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8.12.17
Detalles sobre el proyecto del Parque Brasil
Una noticia de abril de 2016, publicada por la Municipalidad de Antofagasta:
Municipio realizará histórico mejoramiento del Parque Brasil
Proyecto considera una completa intervención a los ocho bandejones que componen el parque, los que aumentarán sus áreas verdes en más de un 50%. El diseño estipula además el establecimiento de nuevas zonas de juego, la instalación de moderno mobiliario urbano, el reforzamiento de la iluminación y el rescate de los elementos patrimoniales existentes en este centenario espacio público.
Una histórica intervención al principal pulmón verde de la comuna realizará durante este año el municipio de la mano del proyecto “Reposición Integral del Parque Brasil”, instancia que ya cuenta con la recomendación favorable por parte del Gobierno Regional y cuya materialización está a la espera de la aprobación de los recursos por parte del Consejo Regional.
Más de siete mil millones de pesos es la inversión proyectada para la concreción de esta iniciativa, dos mil millones serían aportados por privados mientras que los cinco mil restantes tendrían como fuente de financiamiento el Fondo Nacional de Desarrollo Regional, FNDR.
La Alcaldesa, Karen Rojo Venegas, presentó este viernes a la comunidad y al Consejo Comunal de Infancia el diseño integral del parque, instrumento elaborado por la consultora AGR bajo una modalidad participativa, vale decir fueron los mismos vecinos y residentes quienes aportaron su visión para conformar el nuevo rostro del Parque Brasil.
Respecto del proyecto, la jefa comunal explicó que éste considera una intervención cercana a los 50 mil metros cuadrados de superficie correspondiente a las ocho manzanas que conforman este espacio, mejoramiento que permitirá aumentar en un 50% las áreas verdes presentes en el sector, ello gracias a que cada bandejón contará con jardines aporticados en los que se plantarán diversas especies arbóreas que destacan por requerir un bajo nivel de riego.
Agregó que el diseño también estipula la instalación de un moderno mobiliario urbano tanto de hormigón como de madera y de más juegos infantiles los que serán distribuidos a lo largo del parque. Además, se mejorarán los tradicionales portales de acceso a los bandejones, se instalarán sombreaderos con enredaderas para hermosear el lugar y se habilitará equipamiento de servicio, en este caso baños públicos los que estarán ubicados al principio, al medio y al final del parque.
Además, se pondrán en valor los ocho monumentos presentes en el parque, estatuas que serán iluminadas e incluso trasladadas de modo de asegurar su correcta visualización, mientras que las seis casonas existentes en las avenidas O´Higgins y José Miguel Carrera serán promovidas por su gran riqueza arquitectónica, recorrido que podrá efectuarse en bicicleta gracias a la moderna ciclovía que se habilitará en el sector.
La autoridad sostuvo que dado que la conformación del diseño de Reposición Integral del Parque Brasil contó con el financiamiento del FNDR, el municipio confía en que el Consejo Regional aprobará los recursos necesarios para iniciar durante el presente año las obras de ejecución de este mejoramiento las que deberían comenzar tras la realización del proceso licitatorio respectivo, mientras que los trabajos tendrían una extensión de 14 meses.
USUARIOS
Los principales beneficiarios con las mejoras que se implementarán en el Parque Brasil son los niños y adolescentes de la ciudad. Precisamente, Marcial Valdivia, vocero del Consejo Comunal de Infancia destacó la pronta ejecución de esta obra que permitirá ampliar los espacios de recreación y esparcimiento para este importante grupo objetivo.
“Según el más reciente estudio de participación ciudadana infanto – juvenil, los espacios públicos concentran las actividades que desarrollan los niños, niñas y adolescentes, por ello estamos felices porque consideramos que nuestra voz fue escuchada. La concreción de este proyecto nos motiva a presentar otras iniciativas dirigidas al bienestar del grupo social que representamos”, afirmó el líder juvenil.
Precisemos que actualmente el municipio está trabajando en la construcción de un nuevo pulmón verde en la comuna, se trata de la segunda y tercera etapa de habilitación del Parque Gran Avenida donde se invertirá en total más de nueve mil millones de pesos, recursos que permitirán revitalizar este espacio gracias a la habilitación de más de 50 mil metros cuadrados de áreas verdes y la construcción de infraestructura deportiva de primer nivel, referida a la edificación de la segunda cancha de formación pública de Antofagasta, el levantamiento de la Multicancha Club Deportivo 1ero de Mayo y las nuevas dependencias de la Unión Comunal de Centros de Madres.
Ver una nota del Diario de Antofagasta: Parque Brasil de Antofagasta recibirá histórica remodelación
6.3.17
Anfiteatro del Parque Cultural Ruinas de Huanchaca. La arquitectura excavada del nuevo Anfiteatro y del Museo del Desierto
© Claudio Galeno, 2017.
El año 2016 se terminó la construcción de una nueva pieza en el Parque Cultural Ruinas de Huanchaca, se trata de un anfiteatro (para 800 espectadores) que junto con el destacado Museo del Desierto cobijarán actividades junto a las ruinas de la antigua Fundición Playa Blanca.
© Claudio Galeno, 2017.
El año 2015 fue anunciado el inicio de las obras, que complementarían unas graderias que ya habían sido realizadas cuando se ejecutó el edificio semi enterrado del Museo del Desierto. (Ver nota "Parque Cultural Huanchaca comienza obras de anfiteatro")
© Claudio Galeno, 2017.
El escenario y las graderías se entierran en la topografía accidentada del terreno y ruinas, mientras que en la parte superior de la escena queda cubierta por una marquesina en voladizo que en su anverso es a la vez gradería y mirador que observa el mar y las Ruinas de Huanchaca.
© Claudio Galeno, 2017.
Ramón Coz Rosenfeld, Marco Polidura Álvarez y Volantes Arquitectos son los autores del diseño de esta nueva arquitectura de manifiesta expresión brutalista.
© Claudio Galeno, 2017.
Sobre la arquitectura del Museo del Desierto, ver mi artículo "Arquitectura de excavaciones. Reposicionando lo americano. Aproximación crítica al Museo del Desierto de Atacama en Antofagasta", publicado en la revista CA nº140, año 2009.
© Claudio Galeno, 2017.
2.2.17
Edward Rojas, Premio Nacional (Chile) de Arquitectura
Hace algunos días recibimos la grata noticia de que el nuevo Premio Nacional de Arquitectura es el arquitecto Edward Rojas, un merecido reconocimiento a un arquitecto que ha dedicado su carrera a poner en valor y reinterpretar el patrimonio de Chiloé. A continuación el comunicado del Colegio de Arquitectos de Chile.
– Este lunes 23 de enero el Directorio Nacional del Colegio de Arquitectos de Chile anunció a Edward Rojas (64) como el ganador del Premio Nacional de Arquitectura 2016, máximo galardón que puede recibir un arquitecto en Chile.
– El destacado profesional tiene una larga trayectoria en el desarrollo de obras en Chiloé, lugar que ha defendido desde su patrimonio arquitectónico como también a través de la puesta en valor de su identidad y cultura.
Cada dos años, el Colegio de Arquitectos de Chile (CA) entrega el Premio Nacional de Arquitectura a un arquitecto o equipo de arquitectos que constituyen un verdadero ejemplo para el gremio, tanto por su trayectoria profesional como por su desempeño ético. Y este lunes 23 de enero el Directorio Nacional del Colegio de Arquitectos de Chile eligió como ganador del Premio Nacional de Arquitectura 2016 a Edward Rojas Vega, quien reside en Chiloé.
Tradición y modernidad
Edward Rojas Vega (64) es considerado parte de una generación pionera en Chile, que a fines de los años setenta decide vivir y trabajar fuera de la capital. Titulado en la Universidad de Chile-Sede Valparaíso, el año 1977 llega a Chiloé a profundizar en el conocimiento de esa cultura, como parte del desafío para proponer una obra arquitectónica contemporánea.
Su trayectoria destaca por el desarrollo de una arquitectura sustentable que incorpora la tradición y los materiales constructivos del pueblo; el reciclaje de antiguas construcciones de madera y la restauración de iglesias.
Con el arquitecto Renato Vivaldi funda en 1977 el Taller de Arquitectura Puertazul, para poner en valor el patrimonio arquitectónico y cultural de Chiloé. Por esto, en 1979 encabeza la campaña “defensa de los barrios de palafitos de Castro”.
Ha sido académico de la Universidad Austral, Arcis y de la Universidad de Santiago; profesor y conferencista invitado en distintas universidades extranjeras. Fue uno de los creadores de la Delegación Chiloé del Colegio de Arquitectos de Chile, de la cual fue su presidente entre 1982 y 1988. Es coautor de libros y ha recibido numerosos reconocimientos
Algunas obras
– Hotel Unicornio Azul (Seleccionado por el Colegio de Arquitectos de Chile como una de las 5 obras relevantes de Chile para la FAPPA).
– Techo Feria de Dalcahue (Exhibida en la muestra de arte y cultura Chile Vive – Madrid 1987).
– Museo de Arte Moderno Chiloé (Premio Restauración Patrimonial de la Junta de Andalucía de la X Bienal de Arquitectura de Santiago).
¡Felicitamos a Edward Rojas por el gran reconocimiento y entrar a la lista de los 27 Premios Nacionales, al ser un ejemplo de arquitecto que con talento y compromiso trabaja por el país!
Más información sobre este Premio Nacional en:
Sitio web del Colegio de Arquitectos de Chile.
Sitio web de Edward Rojas.
– Este lunes 23 de enero el Directorio Nacional del Colegio de Arquitectos de Chile anunció a Edward Rojas (64) como el ganador del Premio Nacional de Arquitectura 2016, máximo galardón que puede recibir un arquitecto en Chile.
– El destacado profesional tiene una larga trayectoria en el desarrollo de obras en Chiloé, lugar que ha defendido desde su patrimonio arquitectónico como también a través de la puesta en valor de su identidad y cultura.
Cada dos años, el Colegio de Arquitectos de Chile (CA) entrega el Premio Nacional de Arquitectura a un arquitecto o equipo de arquitectos que constituyen un verdadero ejemplo para el gremio, tanto por su trayectoria profesional como por su desempeño ético. Y este lunes 23 de enero el Directorio Nacional del Colegio de Arquitectos de Chile eligió como ganador del Premio Nacional de Arquitectura 2016 a Edward Rojas Vega, quien reside en Chiloé.
Tradición y modernidad
Edward Rojas Vega (64) es considerado parte de una generación pionera en Chile, que a fines de los años setenta decide vivir y trabajar fuera de la capital. Titulado en la Universidad de Chile-Sede Valparaíso, el año 1977 llega a Chiloé a profundizar en el conocimiento de esa cultura, como parte del desafío para proponer una obra arquitectónica contemporánea.
Su trayectoria destaca por el desarrollo de una arquitectura sustentable que incorpora la tradición y los materiales constructivos del pueblo; el reciclaje de antiguas construcciones de madera y la restauración de iglesias.
