esa fecha. La autoridad cultural indicó eso sí, que todavía no se tiene claro en dónde se instalará el mural y algunas opciones son la Alameda Manuel Antonio Matta y el museo mineralógico de la Universidad de Atacama. Armenakis manifestó que están conscientes que se está luchando contra el tiempo, así que la restauradora revisará lo trabajado por la comisión técnica que se conformó con especialistas y artistas, y ella indicará cómo trasladar el mural."


Detalle de postal que revela el mural en la galería de acceso al edificio.


Postal del Hotel Turismo de Copiapó (544-16), editada por Codarte, Viña del Mar.

Virginia Huneeus, muralista abstracta, por Mariano Herrera . Zig Zag, 24 de enero de 1964

Se inició evocando la fuerza plástica del paisaje accidenta­do de Chile, y su obsesión era le Cordillera de los Andes.

Exposición de la Colección Cubista de Telefónica, Museo de Bellas Artes de Granada (Palacio de Carlos V), Alhambra, hasta el 29 de febrero.

Fechas de la Exposición: hasta el 29 de febrero de 2016.

Lugar: Museo de Bellas Artes de Granada (Palacio de Carlos V).

Horario de visita:

- De martes a sábado, de 9:00 a 18:00 horas.
- Domingos y festivos, de 9:00 a 15:30 horas.
- Lunes, cerrado.

Acceso: gratuito.



Vía Granada Hoy.

Aquel cubismo renovador

La exposición nos muestra una colección centrada en la figura de Juan Gris, sus contemporáneos en París y la internacionalización del estilo en España y Latinoamérica.

Por Bernardo Palomo

Una de las revoluciones artísticas más contundentes y más determinantes que se han dado a lo largo del discurrir de lo artístico ha sido, sin lugar a dudas, aquella que Pablo Ruiz Picasso y George Braque llevaron a cabo, en París, a finales de la primera década de la anterior centuria y que pasó a la historia con el nombre de Cubismo. Con el cubismo el concepto de vanguardia artística tomó absoluta carta de naturaleza manifestándose en una nueva plasmación y en una nueva concepción estética; una concepción estética que convulsionó la pintura transformando muchos de los esquemas representativos al uso y modificando las líneas generales de una figuración que, desde entonces, cambió sus formulaciones habituales.

La pintura, sobre todo, asume una dimensión que rompe, por completo, los argumentos habidos hasta aquel momento en el que Picasso realiza Les Mademoiselles d'Avinyó" y, poco tiempo después, Braque pinta Maisons à l'Estaque, aquel cuadro del que llevó a afirmar al crítico Louis Vauxcelles: "Braque maltrata las formas, lo reduce todo -lugares, figuras y casas- a esquemas geométricos, a cubos". En el nuevo sistema pictórico, los elementos constitutivos de la escena se descomponen, existe una deconstrucción de la imagen, los puntos de vista se distorsionan y varían las propuestas visuales; la perspectiva tradicional, aquella que se ha venido repitiendo a lo largo de los siglos y asumida como válida, adopta una nueva entidad, rompiendo con ello su habitual planteamiento, sus modos y sus formas y aceptando un estado representativo que marcaba infinitas nuevas perspectivas. Desde aquellos momentos, todo en el arte, iba a tener imprevistos desarrollos, infinitos desenlaces y nueva identidad que, podría gustar o no, pero que, jamás iba a dejar indiferente.

Muchos son los artistas que han abrazado el credo cubista, bastantes los que, a lo largo de su apasionante discurrir, han impuesto su carácter y su particular sistema creativo dando trascendencia y variedad a una estética donde la forma impone su potestad sobre el fondo.

Una de las mejores colecciones que existen sobre pintura cubista está en posesión de la Fundación Telefónica; ésta,con buen criterio, ha decidido darle un sentido itinerante y llevarla por importantes espacios expositivos. Ahora llega al Museo de Bellas Artes de Granada para mostrar su especial sentido allí donde tantas significativas piezas de la mejor tradición pictórica española ejercen su determinante función de siglos.

