16.7.12

La desaparición del artista Nicolás Pérez

© UCN.

Hace poco me enteré de la lamentable muerte del artista antofagastino Nicolás Pérez, el 6 de julio pasado.

Él era uno de los últimos exponentes de la escena artística del Antofagasta de mediado del siglo XX, y siempre destacó por su dibujo. Había sido discípulo de Carlos Dorhliac.

Dice sobre Pérez en el catálogo de la exposición "Pintura Antofagastina: desde Soto Moraga a nuestros días" de 1968:

"Antofagastino. Estudió en la Sociedad de Bellas Artes de Antofagasta. Profesor de dibujo en la Academia de la misma Sociedad y en la Universidad del Norte."

Pérez formó parte del Grupo Literario Letras, junto al poeta y crítico de arte Danilo Tacussis, la poetisa Marina Teresa Castro, el fotógrafo Alex Galetovic, y el escritor Mario Bahamonde. Sobre ellos escribió Marino Muñoz Lagos:

"Este grupo literario se caracterizó por sus trabajos en el campo de la escritura a principios de la década de los años cincuenta; realizaba sus actividades en el auditorio municipal de la calle Orella y por las noches se llenaba de escritores y curiosos atentos a las novedades de las letras chilenas."

El períodico digital Informarte de Carlos Massardo publicó una nota sobre el deceso:

"Hoy viernes 6 de julio, 2012, falleció en Antofagasta, el conocido pintor acuarelista e ilustrador Nicolás Pérez. Por años ilustró las páginas de El Mercurio de Antofagasta. En esta faceta de artista, ilustró, entre otros, algunos HACIA de Andrés Sabella.
Una figura más del arte local que cumple su ciclo de vida. Queda un legado de pequeñas acuarelas que Pérez no quiso exponer, pese a habérselo sugerido más de una vez. A ratos, estaba enojado consigo mismo y el mundo. Así era el hombre.
Su trazo era simple y lograba captar escenas de la vida cotidiana. Durante un tiempo, acostumbró a sentarse en la ex plaza del Mercado, cuando ésta cumplía su función recreativa y no como hoy, que la vemos convertida en un atiborrado y desordenado centro comercial. Allí, silencioso y con su block de dibujo, observaba a los transeúntes y los recreaba. Era un trazo fino que luego acuareleaba.
Es hora que recuperemos parte de su legado y preparemos para una fecha próxima una muestra de su trabajo. Le sobreviven su esposa, Mercedes Miranda y sus hijos Alex Ricardo y Verónica."

posted from Bloggeroid

15.7.12

Shrink-wrapped bodies by Julien Palast


French photographer Julien Palast has conceived his 'skindeep' series. The vivid image-based project silhouettes the beauty of the human form by shrink-wrapping bodies, exposing the contours and curves of male and female figures with vibrant colors.

Ver más en DesignBoom.

Earthquakes since 1898 - Terremotos desde 1898

Vía IDVsolutions.



With a heaping pile of data from NCEDC.org and the USGS, every recorded earthquake with a magnitude of 4 or higher was spattered onto this map. The satellite imagery was sourced from an August composite via NASA’s Visible Earth. So, does filming LOTR cause earthquakes or do earthquakes cause the filming of LOTR?
uxblog.idvsolutions.com

Más información en los siguientes posts:

Veo Verde: Cien años de terremotos en el planeta

Boing Boing: 100 years of earthquakes

Smithsonian Magazine: 100 Years of Earthquakes On One Gorgeous Map

14.7.12

ANTOFADOCS, Primer Festival Internacional de documentales de Antofagasta


Vía Antofadocs.

DEL 04 AL 08 DE SEPTIEMBRE DE 2012

ANTOFADOCS ya anunció la apertura de su proceso de inscripción para participar del certamen, recibiendo postulaciones hasta el 03 de Agosto de 2012.

El I Festival Internacional de Documentales de Antofagasta , ya anunció las fechas para la realización de su versión 2012, la que se llevará a cabo del martes 04 al sábado 08 de Septiembre de este año. Las competencias son: Competencia Largometraje Internacional y Nacional, Competencia Cortometraje Internacional y Nacional.

De igual modo, ya se abrió el proceso de inscripción para la versión 2012, por lo que se ha habilitado la siguiente dirección para el envío del material de preselección: ANTOFADOCS. Festival Internacional de Documentales de Antofagasta, Tercer Piso, Pabellón M, Edificio Dge. Universidad Católica Del Norte, Antofagasta. Chile.

Las inscripciones deberán realizarse por medio del formulario disponible en el sitio web www.antofadocs.cl La ficha de inscripción impresa y el material en formato DVD serán recibido hasta 03 de Agosto de 2012 como PLAZO MÁXIMO. El material debe haber llegado al domicilio señalado para dicha fecha.
La Selección Oficial será anunciada el mes de Agosto en el sitio web www.antofadocs.cl Por el solo hecho de postular a estas bases, las obras seleccionadas automáticamente aceptan autorizar extractos de imagen de su screener para efectuar la promoción de la Selección Oficial del Festival a través de medios.