Con el arquitecto Renato Vivaldi funda en 1977 el Taller de Arquitectura Puertazul, para poner en valor el patrimonio arquitectónico y cultural de Chiloé. Por esto, en 1979 encabeza la campaña “defensa de los barrios de palafitos de Castro”.
Ha sido académico de la Universidad Austral, Arcis y de la Universidad de Santiago; profesor y conferencista invitado en distintas universidades extranjeras. Fue uno de los creadores de la Delegación Chiloé del Colegio de Arquitectos de Chile, de la cual fue su presidente entre 1982 y 1988. Es coautor de libros y ha recibido numerosos reconocimientos
Algunas obras
– Hotel Unicornio Azul (Seleccionado por el Colegio de Arquitectos de Chile como una de las 5 obras relevantes de Chile para la FAPPA).
– Techo Feria de Dalcahue (Exhibida en la muestra de arte y cultura Chile Vive – Madrid 1987).
– Museo de Arte Moderno Chiloé (Premio Restauración Patrimonial de la Junta de Andalucía de la X Bienal de Arquitectura de Santiago).
¡Felicitamos a Edward Rojas por el gran reconocimiento y entrar a la lista de los 27 Premios Nacionales, al ser un ejemplo de arquitecto que con talento y compromiso trabaja por el país!
Más información sobre este Premio Nacional en:
Sitio web del Colegio de Arquitectos de Chile.
Sitio web de Edward Rojas.
31.12.16
Instagram selections: A year of art and architecture
Universidad de Santiago.
GAM.
Torre Edmundo Pérez Zujovic.
Fondazione Prada.
Duomo di Monreale.
Alhambra.
Whitechapel Gallery.
Población René Schneider.
Paul Damaz.
Arco da Rua Augusta.
MASP.
FIESP.
Aeropuerto de Calama.
Hotel Luciano K.
Fábrica Savory.
Campus Universidad de Concepción.
GAM.
Torre Edmundo Pérez Zujovic.
Fondazione Prada.
Duomo di Monreale.
Alhambra.
Whitechapel Gallery.
Población René Schneider.
Paul Damaz.
Arco da Rua Augusta.
MASP.
FIESP.
Aeropuerto de Calama.
Hotel Luciano K.
Fábrica Savory.
Campus Universidad de Concepción.
Instagram selections: A year of impressive modern housing
Santiago de Chile: Conjunto San Borja
London: Robin Hood Gardens residential estate.
Lisboa: Conjunto da Avenida Infante Santo
São Paulo: Casa de Vidro de Lina Bo Bardi.
Antofagasta: Edificio Huanchaca.
Viña del Mar: Conjunto Siete Hermanas.
Santiago de Chile: Remodelación República.
London: Robin Hood Gardens residential estate.
Lisboa: Conjunto da Avenida Infante Santo
São Paulo: Casa de Vidro de Lina Bo Bardi.
Antofagasta: Edificio Huanchaca.
Viña del Mar: Conjunto Siete Hermanas.
Santiago de Chile: Remodelación República.
26.12.16
Nuevos espacios públicos y plaza en edificio Huanchaca (Curvo) en la Gran Vía, arquitecto Luis Valdivieso (MINVU)
Desde el año pasado que se desarrollaba la construcción de nuevos espacios públicos en el monumental edificio Huanchaca (Curvo) proyectado por Ricardo Pulgar.
Se trató de un plan de reposición (¿?) de áreas verdes y circulaciones peatonales por la calle Armando Moock, en la base del gran edificio. La obra, proyectada por el arquitecto Luis Valdivieso se inscribió en el programa de Espacios Públicos del MINVU costado con fondos del FNDR e IMA.
La franja donde se realizó la obra corresponde a un área de tierra que estaba abandonada y en la cual habían escuálidas vegetaciones.
Algunas notas de prensa del año 2015 que explican el proyecto y las inversiones.
Vía El Nortero, 29 de mayo de 2015: Mejoran calidad de vida de vecinos sector Gran Vía.
Vía Gobierno Regional de Antofagasta, 1º de junio de 2015: Gobierno rescata gran espacio público en sector Gran Vía de Antofagasta.
Vía Soy Antofagasta, 1º de junio de 2015: Anuncian recuperación de espacio a los pies del edificio El Curvo de Antofagasta.
Vía SoyAntofagasta, 23 de octubre de 2015: Un 27% de avance presentan las obras de recuperación de los espacios públicos del 'El Curvo'.
Vía El Diario, 23 de octubre de 2015: La nueva cara que lucirá el sector Gran Vía de Antofagasta.
La construcción ha tardado más de lo planificado (según las declaraciones del MINVU en la prensa), y finalmente en estos últimos meses de 2016 el espacio se puede visitar y apreciar en todo su esplendor.
Se trata de una serie de circuitos en franjas, con sombraderos y juegos, organizada en torno a una plaza circular que articula un umbral al conjunto, posee servicios, sirve de mirador y de anfiteatro.
La figura final es muy clara, referido al anillo, y su disposición horizontal permite que conforme un umbral ingresando desde abajo al espacio central, en un nivel intermedio. Mientras que la parte superior de ese umbral funciona como un viaducto y mirador.
Por otro lado la forma circular funciona muy bien con la curva del edificio Huachaca, quedando cobijada y arrimada a la base de la muralla de la construcción. Entra en consonancia con el dinamismo de la obra territorial, y coincide con los intereses aeroespaciales del arquitecto Ricardo Pulgar, manifiesto no solo en la forma del Curvo, sino en la serie de estanques que están sobre los bloques de edificios y que asumen las expresión de naves voladoras.
25.12.16
Pop crítico: imaginarios paralelos en la colección MSSA
Vía Arte al Límite.
9 abril, 2016 - 10:00 AM - 22 enero, 2017
El Pop crítico convocado en esta muestra, presenta contradicciones como la crítica y el uso de estereotipos sociales, el debate sobre las consignas anti-imperialistas y sus representaciones panfletarias de persuasión popular, las iconografías repetitivas, míticas y absurdas en sus mensajes, y las temáticas propias de cada lugar, cruzadas por las efervescencias juveniles de aquellos años.
Si bien sus referentes más conocidos se localizaron en Estados Unidos e Inglaterra, esta exposición, curada por Soledad García, reúne obras de artistas de la colección del Museo de la Solidaridad Salvador Allende (MSSA) que realizaron imaginarios paralelos fuera del eje anglosajón, en contextos tan diferentes como Brasil, Cuba, Polonia o Suecia, entre otros.
Según explica la curadora, “estas obras resuenan, en sus visualidades y pensamientos, junto a los aires de tensiones y cambios que forjaron la fundación del Museo de la Solidaridad en los setenta en Chile. Son crónicas de una época de fuertes convicciones por actuar y gestar cambios en sus realidades”.
Los artistas que forman parte de la muestra son: José Luis Coomonte (España)/ Öyvind Fahlström (Brasil-Suecia)/ Gerard Fomanger (Francia)/ Beatriz González (Colombia)/ Eulalia Grau (España)/ Hans Karlewski (Suecia)/ Natalia Lach-Lachowicz (Polonia)/ Carol Law (Estados Unidos)/ Francisco Mariotti (Perú)/ Raúl Martínez (Cuba)/ Juan Rabascall (España)/ Bernard Rancillac (Francia)/ Taller 4 Rojo (Colombia)/ Claudio Tozzi (Brasil).
Pop Crítico
9 de abril de 2016 al 22 de enero de 2017
De martes a domingo, de 10 a 18 horas
República 745, Santiago
21.11.16
Seminario Arquitectura y Modernidad en Contextos Regionales. 1, 2 y 3 de Diciembre, Universidad Técnica Federico Santa María y Parque Cultural Valparaíso
Seminario Arquitectura y Modernidad en Contextos Regionales
1, 2 y 3 de Diciembre, Universidad Técnica Federico Santa María y Parque Cultural Valparaíso. Entrada Liberada.
Programación:
Jueves 1
8:30 RECEPCIÓN Y REGISTRO
Salón de Honor, Edificio A, USM
Inauguración Seminario:
Discurso Representante de la USM (Por confirmar)
9:00 Palabras Director DA Roberto Barría
Palabras Directora Línea TH Marcela Hurtado
9:30 Presentación invitado 1: Ramón Gutiérrez
"Reflexiones sobre una mirada americana del patrimonio en el siglo XXI."
10:30 Intermedio Café
11:00 "Visibilizando la modernidad en Valporaíso: Edificios Residenciales 1937 - 1973."
ALEJANDRA PINTO Y FABIAN ROSALES
11:20 "Arquitecturas de la Industrialización Nacional. El conjunto Papeles Bío-Bío (1953) como recinto de autonomía primaria."
PABLO FUENTES Y LEONEL PÉREZ
11:40 "Historiografía del Norte de Chile: arquitectura orgánica y regionalismo arquitectónico."
CLAUDIO GALENO
12:00 Comentarios grupo 1
12:20 "La arquitectura moderna, personaje del relato de la ciudad. Exploración metodológica de la narratividad aplicada a la investigación arquitectónica, caso de estudio: la Antigua Estación de Ferrocarril en Xalapo, México."
HARMIDA RUBIO
12:40 "El Pabellón "Nitrato de Chile" Para la Exposición Internacional de Barcelona 1929. Modernidad, Espocio y Memoria en la decadencia del Siglo del Salitre."
ALBERTO PRADO
13:00 "Aproximación visual a la modernidad maulina."
GLENN DEULOFEU
13:20 Comentarios grupo 2
14:00 Almuerzo
15:00 "El ideario moderno en el sur de Chile: Hostería de Ancud y Hotel Ebenhard de Puerto Natales."
GONZALO CERDA
15:20 "Pérdida del vacío espacial público de los edificios modernos habitacionales. Antofagasta."
VALESKA CERDA
15:40 Comentarios grupo 3
16:00 Intermedio Café
16:30 Presentación invitado 2
Ana Esteban Maluenda
"Métodos de investigación. Las revistas de arquitectura como fuente documental."
Viernes 2
9:00 RECEPCIÓN Y REGISTRO
Parque Cultural Valparaíso, Sala Biblioteca
9:20 "Mural Paso Inferior Santa Lucía: el riesgo de la invisibilidad."
ÁNGELA BENAVENTE
9:40 "Indicio, detalle y objeto: propuesta metodológica poro el estudio de la transferencia de la arquitectura moderna en la reconstrucción de Chillón."
RODRIGO VERA
10:00 Comentarios grupo 4
10:30 Intermedio Café
11:00 "Unidad Vecinal Villa San Pedro."
STEPHANE FRANCK
11:20 "Modernidad y formas de habitar colectivo en conjuntos industriales del sur de Chile: Los casos de ENAP (Punta Arenas) y CRAV (Penco)."
DANIEL MATUS, BORIS CVITANIC Y GONZALO CERDA
11:40 "La Vivienda Obrera y las prácticas poternalistas de las industrias del río Calle-Calle. 1920-1960."