La exposición nos muestra una colección centrada en la figura de Juan Gris, aquel pintor nacido como Juan Victoriano González-Pérez y que llevó la técnica cubista a los más altos, variados y trascendentes estamentos.

Un buen conjunto de obras del artista madrileño que abrió muchos los primeros planteamientos del estilo y permitió proposiciones más amplias y variadas se presentan en las salas del bello palacio renacentista de Granada. Junto a Juan Gris, nos encontramos obras de algunos artistas del núcleo cubista parisino - André Lhote, Albert Gleizes, Jean Metzinger o Louis Marcoussis. También cuadros de tres de los pintores cubistas españoles más importantes: de la santanderina María Blanchard, con sus poderosísimos bodegones de muy especial geometrismo, del onubense Daniel Vázquez Díaz y de ese granadino, nacido en Jaén, que fue Manuel Ángeles Ortiz, con su particular concepción pictórica de índole reduccionista.

La tercera parte de la exposición la constituye el cubismo que tiene su centro de interés en algunos de los más importantes artistas latinoamericanos, entre los que destacan los uruguayos Joaquín Torres García y Rafael Barradas, los argentinos Xul Solar y Emilio Pettoruti, el chileno Vicente Huidrobro, autor de unos caligramas donde pintura y texto se yuxtaponen a la perfección, así como el brasileño Rego Monteiro.


Una exposición que nos conduce por los registros únicos de aquella estética que rompió los esquemas de una representación que, en la Historia del Arte, se había hecho longeva y que los artistas cubistas rompieron para que lo artístico y sus circunstancias presentaran unas nuevas maneras que marcaran, también, nuevos surcos en un discurrir artístico que, desde entonces, ya todo fue muy diferente.

Juan Salva, exposición pictórica, hasta el 27 de noviembre en al Zócalo de la Biblioteca de la Universidad Católica del Norte, Antofagasta

Vía El Nortero.

El artista visual y Licenciado en Artes plásticas Juan Salva, nos muestra su último trabajo que recoge en cada uno de sus trazos la fuerza de la tradición andina, con su música y danzas propias de la religiosidad popular.

Como reseña su amigo y ex profesor, Waldo Valenzuela, "cuando nos acercamos a su obrar pictórico es como acercarse a un fenómeno natural, nos asomamos a observar los movimientos de una materia pictórica a punto de entrar en erupción..." Razón suficiente, para visitar esta muestra que es reflejo fiel de nuestra realidad como región.

La exposición estará abierta a todo público, en forma gratuita hasta el 27 de noviembre en el Zócalo de la Biblioteca de la Universidad Católica del Norte.

Para agendar visitas tomar contacto con: gahumada@ucn.cl

Exposición Pictórica Individual Juan Salva
Dirección: Avenida Angamos 0610
Lugar: Zócalo Biblioteca Universidad Católica del Norte
Ciudad: Antofagasta

Un link a un escrito de Claudio Galeno sobre el trabajo de Juan Salva.

Muere la artista visual Matilde Pérez, pionera del arte cinético chileno

Vía La Tercera.

La influyente artista, de 97 años, falleció esta tarde. Se encontraba postrada en cama desde el año pasado.
por Jorge Letelier F. - 01/10/2014 - 18:50

La artista cinética chilena Matilde Pérez, pionera en el país de esta corriente modernista, murió hoy a los 97 años, producto de un paro cardiorespiratorio.

Pérez será velada desde mañana en la Iglesia San Patricio, ubicada en Isabel la Católica con Manquehue, Las Condes. Su funeral se realizará el viernes en el Parque del Recuerdo (Huechuraba).

La información fue confirmada por su hijo, Gustavo Carrasco, quien manifestó que la artista falleció por un paro. "Los últimos meses estaba en cama, pero lúcida, con sus capacidades cognitivas intactas. Este lunes volví de un viaje y su estado había cambiado. Se encontraba durmiendo sin reacción, como en un sueño profundo. Ayer llamé a Help y comenzaron un tratamiento de suero, pero no reaccionó", cuenta.

Matilde Pérez fue un nombre propio en el arte moderno chileno de la segunda mitad del Siglo XX. Pero recién en la última década fue revalorizada como una artista fundamental de la escena. Tuvo su primera gran retrospectiva en enero del año pasado en Fundación Telefónica, Matilde X Matilde, Espacio móvil, donde se reunió obra inédita, textos, bocetos y material de trabajo, la que fue muy visitada por el público.

Dueña de una personalidad de muy bajo perfil, la artista siempre transitó por debajo de la oficialidad del arte chileno. "Yo funciono para el que quiera conocerme. El que no quiera, está bien. No tengo responsabilidades con nadie. Nunca me he preocupado si en Chile me reconocen", dijo Pérez para la inauguración de Matilde X Matilde, un poco aludiendo al Premio Nacional de Arte que nunca se le entregó.

La artista tuvo la importancia de introducir las primeras corrientes modernistas en el arte pictórico chileno, a comienzos de los años cincuenta con la abstracción geométrica, y luego con las enseñanzas del arte cinético que aprendió del húngaro Victor Vasarely, en París en 1960.

En su juventud, su búsqueda por encontrar nuevos lenguajes expresivos en el arte la llevó a ser parte del Grupo de los Cinco, y luego del Grupo Rectángulo, con el que expresó su rechazó a la tradición figurativa.

El momento clave fue su encuentro en París con Vasarely, a inicios de la década del 60', de quien aprendió las posibilidades de la abstracción geométrica y el trabajo sobre la forma y el color. Sus investigaciones en ese entonces la llevaron a transitar un camino único en el arte local, el que fue poco reconocido. A través de pinturas, collages, esculturas acrílicas o metálicas, Pérez trabajó incesantemente con las posibilidades de la creación del movimiento -a través de la ilusión óptica- y también del movimiento real producido por la electricidad.

"Su figura es única, anómala, muy secreta y singular. Por eso es que creo que no hubo una atención crítica hacia su trabajo antes. Era una artista solitaria, singular, de bajo perfil. Ella logró sin hacer mucho que se instalara esa atención crítica. Fue responsable de ocuparnos y detenernos a leerla, a intentar comprender su arte", explica el curador y Director del Parque Cultural de Valparaíso, Justo Pastor Mellado.

Entre sus obras públicas más conocidas figuran el Túnel Cinético (arriba) que expuso en el Instituto Chileno-Norteamericano, en 1970, y que fue reconstruido para la muestra Matilde X Matilde. Y el Friso que construyó en el Centro Comercial Apumanque en 1982, y que fue desmontado en 2007, el que ahora permanece en la Univ. de Talca.

La gestora cultural Morgana Rodríguez, también participó del revival de Matilde Pérez en los últimos años, y fue parte del equipo que preparó Matilde X Matilde, y se encuentra preparando un libro junto al curador Ramón Castillo y la nieta de la artista, Catalina Carrasco. "Estábamos trabajando en restauraciones, un catastro con restauraciones eléctricas y de sus obras más desconocidas. Y en un libro también, con su obra completa. Será una gran retrospectiva a partir de lo que ya hicimos en Telefónica. El tipo de obras que ella hacía eran tan distintas a la de su generación, por eso siempre se descubre algo nuevo en ella. Matilde se redescubrirá siempre", cuenta sobre la publicación.

Por décadas enfrentada a una virtual invisibilidad, la obra de la artista fue revalorizada hace poco más de 10 años en una exposición en el Museo de Bellas Artes, en 1999, la que fue curada por Ramón Castillo, responsable también de Matilde x Matilde, la exposición del año pasado en Fundación Telefónica. Mientras en Chile era parcialmente redescubierta, en el exterior su trabajo gozaba de prestigio, como lo atestigua la muestra del Museo Reina Sofía de España que reunió a los latinoamericanos más importantes del arte óptico, en la muestra Cinético(s), de 2007. En 2012 se le hizo un tributo en la Feria Pinta de Londres, el encuentro comercial de arte latinoamericano más importante del mundo, donde además se lanzó una serie de grabados realizados por la editorial española Polígrafa.