TIRZA BARRÍA
12:00 Comentarios grupo 5
12:20 "lquique y sus planes de desarrollo urbano entre 1930 y 1970."
VÍCTOR VALENZUELA
12:40 "Modernización urbana y vivienda colectiva. El barrio "Pedro Ferré" de la ciudad de Corrientes -Argentina."
MIGUEL ANGEL RIERA
13:00 "Montaje, resignificación del habitar colectivo y el proyecto moderno en la Provincia de Aysén."
MARCELO BECERRA
13:20 Comentarios grupo 6
14:00 Almuerzo
15:00 "Sanatorios modernos y su distribución regional, desde la concepción de la teoría higienista."
GABRIELA PEREIRA
15:20 "El Centro de Estudiantes de Henry Klumb en la Universidad de Puerto Rico. El edificio moderno y la sociedad contemporánea."
ANDRÉS MIGNUCCI Y MARÍA ISABEL OLIVER
15:40 "Arquitectura escolar en contextos regionales: Notas sobre flexibilidad, vigencia y obsolescencia desde dos edificios escolares tipificados chilenos."
ÚRSULA EXSS
l6:00 Comentarios grupo 7
16:40 Intermedio Café
17:00 Presentación invitado 3
Hugo Segawa
"16 días de Le Corbusier en São Paulo, 1929"
Sábado 3
11:00 RECEPCIÓN Y VENTA LIBRO
Salón de Honor, Edificio A, USM
Presentación Libro:
La arquitectura moderna en Latinoamérica. Antología de autores, obras y textos.
Ana Esteban Maluenda
Mesa de diálogo:
Ana Esteban Maluenda, Ramón Gutiérrez, Hugo Segawa, Patricia Méndez y José de Nordenflycht.
13:00 Almuerzo
15:00 City Tour por Valparaíso
(Inscripciones previas, el pogo se hará el día l de diciembre)
27.10.16
De la ilusión al rechazo: la fallida relación de Le Corbusier con América del Sur. 4 de noviembre - 22 de enero de 2017 / MAC Parque Forestal
Vía La Tercera.
De la ilusión al rechazo: la fallida relación de Le Corbusier con América del Sur
Por Denisse Espinoza A.
El padre de la arquitectura moderna intentó hacer varios proyectos en la región, incluidas dos residencias en Santiago y un nuevo plan urbano para Chillán, pero lo único que logró fue la casa Curutchet en La Plata, Argentina. Una muestra en el MAC reúne, desde el 4 de noviembre, planos y dibujos inéditos de 12 de estas ideas que fueron un dolor de cabeza para el francés.
Venía para “hacerse la América”. Tal como lo pensaron los primeros navegantes y exploradores que buscaban nuevos rumbos y riquezas, el arquitecto nacido con el nombre de Charles-Edouard Jeanneret (1885-1965), pero conocido mundialmente como Le Corbusier, veía en el joven continente americano un potencial refugio para sus ideas modernistas, las que aún no habían logrado pleno desarrollo en Europa. Era 1929 y aunque el francés había construido poco, sus diseños ya revolucionaban y sorprendían a la escena arquitectónica mundial.
Ese año hizo su primer viaje al continente: dictó un ciclo de conferencias en Buenos Aires, visitó Río de Janeiro, Asunción y Montevideo. Entre 1929 y 1962 volvió varias veces, 11 para ser exactos, viajó a Bogotá donde proyectó un plan urbano y para Brasil diseñó el edificio del Ministerio de Educación y la Ciudad Universitaria de Río de Janeiro. Incluso hizo proyectos para países que nunca visitó, como Chile, donde proyectó dos casas, una en Zapallar para el diplomático Matías Errázuriz y un taller en Santiago Poniente para el arquitecto Roberto Dávila, quien trabajó para él en París, en 1932. De todo eso, nada se hizo; a excepción de la casa para el doctor Pedro Curutchet en La Plata, Argentina, que terminó siendo su única construcción en América Latina.
La relación fallida del arquitecto suizo, nacionalizado francés, con los países de la región es profundizada en la exposición Le Corbusier y el sur de América, que reúne planos, dibujos y otros documentos inéditos -la mayoría traídos desde la Fundación Le Corbusier en París- de 12 proyectos diseñados por el autor de la Villa Savoye y nunca realizados.
La muestra es organizada por la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la U. de Chile y curada por el arquitecto Maximiano Atria. “Le Corbusier llegó con la idea de encontrar un continente prometido, una región joven que estaría abierta a recibir la arquitectura moderna, a diferencia de Europa, que era un continente cazado por su pasado. Nada salió como él quería. Creo que la gran razón para la mayoría de los proyectos fue la inestabilidad política, el cambio de autoridades que echaron por la borda proyectos completos o pedían cambios una y otra vez. Al final fue en Chandigarh, India, el lugar donde hizo realidad su imaginario urbano”, cuenta el curador.
Más allá de los proyectos, Le Corbusier entabló vínculos con varios arquitectos latinoamericanos a quienes recibía en su oficina para que trabajaran entre tres y seis meses. Aunque nadie recibía paga, les bastaba con estar bajo las órdenes del arquitecto más influyente del mundo. Entre ellos hubo cuatro chilenos: Roberto Dávila en 1932, Roberto Matta en 1938, Emilio Duhart en 1952 y Guillermo Jullian de 1959 a 1965, quien se convirtió en el brazo derecho de Le Corbusier y heredaría su taller.
“El (Jullian) incluso fue jefe de su oficina en Venecia, cuando trabajaban en el diseño del hospital de esa ciudad. Jullian decía que Le Corbusier era una bestia, era muy duro y difícil, pero al mismo tiempo era un tipo muy generoso y sensible, y de hecho con él estableció una relación que no la tuvo con ningún otro colaborador”, cuenta Atria, quien trabajó con Guillermo Jullian cuando éste regresó a Chile en 2004, luego de una larga carrera académica en EEUU.
Buscado y rechazado
Entre los 12 proyectos que están en la muestra destacan la casa para la escritora argentina Victoria Ocampo, quien lo invitó a Buenos Aires en 1929, pero que terminó construyendo su residencia con los planos de otro arquitecto más tradicional; el Plan Director de Bogotá, ciudad a la que Le Corbusier viajó cinco veces a ver detalles y hacer cambios sin lograr frutos; una capilla funeraria en Venezuela que -se piensa- fue cancelada por temas políticos, debido a que era en homenaje al ex militar asesinado Carlos Delgado-Chalbaud; y la embajada de Francia en Brasilia, que estuvo a punto de ser desarrollada pero justo Le Corbusier falleció. “El proyecto lo heredó Jullian, quien se negó a hacer modificaciones al diseño de Le Corbusier. A cambio las autoridades brasileñas le pidieron que hiciera sus propios planos; esos sí se construyeron”, cuenta Atria.
La muestra contará además con ocho maquetas abstractas de algunos rasgos fundamentales de los proyectos, y tres videos: un documental sobre el viaje del 29 que se hizo en Argentina; uno con cápsulas de la arquitectura chilena inspirada en la obra de Le Corbusier, como la Villa Portales o la Cepal, obra de Emilio Duhart, y un video de 2005 de la Fundación Le Corbusier, con grabaciones hechas por él mismo con su cámara Super 8 de su viaje a Río de Janeiro en 1936. También se exhibirán algunas de las libretas de viaje del arquitecto, donde dibujaba los paisajes y personas que veía.
“Si bien no existe nada en común entre los diseños para América, sí hay una correlación con las obras que estaba haciendo en esas mismas épocas. No eran pensados como proyectos exóticos sino como parte de toda su obra. La Casa Ocampo es similar a otras casas hechas en Europa, y el taller de Dávila toma cosas de otro proyecto en Argelia. El siempre partía de su catálogo y reciclaba sus propios elementos típico. Además, él se reinventaba cada 10 años; lo que hizo en los 30 es totalmente diferente a lo que hizo en los 40 y los 50”, señala el curador.
“Pienso que él era consciente de que era objeto de conflicto permanente, y de alguna forma buscaba ganarse esa imagen del arquitecto incomprendido, que lucha contra todo. Su libro de cabecera era Don Quijote. Le gustaba presentarse como ‘el arquitecto al que todos rechazan’, aunque al mismo tiempo, todos lo buscaban porque era y sigue siendo el arquitecto más importante del siglo XX”.
De la ilusión al rechazo: la fallida relación de Le Corbusier con América del Sur
Por Denisse Espinoza A.
El padre de la arquitectura moderna intentó hacer varios proyectos en la región, incluidas dos residencias en Santiago y un nuevo plan urbano para Chillán, pero lo único que logró fue la casa Curutchet en La Plata, Argentina. Una muestra en el MAC reúne, desde el 4 de noviembre, planos y dibujos inéditos de 12 de estas ideas que fueron un dolor de cabeza para el francés.
Venía para “hacerse la América”. Tal como lo pensaron los primeros navegantes y exploradores que buscaban nuevos rumbos y riquezas, el arquitecto nacido con el nombre de Charles-Edouard Jeanneret (1885-1965), pero conocido mundialmente como Le Corbusier, veía en el joven continente americano un potencial refugio para sus ideas modernistas, las que aún no habían logrado pleno desarrollo en Europa. Era 1929 y aunque el francés había construido poco, sus diseños ya revolucionaban y sorprendían a la escena arquitectónica mundial.
Ese año hizo su primer viaje al continente: dictó un ciclo de conferencias en Buenos Aires, visitó Río de Janeiro, Asunción y Montevideo. Entre 1929 y 1962 volvió varias veces, 11 para ser exactos, viajó a Bogotá donde proyectó un plan urbano y para Brasil diseñó el edificio del Ministerio de Educación y la Ciudad Universitaria de Río de Janeiro. Incluso hizo proyectos para países que nunca visitó, como Chile, donde proyectó dos casas, una en Zapallar para el diplomático Matías Errázuriz y un taller en Santiago Poniente para el arquitecto Roberto Dávila, quien trabajó para él en París, en 1932. De todo eso, nada se hizo; a excepción de la casa para el doctor Pedro Curutchet en La Plata, Argentina, que terminó siendo su única construcción en América Latina.
La relación fallida del arquitecto suizo, nacionalizado francés, con los países de la región es profundizada en la exposición Le Corbusier y el sur de América, que reúne planos, dibujos y otros documentos inéditos -la mayoría traídos desde la Fundación Le Corbusier en París- de 12 proyectos diseñados por el autor de la Villa Savoye y nunca realizados.
La muestra es organizada por la Facultad de Arquitectura y Urbanismo de la U. de Chile y curada por el arquitecto Maximiano Atria. “Le Corbusier llegó con la idea de encontrar un continente prometido, una región joven que estaría abierta a recibir la arquitectura moderna, a diferencia de Europa, que era un continente cazado por su pasado. Nada salió como él quería. Creo que la gran razón para la mayoría de los proyectos fue la inestabilidad política, el cambio de autoridades que echaron por la borda proyectos completos o pedían cambios una y otra vez. Al final fue en Chandigarh, India, el lugar donde hizo realidad su imaginario urbano”, cuenta el curador.
Más allá de los proyectos, Le Corbusier entabló vínculos con varios arquitectos latinoamericanos a quienes recibía en su oficina para que trabajaran entre tres y seis meses. Aunque nadie recibía paga, les bastaba con estar bajo las órdenes del arquitecto más influyente del mundo. Entre ellos hubo cuatro chilenos: Roberto Dávila en 1932, Roberto Matta en 1938, Emilio Duhart en 1952 y Guillermo Jullian de 1959 a 1965, quien se convirtió en el brazo derecho de Le Corbusier y heredaría su taller.
“El (Jullian) incluso fue jefe de su oficina en Venecia, cuando trabajaban en el diseño del hospital de esa ciudad. Jullian decía que Le Corbusier era una bestia, era muy duro y difícil, pero al mismo tiempo era un tipo muy generoso y sensible, y de hecho con él estableció una relación que no la tuvo con ningún otro colaborador”, cuenta Atria, quien trabajó con Guillermo Jullian cuando éste regresó a Chile en 2004, luego de una larga carrera académica en EEUU.
Buscado y rechazado
Entre los 12 proyectos que están en la muestra destacan la casa para la escritora argentina Victoria Ocampo, quien lo invitó a Buenos Aires en 1929, pero que terminó construyendo su residencia con los planos de otro arquitecto más tradicional; el Plan Director de Bogotá, ciudad a la que Le Corbusier viajó cinco veces a ver detalles y hacer cambios sin lograr frutos; una capilla funeraria en Venezuela que -se piensa- fue cancelada por temas políticos, debido a que era en homenaje al ex militar asesinado Carlos Delgado-Chalbaud; y la embajada de Francia en Brasilia, que estuvo a punto de ser desarrollada pero justo Le Corbusier falleció. “El proyecto lo heredó Jullian, quien se negó a hacer modificaciones al diseño de Le Corbusier. A cambio las autoridades brasileñas le pidieron que hiciera sus propios planos; esos sí se construyeron”, cuenta Atria.
La muestra contará además con ocho maquetas abstractas de algunos rasgos fundamentales de los proyectos, y tres videos: un documental sobre el viaje del 29 que se hizo en Argentina; uno con cápsulas de la arquitectura chilena inspirada en la obra de Le Corbusier, como la Villa Portales o la Cepal, obra de Emilio Duhart, y un video de 2005 de la Fundación Le Corbusier, con grabaciones hechas por él mismo con su cámara Super 8 de su viaje a Río de Janeiro en 1936. También se exhibirán algunas de las libretas de viaje del arquitecto, donde dibujaba los paisajes y personas que veía.
“Si bien no existe nada en común entre los diseños para América, sí hay una correlación con las obras que estaba haciendo en esas mismas épocas. No eran pensados como proyectos exóticos sino como parte de toda su obra. La Casa Ocampo es similar a otras casas hechas en Europa, y el taller de Dávila toma cosas de otro proyecto en Argelia. El siempre partía de su catálogo y reciclaba sus propios elementos típico. Además, él se reinventaba cada 10 años; lo que hizo en los 30 es totalmente diferente a lo que hizo en los 40 y los 50”, señala el curador.
“Pienso que él era consciente de que era objeto de conflicto permanente, y de alguna forma buscaba ganarse esa imagen del arquitecto incomprendido, que lucha contra todo. Su libro de cabecera era Don Quijote. Le gustaba presentarse como ‘el arquitecto al que todos rechazan’, aunque al mismo tiempo, todos lo buscaban porque era y sigue siendo el arquitecto más importante del siglo XX”.
26.10.16
Seminario de Investigación en Arquitectura, Magíster en Arquitectura / Escuela Arq. / Univ. Católica del Norte.
Magíster en Arquitectura / Escuela Arq. / Univ. Católica del Norte.
Seminario de Investigación en Arquitectura
Viernes 28 de octubre de 2016 /Lugar: Sala ÁS (Ángela Schweitzer)
9:45 / 11:30 hrs: Modera Claudio Galeno
Carlos Miranda
La representación del proyecto como crítica arquitectónica, el caso de Giovanni Battista Piranesi.
Augusto Angelini
Grillas Racionales: la influencia de la estructura reticular en la Arquitectura Moderna y Contemporánea.
Claudio Galeno-Ibaceta
Entre ruinas y pabellones: primeros devenires de una arquitectura latinoamericana en torno a las Exposiciones Universales
Valeska Cerda
Pérdida del vacío espacial público de los edificios modernos habitacionales, Antofagasta
Ronda de preguntas
11:30/11:45 Café
11:45 / 13:00 hrs.: Modera: Massimo Palme
Claudio Ostria
Desarme y traslado de casas patrimoniales en Antofagasta
Massimo Palme
Isla de calor urbana en ciudades de la costa pacífica de América del Sur: estudios de simulación en Chile, Perú y Ecuador.
José Guerra
Hábitat sustentable en comunidades aisladas en el litoral del desierto de Atacama: Caso de aplicación en la Caleta Constitución, Antofagasta, Chile
Preguntas
Fin de jornada.
Seminario de Investigación en Arquitectura
Viernes 28 de octubre de 2016 /Lugar: Sala ÁS (Ángela Schweitzer)
9:45 / 11:30 hrs: Modera Claudio Galeno
Carlos Miranda
La representación del proyecto como crítica arquitectónica, el caso de Giovanni Battista Piranesi.
Augusto Angelini
Grillas Racionales: la influencia de la estructura reticular en la Arquitectura Moderna y Contemporánea.
Claudio Galeno-Ibaceta
Entre ruinas y pabellones: primeros devenires de una arquitectura latinoamericana en torno a las Exposiciones Universales
Valeska Cerda
Pérdida del vacío espacial público de los edificios modernos habitacionales, Antofagasta
Ronda de preguntas
11:30/11:45 Café
11:45 / 13:00 hrs.: Modera: Massimo Palme
Claudio Ostria
Desarme y traslado de casas patrimoniales en Antofagasta
Massimo Palme
Isla de calor urbana en ciudades de la costa pacífica de América del Sur: estudios de simulación en Chile, Perú y Ecuador.
José Guerra
Hábitat sustentable en comunidades aisladas en el litoral del desierto de Atacama: Caso de aplicación en la Caleta Constitución, Antofagasta, Chile
Preguntas
Fin de jornada.
2.10.16
Brasil abre una bienal de arte con tanta carga política como espiritual
Vía El País.
La trigésimo segunda edición muestra en São Paulo su versión más ecológica
Camila Moraes
La artista Iza Tarasewicz durante el montaje de la Bienal de São Paulo. Leo Eloy stúdio Garagem / Fundação Bienal de São Paulo
A la nueva edición de la Bienal de São Paulo, el festival de arte internacional que se celebra en la mayor ciudad brasileña, la recibe un mensaje escrito en una cabaña indígena: “Omame también es artista. Omame es artista del mundo entero. Omame es creador de todo lo que existe”. El texto es de David Kopenaway, chamán, líder de los yanomamis, un pueblo de indígenas aislado en el Amazonas, y autor de La chute du ciel ("La caída del cielo"); y avisa de que en los próximos tres meses de exposiciones, habrá 340 obras de 81 artistas o colectivos de 32 países intentando unir el cielo con la tierra. El tema central de esta edición, la trigésimo segunda, gira en torno a las incertidumbres de la vida, que es todo lo que necesita el arte para existir, y en la actualidad no son pocas: el mundo vive sumido en la inestabilidad, obsesionado por la política y preocupado por la ecología. Normal que busquen paz en la espiritualidad.
Jochen Volz, comisario jefe, asegura que lo que quiere esta Bienal —la más verde hasta la fecha— es celebrar el arte como lugar de resistencia y transformación, algo que vaya más allá de un panorama gris. "Comenzamos a trabajar en este proyecto en 2014, año en el que vimos un buen número de publicaciones sobre el fin del mundo tal como lo conocemos. Necesitamos pensar en el futuro de otra forma", explica este. Y esto era importante para la Bienal porque, según Volz, debe de funcionar como una "plataforma de experimentos".
En esta ocasión se experimenta con las tensiones entre lo natural y lo artificial, entre lo mortal y lo etéreo. Por ejemplo, todo el espacio que ocupa esta Bienal, en el enorme Parque de Ibirapuera, ha sido diseñado como un único jardín, sin jerarquías ni divisiones. Se empieza en lo natural, en un trayecto que comienza en un bosque de esculturas de madera de Frans Krajcberg, un artista ecologista polaco de 95 años que vive en el Estado brasileño de Bahía desde la década de 1970. Se llega después a Ágora: OcaTaperaTerreiro, una oca (cabaña indígena) creada por Bene Fonteles.
Lo único que está separado son los vídeos, por motivos obvios. Pero se unen a la exposición en tanto que también dan para quedarse un buen rato pensando cómo puede ser que los humanos, que somos un producto natural, nos sintamos artificiales ante la naturaleza. En O peixe (El pez, 2016), de Jonathas de Andrade, unos pescadores abrazan a sus peces hasta dirigirlos a la muerte; del vídeo editado en Everything and More ("Todo y más", 2015), la estadounidense Rachel Rose muestra la Tierra retratada por un astronauta. En forma de nosotros (2016) invita a imaginar los espacios moldeados por una bailarina. En Hell Yeah We Fuck Die (2016: son las palabras más usadas en los títulos de películas del pop), de Hito Steyerl, se ve a varios robots maltratados en pruebas.
Es difícil no sentir que algo está a punto de desmoronarse. Esto lo representa muy bien Chão ("Suelo"): una superficie de 627 metros cuadrados cubierta de tacos de madera con muelles en algunas partes, que el visitante puede recorrer para sentir inestabilidad al caminar y desconfiar del paisaje.
Porque no todo va a ser abstracto. En esta Bienal, pensar un país y un mundo mejores pasa necesariamente por llamar a la acción, como grita la Oficina de Imaginação Política (taller de imaginación política) que se mantendrá activo durante los tres meses de muestra, y también una serie de intervenciones espontáneas de artistas contra Michel Temer. El nuevo presidente, que asumió el cargo tras la polémica destitución de Dilma Rousseff a finales de agosto, ha sido el objeto de los mayores pasos a la acción. Ahí están, continuos, los gritos de “Fuera Temer” en el parque Ibirapuera. En Brasil, como en el mundo, como en la vida, la incertidumbre está lejos de acabar.