La figura de Matilde Pérez iba y venía. Gozaba de popularidad y luego volvía a quedar fuera de las modas que impregnan el circuito del arte. Para Ramón Castillo, el rasgo iconoclasta de la artista cinética fue su gran sello, tal como lo reconoció en la inauguración de Matilde X Matilde: "Matilde Pérez es un pensamiento. Hay escritos de una complejidad impresionante, donde afirma que busca la concepción pura de las formas, ya en la década del '60. Ella llegó a afirmar que "se puede hacer pintura sin pintura", finalizó.

GRAFITI CARBON

© Claudio Galeno

Un "rayado" en un muro de una oficina salitrera (nitrate company) hecho con carbón, muestra la obra de un artista anónimo que represento algunos personajes de una forma muy naif, pero justamente en esa ingenuidad radica su interés, el grafiti al ser hecho con carbón, le entrega un carácter rupestre.

MONUMENTO A JUAN LOPEZ, ARTISTA OSVALDO VENTURA, ANCLA DE ORO. SOBRE SU DESTRUCCIÓN Y RECONOCIMIENTO

Quiero dejar algunas reflexiones sobre el accidente con la escultura de Juan Lopez.

Osvaldo Ventura López, su creador, fue un artista lider entre generaciones de artista de Antofagasta, siendo muy relevante durante la modernidad (siglo XX), junto a varios otros de diversa indole como la pintora Chela Lira, el escritor Mario Bahamondes, el poeta Andrés Sabella y el arquitecto y escultor Jorge Tarbuskovic (dejando de mencionar a muchos, pero si colocaramos a todos la lista seria larga y habria que dividirla en generaciones).

Un documento de mucho valor sobre el tema es la publicación "Pintura Antofagastina. Desde Soto Moraga a nustros días", editada en 1968, por la Sociedad de Bellas Artes de Antofagasta (fundada en 1942), especialmente por Ibar Méndez Trujillo, Osvaldo Ventura Lopez (él mismo) y el crítico de arte Danilo Tacussis Estay. En el texto, ubicable en la Biblioteca Municipal, podrán observar el desarrollo del arte en Antofagasta hasta esa fecha (edición).

Inauguración © Mercurio de Antofagasta

Pero la historia del arte tenia antecedentes, y además sigue desde esta época dorada, junto con las Escuelas de Arte de la Universidad del Norte y de la Universidad de Chile. Prueba de ello lo podrán observar en coleciones institucionales como la de la UCN, o del Museo Andrés Sabella, además de muchas obras en manos de privados.

Pero volvamos sobre Osvaldo Ventura, quien erguió un gran monumento sobre Juan Lopez en 1979. ¿Cual es el motivo de su destrucción? ya que la obra integraba el listado de monumentos del Consejo de Monumentos Nacionales (http://www.monumentos.cl/). Muchos podrán decir que fue la casualidad sin duda, pero forzada por una falta de pericia técnica de los responsables de la obra y falta de control.

Recordemos la nota del Mercurio del 6 de marzo de 2006, cuyo titular era
"Preparan traslado de monumento a Juan López
Escultura será reubicada en futuro bandejón central. Autoridades garantizan preservación"
Decia además:
"Así lo garantizó el seremi de vivienda, Hernán Rodríguez, quien recalcó que la suerte de esta obra de arte no está al azar, dado que hay una ley que vela por el cuidado de los monumentos, y además, porque es un referente de la ciudad.
Ante esta situación el visitador especial del Consejo de Monumentos Nacionales, Branko Marinov, explicó que "esta tradicional escultura que pertenece al difunto artista antofagastino Osvaldo Ventura, antes de ser removida de su lugar, debe tener la autorización del Consejo Nacional de Monumentos, antes de realizar, las obras, ya que la integridad de esta escultura es de gran valor para la comunidad", señaló."

Pero no dejo de sorpreenderme al oir a colegas cultos, contentos por su destrucción. ¡Esta bien no tiene porque ser de gusto general! Pero como sonaria oir a alguien feliz por la destrucción de Brasilia, o del edificio de la CEPAL, ¿por que despreciar los monumentos modernos del ser humano? mucho más cuando han sido tan dificiles de levantar en nuestro desierto de Atacama.