La trigésimo segunda edición muestra en São Paulo su versión más ecológica
Camila Moraes
La artista Iza Tarasewicz durante el montaje de la Bienal de São Paulo. Leo Eloy stúdio Garagem / Fundação Bienal de São Paulo
A la nueva edición de la Bienal de São Paulo, el festival de arte internacional que se celebra en la mayor ciudad brasileña, la recibe un mensaje escrito en una cabaña indígena: “Omame también es artista. Omame es artista del mundo entero. Omame es creador de todo lo que existe”. El texto es de David Kopenaway, chamán, líder de los yanomamis, un pueblo de indígenas aislado en el Amazonas, y autor de La chute du ciel ("La caída del cielo"); y avisa de que en los próximos tres meses de exposiciones, habrá 340 obras de 81 artistas o colectivos de 32 países intentando unir el cielo con la tierra. El tema central de esta edición, la trigésimo segunda, gira en torno a las incertidumbres de la vida, que es todo lo que necesita el arte para existir, y en la actualidad no son pocas: el mundo vive sumido en la inestabilidad, obsesionado por la política y preocupado por la ecología. Normal que busquen paz en la espiritualidad.
Jochen Volz, comisario jefe, asegura que lo que quiere esta Bienal —la más verde hasta la fecha— es celebrar el arte como lugar de resistencia y transformación, algo que vaya más allá de un panorama gris. "Comenzamos a trabajar en este proyecto en 2014, año en el que vimos un buen número de publicaciones sobre el fin del mundo tal como lo conocemos. Necesitamos pensar en el futuro de otra forma", explica este. Y esto era importante para la Bienal porque, según Volz, debe de funcionar como una "plataforma de experimentos".
En esta ocasión se experimenta con las tensiones entre lo natural y lo artificial, entre lo mortal y lo etéreo. Por ejemplo, todo el espacio que ocupa esta Bienal, en el enorme Parque de Ibirapuera, ha sido diseñado como un único jardín, sin jerarquías ni divisiones. Se empieza en lo natural, en un trayecto que comienza en un bosque de esculturas de madera de Frans Krajcberg, un artista ecologista polaco de 95 años que vive en el Estado brasileño de Bahía desde la década de 1970. Se llega después a Ágora: OcaTaperaTerreiro, una oca (cabaña indígena) creada por Bene Fonteles.
Lo único que está separado son los vídeos, por motivos obvios. Pero se unen a la exposición en tanto que también dan para quedarse un buen rato pensando cómo puede ser que los humanos, que somos un producto natural, nos sintamos artificiales ante la naturaleza. En O peixe (El pez, 2016), de Jonathas de Andrade, unos pescadores abrazan a sus peces hasta dirigirlos a la muerte; del vídeo editado en Everything and More ("Todo y más", 2015), la estadounidense Rachel Rose muestra la Tierra retratada por un astronauta. En forma de nosotros (2016) invita a imaginar los espacios moldeados por una bailarina. En Hell Yeah We Fuck Die (2016: son las palabras más usadas en los títulos de películas del pop), de Hito Steyerl, se ve a varios robots maltratados en pruebas.
Es difícil no sentir que algo está a punto de desmoronarse. Esto lo representa muy bien Chão ("Suelo"): una superficie de 627 metros cuadrados cubierta de tacos de madera con muelles en algunas partes, que el visitante puede recorrer para sentir inestabilidad al caminar y desconfiar del paisaje.
Porque no todo va a ser abstracto. En esta Bienal, pensar un país y un mundo mejores pasa necesariamente por llamar a la acción, como grita la Oficina de Imaginação Política (taller de imaginación política) que se mantendrá activo durante los tres meses de muestra, y también una serie de intervenciones espontáneas de artistas contra Michel Temer. El nuevo presidente, que asumió el cargo tras la polémica destitución de Dilma Rousseff a finales de agosto, ha sido el objeto de los mayores pasos a la acción. Ahí están, continuos, los gritos de “Fuera Temer” en el parque Ibirapuera. En Brasil, como en el mundo, como en la vida, la incertidumbre está lejos de acabar.
21.9.16
El Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba) celebra sus 15 años con "Verboamérica"
Vía La Capital.
El museo de arte porteño inaugura una "nueva mirada" de su colección permanente teniendo como estrellas a obras de Berni y Diego Rivera.
por Por Cecilia Caminos / DPA
El Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba) celebra su 15 aniversario inaugurando hoy la exhibición "Verboamérica", una nueva mirada a su colección permanente según una interpretación desde el Sur.
"El Malba hace una reafirmación del arte latinoamericano con una lectura desde adentro y no según las corrientes que llegan del Norte", explicó el presidente de la Fundación Malba, Eduardo Costantini.
Un equipo de expertos seleccionó 170 de las 600 obras que componen la colección permanente del museo de la avenida Presidente Figueroa Alcorta 3415 con un nuevo guión curatorial sobre la historia viva de América latina "que se expresa en acciones y experiencias", por ello se aleja de los sustantivos y elige como nombre "Verboamérica".
La muestra cuenta con las principales joyas del Malba, entre ellas el "Autorretrato con chango y loro" (1942), de Frida Kahlo; "Abaporu" (1928), de Tarsila Do Amaral; "Retrato de Ramón Gómez de la Serna" (1915), de Diego Rivera; "Manifestación" (1934), de Antonio Berni, y "Constructivo con calle y gran pez" (1946), de Joaquín Torres García.
Incluye además múltiples formatos que permiten ampliar y complementar la interpretación artística: fotografías, videos, instalaciones, documentos históricos y publicaciones, como por ejemplo la edición original del libro "Universalismo constructivo" (1944) de Torres García, donde el artista e intelectual uruguayo publicó su célebre mapa invertido de América del Sur.
"Hemos pensado esta exposición como un nuevo giro en la colección, para entender de una nueva forma piezas que el público ya conoce y ha visto. Y esta nueva forma reside en dar relevancia, importancia y centralidad a las palabras, a los términos, a todas las nominaciones que surgen de la propia historia latinoamericana y colocar esos términos en el centro de esta discusión", destacó la historiadora del arte e integrante del equipo curatorial Andrea Giunta.
"Nos propusimos ser contadores de historias, en vez de clasificar por años y estilos. Historias que tengan más que ver con haber vivido en este continente en los siglos XX y XXI y haber entrado en contacto con distintas realidades sociales y culturales", agregó.
Ejes temáticos.
La exhibición, lejos de guiarse por cronología o artistas, genera otros ejes temáticos: En el principio; Mapas, geopolítica y poder; Ciudad, modernidad y abstracción; Ciudad letrada, ciudad violenta, ciudad imaginada; Trabajo, multitud y resistencia; Campo y periferia; Cuerpos afectos y emancipación; y América indígena, América negra.
Y esta libertad curatorial permite por ejemplo exponer juntos al "Guevara morto" (1967), de Claudio Tozzi, con el hombre universal de José Gurvich en el capítulo "Trabajo, multitud, resistencia", donde también se exhibe la obra "La costurera" (1935), de Amelia Peláez, entre otras.
La muestra comienza con "En el principio", donde se debate el origen y el fin con el "Hongo atómico" (2006), de León Ferrari, en el centro de la sala, quizás un homenaje a la primera exhibición del Malba en 2001 que contó con su polémica "La civilización occidental y cristiana", con la crucifixión de Cristo en un avión de combate estadounidense F 105.
"Verboamérica" llega además con un glosario de términos, nomenclaturas y definiciones para pensarlos como parte de un vocabulario "propio, latinoamericano" e incluyó un extenso proceso de catalogación de las obras en las que participaron más de 90 expertos de la región.
La investigación permitió por ejemplo saber que la obra "B29 Bólide-caixa 16" fue creada por Hélio Oiticica para ser exhibida en forma vertical y no horizonal, como siempre fue mostrada.
La política también tiene lugar en el arte, con la obra de José Carlos Martinat que toma un símbolo de un partido político peruano para sumarlo a una "Chacana" o cruz indígena, o la colección de afiches (carteles) de Jesús Ruiz Durand sobre "Reforma agraria".
El museo de arte porteño inaugura una "nueva mirada" de su colección permanente teniendo como estrellas a obras de Berni y Diego Rivera.
por Por Cecilia Caminos / DPA
El Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (Malba) celebra su 15 aniversario inaugurando hoy la exhibición "Verboamérica", una nueva mirada a su colección permanente según una interpretación desde el Sur.
"El Malba hace una reafirmación del arte latinoamericano con una lectura desde adentro y no según las corrientes que llegan del Norte", explicó el presidente de la Fundación Malba, Eduardo Costantini.
Un equipo de expertos seleccionó 170 de las 600 obras que componen la colección permanente del museo de la avenida Presidente Figueroa Alcorta 3415 con un nuevo guión curatorial sobre la historia viva de América latina "que se expresa en acciones y experiencias", por ello se aleja de los sustantivos y elige como nombre "Verboamérica".
La muestra cuenta con las principales joyas del Malba, entre ellas el "Autorretrato con chango y loro" (1942), de Frida Kahlo; "Abaporu" (1928), de Tarsila Do Amaral; "Retrato de Ramón Gómez de la Serna" (1915), de Diego Rivera; "Manifestación" (1934), de Antonio Berni, y "Constructivo con calle y gran pez" (1946), de Joaquín Torres García.
Incluye además múltiples formatos que permiten ampliar y complementar la interpretación artística: fotografías, videos, instalaciones, documentos históricos y publicaciones, como por ejemplo la edición original del libro "Universalismo constructivo" (1944) de Torres García, donde el artista e intelectual uruguayo publicó su célebre mapa invertido de América del Sur.
"Hemos pensado esta exposición como un nuevo giro en la colección, para entender de una nueva forma piezas que el público ya conoce y ha visto. Y esta nueva forma reside en dar relevancia, importancia y centralidad a las palabras, a los términos, a todas las nominaciones que surgen de la propia historia latinoamericana y colocar esos términos en el centro de esta discusión", destacó la historiadora del arte e integrante del equipo curatorial Andrea Giunta.
"Nos propusimos ser contadores de historias, en vez de clasificar por años y estilos. Historias que tengan más que ver con haber vivido en este continente en los siglos XX y XXI y haber entrado en contacto con distintas realidades sociales y culturales", agregó.
Ejes temáticos.
La exhibición, lejos de guiarse por cronología o artistas, genera otros ejes temáticos: En el principio; Mapas, geopolítica y poder; Ciudad, modernidad y abstracción; Ciudad letrada, ciudad violenta, ciudad imaginada; Trabajo, multitud y resistencia; Campo y periferia; Cuerpos afectos y emancipación; y América indígena, América negra.
Y esta libertad curatorial permite por ejemplo exponer juntos al "Guevara morto" (1967), de Claudio Tozzi, con el hombre universal de José Gurvich en el capítulo "Trabajo, multitud, resistencia", donde también se exhibe la obra "La costurera" (1935), de Amelia Peláez, entre otras.
La muestra comienza con "En el principio", donde se debate el origen y el fin con el "Hongo atómico" (2006), de León Ferrari, en el centro de la sala, quizás un homenaje a la primera exhibición del Malba en 2001 que contó con su polémica "La civilización occidental y cristiana", con la crucifixión de Cristo en un avión de combate estadounidense F 105.
"Verboamérica" llega además con un glosario de términos, nomenclaturas y definiciones para pensarlos como parte de un vocabulario "propio, latinoamericano" e incluyó un extenso proceso de catalogación de las obras en las que participaron más de 90 expertos de la región.
La investigación permitió por ejemplo saber que la obra "B29 Bólide-caixa 16" fue creada por Hélio Oiticica para ser exhibida en forma vertical y no horizonal, como siempre fue mostrada.
La política también tiene lugar en el arte, con la obra de José Carlos Martinat que toma un símbolo de un partido político peruano para sumarlo a una "Chacana" o cruz indígena, o la colección de afiches (carteles) de Jesús Ruiz Durand sobre "Reforma agraria".
20.9.16
El MAM [Museo de Arte Moderno (México)] de Juan Acha
Vía Excélsior.
Para conmemorar el centenario del natalicio del crítico de origen peruano, el Museo de Arte Moderno abre una exposición que recupera su legado teórico a partir de la revisión de su propio acervo
Por Sonia Ávila
Juan Acha. Foto: Archivo Excélsior
CIUDAD DE MÉXICO.
Juan Acha (Sullana, Perú, 1916 - Cd. de México, 1995) entendió el arte como un proceso sociocultural. Una experiencia más compleja que la simple observación. Un trayecto en tres fases: producción, distribución y consumo. Proceso que él consiguió en México desde el Museo de Arte Moderno (MAM). Su trinchera crítica y teórica durante la década de los 70. La sede de su ejercicio teórico sobre el arte latinoamericano, donde gestó una red de colaboración internacional, programas pedagógicos y promoción de una generación de artistas.
El recinto fundado en 1964 fue para el crítico peruano el laboratorio de teorización artística. El espacio para poner en práctica su propuesta de alejar el arte de las capitales creativas y generar productos locales, establecer vínculos de intercambio con Latinoamérica y estudiar desde la sociología el impacto de las obras en el público. Entonces de 1972 a 1976 Acha, en su rol de subdirector del museo, emprendió este proyecto crítico. Fungió como “un agente continental” dentro de un proceso de renovación artística.
Planos del Museo de Arte Moderno, proyectado por Pedro Ramírez Vásquez. © MAM.
De este periodo da cuenta la exposición Juan Acha: por una nueva problemática artística, que se exhibe en el MAM. La muestra es una revisión del quehacer teórico de quien llegó al país en 1971. Una exploración de sus propuestas a través del archivo y colección del propio museo que en gran medida se construyó por las gestiones culturales de Acha. Un proyecto que además tuvo salida en el suplemento Diorama de Excélsior, donde el crítico publicó de manera regular sus textos.
La muestra se enmarca en un programa conmemorativo por el centenario del natalicio del también profesor. Organizado por diferentes museos del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), la celebración Juan Acha 100 incluye publicaciones y coloquios sobre sus teorías. Sin embargo, la investigación surgió del grupo Los Yacuzis, integrado por curadores, editores y periodistas que en su mayoría participaron en la segunda edición de la Escuela de Crítica organizada por el Proyecto Siqueiros.
Un pensamiento fuera del centro
Desde el MAM, Juan Acha impulsó un acercamiento con Latinoamérica. Colocó a México como punto de referencia en el mapa de circulación del arte. Así trajo exposiciones de artistas no-objetuales y geométricos. Fue el puente para que llegaran al país artistas como el brasileño Sergio Camargo, el venezolano Alejandro Otero, el húngaro Víctor Vasareli. En la escena nacional impulsó a una generación joven que luego formó el movimiento de los Grupos. Y fue de los primeros en hablar sobre el videoarte, el arte en sistemas e incluso los proyectos cibernéticos.
“Él era un profesor que trabajaba en la Escuela de Artes Plásticas La Esmeralda y estuvo pendiente de que estas teoría terminaran en otras generaciones de prácticas artísticas y por eso tuvo contacto con el grupo Proceso Pentágono, el No grupo. Esto se ve en la sala, cómo su propia teoría se va consolidando y se ve el diálogo con estos otros actores, incluso colaboraciones de corte efímero”, detalla el cocurador de la muestra Julio García Murillo.
Incluso, añade, Acha intervino en las tareas de gestión y consiguió crecer la colección del museo. Varias de las obras adquiridas por él se exhibirán. “La exposición fue realizar una reconstrucción de ese momento y develar qué piezas adquirió, qué generó, qué procesos artísticos produjo durante su paso por el museo, y también la exposición devela cómo aplicar esas teorías a obras actuales. Así se genera una exhibición dialéctica del pasado y su relación con el presente”.
A través de documentos, la muestra refiere a la crítica de Acha sobre la historia del arte mexicano. Su propuesta de analizar la escuela mexicana de pintura desde una perspectiva sociológica y entender el impacto social que representó. Pues el crítico analizó la distribución de la obra nacionalista a través del Estado, de los medios de comunicación y del sistema educativo.
García Murillo señala además que Acha fue de los primeros críticos en asimilar el arte desde un pensamiento económico. No sólo en el sentido del mercado, sino como una práctica material que implica un consumo. Un ejercicio que no termina en lo simbólico o lo emotivo. Sino en la compra-venta del producto. Una de sus principales propuestas era, a partir de la teoría económica de la dependencia, marcar distancia de los centros de producción occidentales para generar los propios.
Entonces plantea alrededor del proceso estético tres ejes: las artesanías, el arte culto y las artes tecnológicas. Con estas categorías, Acha trabajó el concepto de arte no-objetual e intentó englobar una idea total del arte culto. Buscaba un concepto de arte más amplio que criticara a la propia institución artística.
“Tiene un cuerpo teórico que le permite partir no sólo de la historia del arte, sino de la sociología del arte y la teoría del arte. Pasa por distintos niveles, incluso el semiótico o tiene análisis fisiológicos sobre el espectador y todo eso le permite entender un proceso artístico que aplica desde Perú en los 60 y ve de manera regional en México, Colombia, Argentina y Brasil”.
Para conmemorar el centenario del natalicio del crítico de origen peruano, el Museo de Arte Moderno abre una exposición que recupera su legado teórico a partir de la revisión de su propio acervo
Por Sonia Ávila
Juan Acha. Foto: Archivo Excélsior
CIUDAD DE MÉXICO.
Juan Acha (Sullana, Perú, 1916 - Cd. de México, 1995) entendió el arte como un proceso sociocultural. Una experiencia más compleja que la simple observación. Un trayecto en tres fases: producción, distribución y consumo. Proceso que él consiguió en México desde el Museo de Arte Moderno (MAM). Su trinchera crítica y teórica durante la década de los 70. La sede de su ejercicio teórico sobre el arte latinoamericano, donde gestó una red de colaboración internacional, programas pedagógicos y promoción de una generación de artistas.
El recinto fundado en 1964 fue para el crítico peruano el laboratorio de teorización artística. El espacio para poner en práctica su propuesta de alejar el arte de las capitales creativas y generar productos locales, establecer vínculos de intercambio con Latinoamérica y estudiar desde la sociología el impacto de las obras en el público. Entonces de 1972 a 1976 Acha, en su rol de subdirector del museo, emprendió este proyecto crítico. Fungió como “un agente continental” dentro de un proceso de renovación artística.
Planos del Museo de Arte Moderno, proyectado por Pedro Ramírez Vásquez. © MAM.
De este periodo da cuenta la exposición Juan Acha: por una nueva problemática artística, que se exhibe en el MAM. La muestra es una revisión del quehacer teórico de quien llegó al país en 1971. Una exploración de sus propuestas a través del archivo y colección del propio museo que en gran medida se construyó por las gestiones culturales de Acha. Un proyecto que además tuvo salida en el suplemento Diorama de Excélsior, donde el crítico publicó de manera regular sus textos.
La muestra se enmarca en un programa conmemorativo por el centenario del natalicio del también profesor. Organizado por diferentes museos del Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), la celebración Juan Acha 100 incluye publicaciones y coloquios sobre sus teorías. Sin embargo, la investigación surgió del grupo Los Yacuzis, integrado por curadores, editores y periodistas que en su mayoría participaron en la segunda edición de la Escuela de Crítica organizada por el Proyecto Siqueiros.
Un pensamiento fuera del centro
Desde el MAM, Juan Acha impulsó un acercamiento con Latinoamérica. Colocó a México como punto de referencia en el mapa de circulación del arte. Así trajo exposiciones de artistas no-objetuales y geométricos. Fue el puente para que llegaran al país artistas como el brasileño Sergio Camargo, el venezolano Alejandro Otero, el húngaro Víctor Vasareli. En la escena nacional impulsó a una generación joven que luego formó el movimiento de los Grupos. Y fue de los primeros en hablar sobre el videoarte, el arte en sistemas e incluso los proyectos cibernéticos.
“Él era un profesor que trabajaba en la Escuela de Artes Plásticas La Esmeralda y estuvo pendiente de que estas teoría terminaran en otras generaciones de prácticas artísticas y por eso tuvo contacto con el grupo Proceso Pentágono, el No grupo. Esto se ve en la sala, cómo su propia teoría se va consolidando y se ve el diálogo con estos otros actores, incluso colaboraciones de corte efímero”, detalla el cocurador de la muestra Julio García Murillo.
Incluso, añade, Acha intervino en las tareas de gestión y consiguió crecer la colección del museo. Varias de las obras adquiridas por él se exhibirán. “La exposición fue realizar una reconstrucción de ese momento y develar qué piezas adquirió, qué generó, qué procesos artísticos produjo durante su paso por el museo, y también la exposición devela cómo aplicar esas teorías a obras actuales. Así se genera una exhibición dialéctica del pasado y su relación con el presente”.
A través de documentos, la muestra refiere a la crítica de Acha sobre la historia del arte mexicano. Su propuesta de analizar la escuela mexicana de pintura desde una perspectiva sociológica y entender el impacto social que representó. Pues el crítico analizó la distribución de la obra nacionalista a través del Estado, de los medios de comunicación y del sistema educativo.
García Murillo señala además que Acha fue de los primeros críticos en asimilar el arte desde un pensamiento económico. No sólo en el sentido del mercado, sino como una práctica material que implica un consumo. Un ejercicio que no termina en lo simbólico o lo emotivo. Sino en la compra-venta del producto. Una de sus principales propuestas era, a partir de la teoría económica de la dependencia, marcar distancia de los centros de producción occidentales para generar los propios.
Entonces plantea alrededor del proceso estético tres ejes: las artesanías, el arte culto y las artes tecnológicas. Con estas categorías, Acha trabajó el concepto de arte no-objetual e intentó englobar una idea total del arte culto. Buscaba un concepto de arte más amplio que criticara a la propia institución artística.
“Tiene un cuerpo teórico que le permite partir no sólo de la historia del arte, sino de la sociología del arte y la teoría del arte. Pasa por distintos niveles, incluso el semiótico o tiene análisis fisiológicos sobre el espectador y todo eso le permite entender un proceso artístico que aplica desde Perú en los 60 y ve de manera regional en México, Colombia, Argentina y Brasil”.