Acertadamente el periodista Ramos ha identificado los sucedido como "el pago de Chile", maldita frase que no deja de moverse en mi mente, ya que coincide con lo ocurrido al arquitecto Tarbuskovic, quien ya mayor, se vio mal involucrado en una calumnia, y destruida su reputación despues que había trabajado arduamente por la ciudad desde casi recien titulado, um hombre dedicado a Antofagasta renegado por la sociedad.

Ahora Ventura, despues de muerto, desprecian su obra. Pero sin duda es puro desconcimiento. Una de las cosas que ha surgido, sabiendo entre los conocedoras de esa vieja escuela de artistas, es asociarla a la dictadura, y eso es complicado, creo que la inauguración de la obra en dictadura no es exactamente una filiación. ¿Y si lo hubiese sido? ¿habría muerto Ventura en Iquique, ayudado solo por algunos parientes, despues de haber estado recluido en el Asilo de Ancianos, despues de toda su obra...?

Monumento aos pracinhas, Ceschiatti, 1960, Rio de Janeiro © Wikipedia

Esa obra especifica, la destruida, sobre Juan Lopez, sin duda está inspirada en las tendencias plásticas del siglo veinte para monumentos, y un ejemplo digno de igualar es el artista brasileño Alfredo Ceschiatti, con sus diversas obras. Una de ellas es justamentente para rendir tributo a los militares (pracinhas) brasileños muertos en la segunda guerra, en Rio de Janeiro, de hecho es una obra abstracta, que mezcla arquitectura, arte, y paisaje, increible. Muy próxima a la idea de Juan Lopez, monumental frente a ese Monumento del Consorcio Hotelero, el Hotel Turismo. Tambien se pueden apreciar obras de Alfredo Ceschiatti en Brasilia, el escultor de Niemeyer, un declarado socialista. Sus escultura son muy conocidas ya que han sido muy fotografiadas, por ejemplo las chicas que se lavan el pelo en las fuentes del Palacio de la Alvorada, conocidas como las bañistas, los angeles de la Catedral y la escultura de la Justicia.

La Justicia, Brasilia © Wikipedia

Pero más alla de las influencias, lamento la indolencia de los que viven en Antofagasta, por que creo que debieramos elimimar el gentilicio "antofagastino", ya que la sociedad sin memoria ya no cree en nada. A ratos evidiando la imagen perfecta salitrera de Iquique, pero depredando las salitreras de esta region, que tontera y que perdida, que destrucción.

Que diria Sabella de todo esto, estaría con una depresión tremenda, él y todos los otros artistas que hicieron algo por la cultura de la ciudad. Clunes debe estar arrasado ya que despues del desmatelamiento de los murales del aeropuerto, sigue una tabula rasa.

Cuando uno menos se espera, viene una terrible lección más. Dificil es tratar de dar una voz de aliento, si hasta algunos de los que se podrian considerar especialistas estan a gusto con la destrucción de una de las obras más importantes de nuestro Osvaldo Ventura, que queda a decir. Solo recordar que la magnifica plaza José Santos Ossa inaugurada en 1960, uno de los mejores ejemplos de paisajismo en pendiente, tambien fue demolida, para dar paso a la Avenida Salvador Allende.

El progreso y el desconocimiento lamentablemente estan arrasando con todo.

Imagen aérea Plaza José Santos Ossa © Archivo Claudio Galeno

Un abrazo a Ventura.

PLAZA JOSE SANTOS OSSA, ARTISTA OSVALDO VENTURA, 1959-60, TOTALMENTE TRANSFORMADA.

La Plaza José Santos Ossa, diseñada por el artista antofagastino Osvaldo Ventura, fue una interesante composición moderna, a través de terrazas, que denotaban la situacion de pendiente del terreno, junto a una red de vias que armaban una composición libre y orgánica pero aun asi abstracta. Sus tres niveles estaba destinados a tres tipos de usuarios, el inferior para los niños, el intermedio para adolescentes, y el superior para los adultos. Fue inaugurada para el 14 de febrero de 1960.


© Archivo Claudio Galeno