Jornada "150 años del poblamiento de Antofagasta", martes 25 oct. 2016, Universidad Católica del Norte
La Universidad Católica del Norte está organizando una jornada para celebrar los 150 años del poblamiento de Antofagasta, ocurrido en 1866. El evento está siendo coordinado por el Dr. José Antonio González, Dr. Marcelo Lufin y Dr. Claudio Galeno-Ibaceta. El evento que durará todo un día, se realizará en martes 25 de octubre de 2016. Tendrá cuatro sesiones temáticas, donde expondrán académicos de la región e invitados de otras partes del país, que tocarán desde temas histórico-urbanos a económicos.
Algunas notas de prensa informan de la jornada.
17 de septiembre.
Vía El Diario de Antofagasta:
Organizan jornada académica “A 150 años del poblamiento de Antofagasta”
Iniciativa del Centro de Estudios Histórico-Jurídicos de la Universidad Católica del Norte, reunirá a especialistas nacionales de humanidades y de las ciencias sociales y jurídicas.
Con ocasión de celebrarse 150 años de la firma del Tratado entre Chile y Bolivia de 1866, y coincidir esta fecha con la decisión de arribar Juan López a Peña Blanca, La Chimba, para dar inicio al poblamiento de la futura ciudad de Antofagasta, el Centro de Estudios Histórico-Jurídicos de la Facultad de Ciencias Jurídicas de la Universidad Católica del Norte (UCN) organizará una jornada académica abierta a la comunidad para abordar estas temáticas.
La actividad, que tendrá lugar el24 y 25 de octubre en el auditorio Andrés Sabella de la Casa Central de la UCN, reunirá a especialistas nacionales de las distintas disciplinas de las humanidades, de las ciencias sociales y jurídicas, que tendrá como horizonte aportar desde la universidad a toda la comunidad regional, al conocimiento de cómo se ha construido socialmente el territorio y la principal ciudad del desierto de Atacama.
El organismo universitario considera importante resaltar los esfuerzos chilenos, no solo para poblar la costa de la bahía San Jorge, sino proseguir hacia su interior el asentamiento demográfico para la explotación del salitre y de la plata.
ATACAMA
El académico e historiador de la UCN, Dr. José Antonio González, informó que conjuntamente con esta proeza de habitar el desierto de Atacama, se ha considerado relevante dar cuenta del interés que tuvo Chile por reconocer el desierto desde su perspectiva tanto científica como de los recursos naturales, desde la memorable expedición de Rodulfo A. Philippi entre los años 1853-1854 y seguido por distintos hombres de ciencias como Pissis, Bertrand, Vidal Gormaz, hasta llegar a Francisco San Román en la década de 1880, que aportó importantes antecedentes para develar el páramo y establecer su toponimia.
En este contexto, dijo que “nos interesa visualizar el desarrollo de la ciudad de Antofagasta, aproximarnos hacia el espacio del desierto para comprender de qué manera la ciencia ha contribuido para hacer más habitables sus contornos y, finalmente, señalar el ‘estado de cuestión’ que existe en las relaciones entre Chile y Bolivia, desde 1866, el hito primordial del Tratado de 1904 y las desinteligencias que han sobrevenido en el Siglo XX”, manifestó el historiador nortino.
PROGRAMA
Agregó que esta actividad permite conjugar las opciones más telúricas de este espacio, como son la “chilenidad” inicial de exploración y habitar el desierto, de “nortinidad” como se ha conjugado el terruño en perspectiva de regionalismo y de “americanidad”, por el sentido de expresarse en Antofagasta la apertura rotunda hacia la fraternidad de América Latina.
La comisión organizadora está compuesta por los doctores José Antonio González Pizarro (jagonzal@ucn.cl), Marcelo Lufín Varas (mlufin@ucn.cl) y Claudio Galeno Ibaceta (cgaleno@ucn.cl).
El programa de la jornada consideratres [cuatro] mesas de estudios. Mesa 1: Historia urbana y patrimonio del hinterland [Poblamiento y desarrollo urbano]; Mesa 2: La Economía, Ciencia y Territorio Regional; y Mesa 3: Relaciones Internacionales en el desierto de Atacama y su eco en la nación [Patrimonio y memoria]; [y Mesa 4: Relaciones internacionales].
20 de Septiembre de 2016
Vía El Mercurio de Antofagasta.
UCN realiza jornada "A 150 años del poblamiento de Antofagasta"
Con ocasión de celebrarse 150 años de la firma del Tratado entre Chile y Bolivia de 1866, el Centro de Estudios Histórico-Jurídicos de la Facultad de Ciencias Jurídicas de la Universidad Católica del Norte (UCN) organizará una jornada académica abierta a la comunidad para abordar estas temáticas. La iniciativa será el24 y 25 de octubre en el auditorio Andrés Sabella. En ella, se reunirán a especialistas nacionales de las distintas disciplinas de las humanidades, de las ciencias sociales y jurídicas a fin de entregar conocimientos respecto al tema.
Algunas notas de prensa informan de la jornada.
17 de septiembre.
Vía El Diario de Antofagasta:
Organizan jornada académica “A 150 años del poblamiento de Antofagasta”
Iniciativa del Centro de Estudios Histórico-Jurídicos de la Universidad Católica del Norte, reunirá a especialistas nacionales de humanidades y de las ciencias sociales y jurídicas.
Con ocasión de celebrarse 150 años de la firma del Tratado entre Chile y Bolivia de 1866, y coincidir esta fecha con la decisión de arribar Juan López a Peña Blanca, La Chimba, para dar inicio al poblamiento de la futura ciudad de Antofagasta, el Centro de Estudios Histórico-Jurídicos de la Facultad de Ciencias Jurídicas de la Universidad Católica del Norte (UCN) organizará una jornada académica abierta a la comunidad para abordar estas temáticas.
La actividad, que tendrá lugar el
El organismo universitario considera importante resaltar los esfuerzos chilenos, no solo para poblar la costa de la bahía San Jorge, sino proseguir hacia su interior el asentamiento demográfico para la explotación del salitre y de la plata.
ATACAMA
El académico e historiador de la UCN, Dr. José Antonio González, informó que conjuntamente con esta proeza de habitar el desierto de Atacama, se ha considerado relevante dar cuenta del interés que tuvo Chile por reconocer el desierto desde su perspectiva tanto científica como de los recursos naturales, desde la memorable expedición de Rodulfo A. Philippi entre los años 1853-1854 y seguido por distintos hombres de ciencias como Pissis, Bertrand, Vidal Gormaz, hasta llegar a Francisco San Román en la década de 1880, que aportó importantes antecedentes para develar el páramo y establecer su toponimia.
En este contexto, dijo que “nos interesa visualizar el desarrollo de la ciudad de Antofagasta, aproximarnos hacia el espacio del desierto para comprender de qué manera la ciencia ha contribuido para hacer más habitables sus contornos y, finalmente, señalar el ‘estado de cuestión’ que existe en las relaciones entre Chile y Bolivia, desde 1866, el hito primordial del Tratado de 1904 y las desinteligencias que han sobrevenido en el Siglo XX”, manifestó el historiador nortino.
PROGRAMA
Agregó que esta actividad permite conjugar las opciones más telúricas de este espacio, como son la “chilenidad” inicial de exploración y habitar el desierto, de “nortinidad” como se ha conjugado el terruño en perspectiva de regionalismo y de “americanidad”, por el sentido de expresarse en Antofagasta la apertura rotunda hacia la fraternidad de América Latina.
La comisión organizadora está compuesta por los doctores José Antonio González Pizarro (jagonzal@ucn.cl), Marcelo Lufín Varas (mlufin@ucn.cl) y Claudio Galeno Ibaceta (cgaleno@ucn.cl).
El programa de la jornada considera
20 de Septiembre de 2016
Vía El Mercurio de Antofagasta.
UCN realiza jornada "A 150 años del poblamiento de Antofagasta"
Con ocasión de celebrarse 150 años de la firma del Tratado entre Chile y Bolivia de 1866, el Centro de Estudios Histórico-Jurídicos de la Facultad de Ciencias Jurídicas de la Universidad Católica del Norte (UCN) organizará una jornada académica abierta a la comunidad para abordar estas temáticas. La iniciativa será el
18.9.16
Falleció Luis Rivano
El 15 de septiembre de 2016, falleció Luis Rivano, reconocido escritor y editor de publicaciones, entre ellas la revista literaria Quilodrán. Guillermo Deisler, en sus inicios (1966-1967) fue colaborador de las ediciones de Rivano, como en la mencionada Quilodrán, Hoja de Poesía o el libro El Informe.
A continuación un artículo de La Tercera sobre le deceso de Rivano.
Vía La Tercera.
Callejero y marginal: A los 83 años muere Luis Rivano
El escritor y dramaturgo falleció esta noche (15 de septiembre). Su experiencia en Carabineros fue la base de su obra literaria, formada por novelas y obras como "El rucio de los cuchillos", en las que retrató el mundo de la noche y la cárcel . Dejó la novela inédita "Tres homicidios".
Por Javier García
No terminó el colegio. A los 15 años dejó los estudios y se fue a trabajar al puerto de San Antonio, hasta que llegó a Santiago para hacer el Servicio Militar. Luego, con 20 años, Luis Rivano entró a Carabineros, y como patrullero conoció la noche del centro, del barrio Matadero y los alrededores del Club Hípico. Estuvo 12 años: a los 32 fue dado de baja por retratar las pellejerías, el abuso de poder, la corrupción y la soledad de un joven con uniforme en su primera novela, Esto no es el Paraíso.
Pero el policía se convirtió en uno de los libreros más reconocidos del país, y en el escritor y dramaturgo de una obra que retrató el mundo callejero y marginal. Nacido en Cauquenes en 1932, Luis Rivano Sandoval era más conocido como el Paco Rivano.
Nunca quiso escribir sus memorias. “Por ningún motivo”, le dijo a su editora. “Hubiese sido un gran libro”, señala Andrea Viu, directora del sello Alfaguara, quien conoció al autor cuando le propuso publicar sus novelas y relatos en Narrativa completa, en 2010.
El tema apareció durante una comida, en la que además estaba el periodista y crítico Juan Andrés Piña, quien presenta y analiza las piezas reunidas en el ejemplar Antología de obras teatrales (2008).
Si bien Rivano se negó a registrar sus recuerdos en un libro, de alguna manera contó su vida y la de su entorno en sus novelas, cuentos y obras de teatro. Personajes de barrios populares, el ambiente nocturno de los prostibulos, vendedores ambulantes, delincuentes y policías eran parte del mundo narrativo de Luis Rivano, quien definió su literatura como “realismo urbano”. Su obra fue situada junto a la de Luis Cornejo (Barrio bravo), Armando Méndez Carrasco (Chicago chico) y Alfredo Gómez Morel (El río), autores que retratan los bajos fondos de Santiago.
El escritor falleció a los 83 años en el Hospital Dipreca. El lunes pasado sufrió una doble insuficiencia pulmonar y cardíaca y estaba internado. Este jueves, no soportó un nuevo infarto.
Novela inédita
“No hacía falta que nadie me explicara que el Pato Norambuena era tieso de mechas y cuello para irse en collera. Bastaba verlo. Cuando ingresó a la Peni traía ni que manso cartel, porque se había echado a un paco”, así parte el cuento El rucio de los cuchillos, que llevado al teatro se convirtió en una de sus obras más montadas.
Hace cinco años Rodrigo Achondo hizo una nueva puesta en escena para el Teatro Nacional Chileno, con Daniel Alcaíno, María Paz Grandjean y Nicolás Pavez.
De las historias y personajes de El rucio de los cuchillos surgió su último trabajo. Hace tres semanas Rivano entregó una versión definitiva de la novela inédita Tres homicidios, que se publicaría por Alfaguara en 2017. “No llegamos a firmar contrato”, comenta Andrea Viu.
Su primera novela, Esto no es el Paraíso, obtuvo el tercer premio en el Concurso Literario Crav en 1964. Las aventuras de un carabinero raso en la ciudad, que relataba ciertos abusos de la institución y la vida nocturna sería publicada por Zig-Zag. Así lo contemplaban las bases del premio. Pero el sello pidió al autor cambiar algunos fragmentos del libro; entonces Rivano decidió hacer una autoedición. El libro se convirtió en bestseller, con más de 30 mil ejemplares vendidos. De ahí hasta 1973 publicaría por su cuenta novelas como El signo de Espartaco, Tirar a matar y La Yira.
Diálogos directos
Ya instalado como librero en el local de San Diego 111, Rivano se dedicaría al teatro. Su debut fue con Te llamabas Rosicler, en 1976, dirigida por Gustavo Meza. “Tennyson Ferrada fue el primer actor que quiso montar una obra mía. Le interesaron los diálogos directos”, dijo Rivano. Otros actores que dieron vida a sus personajes fueron Malú Gatica, Gonzalo Robles, Jael Unger y Jaime Azócar.
A su vez, ¿Dónde estará la Jeannette? fue estrenada en el Teatro UC, en 1984, con Paulina García de protagonista. Gustavo Meza volvería a trabajar en uno de sus textos con Ajuste de cuentas (2009), que regresa al territorio del Club Hípico.
Una de su últimas obras montadas fue Por sospecha, con dirección de Carlos Huaico en el Teatro Nacional, donde se presentó entre 2014 y 2015 .
Visión real
“Desde que me dieron de baja en Carabineros comencé a vender libros por las calles, empecé pato”, dijo Luis Rivano. Tras su local de San Diego 111, abrió otra librería en el número 119. Tres de sus seis hijos, Octavio, Ana María y Graciela, se dedicaron a la venta de libros. Mantenía 200 mil almacenados. Y decía que su ejemplar más apreciado y que no vendía por nada era una primera edición de Poeta en Nueva York, de Federico García Lorca, impreso en 1930.
“Para tener una visión real de la sociedad, yo tengo que ponerme abajo. Tengo que mirarla desde las vísceras para afuera”, señaló a este diario Rivano. “Nunca miré la literatura como una profesión. La vida es una cosa y el arte es otra. Yo me gano la vida vendiendo libros de los otros y escribo porque me apasiona”, agregó ante la promoción de Narrativa completa.
El año pasado publicó su último libro. Después de más de 40 años regresó a la novela con Pedro Ivanovic, terrorista. La historia es protagonizada por un joven periodista de origen yugoslavo, quien es detenido en pleno centro de Santiago, justo cuando se preparaba para disparar contra la muchedumbre.
“¿Son atendibles los argumentos de Pedro para justificar su actuar o es solo un loco incapaz de discernir entre el bien y el mal?”, era la pregunta que planteaba la novela.
Rivano dijo que era la primera vez que investigaba para construir una narración. Pedro provenía de una familia de guerreros que en tres generaciones pasó de ser ucraniana a yugoslava, en tanto sirvió al Imperio Austrohúngaro y tras la Primera Guerra Mundial, un último descendiente terminó en un taller mecánico de Gran Avenida.
En busca del pasado, Rivano siempre terminaba al filo del abismo, como mostrando una verdad salvaje, bella e imposible de borrar.
A continuación un artículo de La Tercera sobre le deceso de Rivano.
Vía La Tercera.
Callejero y marginal: A los 83 años muere Luis Rivano
El escritor y dramaturgo falleció esta noche (15 de septiembre). Su experiencia en Carabineros fue la base de su obra literaria, formada por novelas y obras como "El rucio de los cuchillos", en las que retrató el mundo de la noche y la cárcel . Dejó la novela inédita "Tres homicidios".
Por Javier García
No terminó el colegio. A los 15 años dejó los estudios y se fue a trabajar al puerto de San Antonio, hasta que llegó a Santiago para hacer el Servicio Militar. Luego, con 20 años, Luis Rivano entró a Carabineros, y como patrullero conoció la noche del centro, del barrio Matadero y los alrededores del Club Hípico. Estuvo 12 años: a los 32 fue dado de baja por retratar las pellejerías, el abuso de poder, la corrupción y la soledad de un joven con uniforme en su primera novela, Esto no es el Paraíso.
Pero el policía se convirtió en uno de los libreros más reconocidos del país, y en el escritor y dramaturgo de una obra que retrató el mundo callejero y marginal. Nacido en Cauquenes en 1932, Luis Rivano Sandoval era más conocido como el Paco Rivano.
Nunca quiso escribir sus memorias. “Por ningún motivo”, le dijo a su editora. “Hubiese sido un gran libro”, señala Andrea Viu, directora del sello Alfaguara, quien conoció al autor cuando le propuso publicar sus novelas y relatos en Narrativa completa, en 2010.
El tema apareció durante una comida, en la que además estaba el periodista y crítico Juan Andrés Piña, quien presenta y analiza las piezas reunidas en el ejemplar Antología de obras teatrales (2008).
Si bien Rivano se negó a registrar sus recuerdos en un libro, de alguna manera contó su vida y la de su entorno en sus novelas, cuentos y obras de teatro. Personajes de barrios populares, el ambiente nocturno de los prostibulos, vendedores ambulantes, delincuentes y policías eran parte del mundo narrativo de Luis Rivano, quien definió su literatura como “realismo urbano”. Su obra fue situada junto a la de Luis Cornejo (Barrio bravo), Armando Méndez Carrasco (Chicago chico) y Alfredo Gómez Morel (El río), autores que retratan los bajos fondos de Santiago.
El escritor falleció a los 83 años en el Hospital Dipreca. El lunes pasado sufrió una doble insuficiencia pulmonar y cardíaca y estaba internado. Este jueves, no soportó un nuevo infarto.
Novela inédita
“No hacía falta que nadie me explicara que el Pato Norambuena era tieso de mechas y cuello para irse en collera. Bastaba verlo. Cuando ingresó a la Peni traía ni que manso cartel, porque se había echado a un paco”, así parte el cuento El rucio de los cuchillos, que llevado al teatro se convirtió en una de sus obras más montadas.
Hace cinco años Rodrigo Achondo hizo una nueva puesta en escena para el Teatro Nacional Chileno, con Daniel Alcaíno, María Paz Grandjean y Nicolás Pavez.
De las historias y personajes de El rucio de los cuchillos surgió su último trabajo. Hace tres semanas Rivano entregó una versión definitiva de la novela inédita Tres homicidios, que se publicaría por Alfaguara en 2017. “No llegamos a firmar contrato”, comenta Andrea Viu.
Su primera novela, Esto no es el Paraíso, obtuvo el tercer premio en el Concurso Literario Crav en 1964. Las aventuras de un carabinero raso en la ciudad, que relataba ciertos abusos de la institución y la vida nocturna sería publicada por Zig-Zag. Así lo contemplaban las bases del premio. Pero el sello pidió al autor cambiar algunos fragmentos del libro; entonces Rivano decidió hacer una autoedición. El libro se convirtió en bestseller, con más de 30 mil ejemplares vendidos. De ahí hasta 1973 publicaría por su cuenta novelas como El signo de Espartaco, Tirar a matar y La Yira.
Diálogos directos
Ya instalado como librero en el local de San Diego 111, Rivano se dedicaría al teatro. Su debut fue con Te llamabas Rosicler, en 1976, dirigida por Gustavo Meza. “Tennyson Ferrada fue el primer actor que quiso montar una obra mía. Le interesaron los diálogos directos”, dijo Rivano. Otros actores que dieron vida a sus personajes fueron Malú Gatica, Gonzalo Robles, Jael Unger y Jaime Azócar.
A su vez, ¿Dónde estará la Jeannette? fue estrenada en el Teatro UC, en 1984, con Paulina García de protagonista. Gustavo Meza volvería a trabajar en uno de sus textos con Ajuste de cuentas (2009), que regresa al territorio del Club Hípico.
Una de su últimas obras montadas fue Por sospecha, con dirección de Carlos Huaico en el Teatro Nacional, donde se presentó entre 2014 y 2015 .
Visión real
“Desde que me dieron de baja en Carabineros comencé a vender libros por las calles, empecé pato”, dijo Luis Rivano. Tras su local de San Diego 111, abrió otra librería en el número 119. Tres de sus seis hijos, Octavio, Ana María y Graciela, se dedicaron a la venta de libros. Mantenía 200 mil almacenados. Y decía que su ejemplar más apreciado y que no vendía por nada era una primera edición de Poeta en Nueva York, de Federico García Lorca, impreso en 1930.
“Para tener una visión real de la sociedad, yo tengo que ponerme abajo. Tengo que mirarla desde las vísceras para afuera”, señaló a este diario Rivano. “Nunca miré la literatura como una profesión. La vida es una cosa y el arte es otra. Yo me gano la vida vendiendo libros de los otros y escribo porque me apasiona”, agregó ante la promoción de Narrativa completa.
El año pasado publicó su último libro. Después de más de 40 años regresó a la novela con Pedro Ivanovic, terrorista. La historia es protagonizada por un joven periodista de origen yugoslavo, quien es detenido en pleno centro de Santiago, justo cuando se preparaba para disparar contra la muchedumbre.
“¿Son atendibles los argumentos de Pedro para justificar su actuar o es solo un loco incapaz de discernir entre el bien y el mal?”, era la pregunta que planteaba la novela.
Rivano dijo que era la primera vez que investigaba para construir una narración. Pedro provenía de una familia de guerreros que en tres generaciones pasó de ser ucraniana a yugoslava, en tanto sirvió al Imperio Austrohúngaro y tras la Primera Guerra Mundial, un último descendiente terminó en un taller mecánico de Gran Avenida.
En busca del pasado, Rivano siempre terminaba al filo del abismo, como mostrando una verdad salvaje, bella e imposible de borrar.
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