The Psychology of Architecture

Composición © Claudio Galeno

Vía Wired.

By Jonah Lehrer, April 14, 2011 |

We spend our lives inside buildings, our thoughts shaped by their walls. Nevertheless, there’s surprisingly little research on the psychological implications of architecture. How do different spaces influence cognition? Is there an ideal kind of architectural structure for different kinds of thinking?

At the moment, I think we’re only beginning to grasp the relevant variables of design. Christian Jarrett, for instance, highlights a new study on curved versus rectilinear furniture. The study itself was simple: subjects viewed a series of rooms filled with different kinds of couches and lounge chairs. The results were bad for fans of high modernism – furniture defined by straight edges was rated as far less appealing and approachable. Sorry, Corbusier.

Or consider this 2009 experiment, published in Science. The psychologists, at the University of British Columbia, were interested in looking at how the color of interior walls influence the imagination. They recruited six hundred subjects, most of them undergraduates, and had them perform a variety of basic cognitive tests displayed against red, blue or neutral colored backgrounds.

The differences were striking. When people took tests in the red condition – they were surrounded by walls the color of a stop sign – they were much better at skills that required accuracy and attention to detail, such as catching spelling mistakes or keeping random numbers in short-term memory. According to the scientists, this is because people automatically associate red with danger, which makes them more alert and aware.

The color blue, however, carried a completely different set of psychological benefits. While people in the blue group performed worse on short-term memory tasks, they did far better on those requiring some imagination, such as coming up with creative uses for a brick or designing a children’s toy out of simple geometric shapes. In fact, subjects in the blue condition generated twice as many “creative outputs” as subjects in the red condition. That’s right: the color of a wall doubled our imaginative power.

What accounts for this effect? According to the scientists, the color blue automatically triggers associations with the sky and ocean. We think about expansive horizons and diffuse light, sandy beaches and lazy summer days. This sort of mental relaxation makes it easier for us daydream and think in terms of tangential associations; we’re less focused on what’s right in front of us and more aware of the possibilities simmering in our imagination.

Lastly, the psychologist Joan Meyers-Levy, at the Carlson School of Management, conducted an interesting experiment that examined the relationship between ceiling height and thinking style. She demonstrated that, when people are in a low-ceilinged room, they are much quicker at solving anagrams involving confinement, such as “bound,” “restrained” and “restricted.” In contrast, people in high-ceilinged rooms excel at puzzles in which the answer touches on the theme of freedom, such as “liberated” and “unlimited.” According to Levy, this is because airy spaces prime us to feel free.

Furthermore, Levy found that rooms with lofty ceilings also lead people to engage in more abstract styles of thinking. Instead of focusing on the particulars of things, they’re better able to zoom out and see what those things have in common. (It’s the difference between “item-specific” versus “relational” processing.) Sometimes, of course, we want to focus on the details of an object or problem, in which case a claustrophobic basement is probably ideal. However, when we need to come up with a creative solution, then we should probably seek out a more expansive space. Especially if it has blue walls.

Needless to say, we’re only beginning to grasp how the insides of buildings influence the inside of the mind. For now, it’s safe to say that tasks involving accuracy and focus – say, copyediting a manuscript, or doing some algebra – are best suited for short spaces with red walls. In contrast, tasks that require a little bit of creativity and abstract thinking benefit from high ceilings, lots of windows and bright blue walls that match the sky. The point is that architecture has real cognitive consequences, even if we’re just beginning to learn what they are.

13.7.12

El Centro Cultural Matadero de Madrid gana el Premio Fad de Arquitectura


Vía El País.

Roberta Bosco Barcelona 12 JUL 2012 - 20:10 CET

El jurado reconoce el trabajo colectivo frente al individualismo de los profesionales estrella.

Por primera vez en sus 54 ediciones el Premio FAD de Arquitectura no ha recaído estrictamente en uno de los proyectos finalistas. La situación es extraordinaria como el conjunto arquitectónico que la ha provocado, el Centro Cultural Matadero de Madrid, un conjunto de más de cien mil metros cuadrados dedicados a la creación actual,formado por varios edificios reestructurados en diferentes momentos, dos de los cuales –la Nave de Música y la Nave 16– estaban entre los finalistas. Sin embargo, cuando el jurado presidido por el arquitecto Guillermo Vázquez Consuegra fue a visitarlos, decidió premiar “la actitud global de la propuesta y valorar la inteligencia colectiva”, que ha conseguido convertir el Matadero no sólo en un centro de experimentación artística, sino en un campo de pruebas para la nueva arquitectura.

Las diversas intervenciones, realizadas desde 2007 hasta la fecha, en el exterior mantienen las huellas del pasado para reforzar el carácter experimental de las nuevas instituciones que alojan y en el interior consiguen solucionar con el mínimo protagonismo las diversas necesidades del extenso programa del Centro. “Este premio valora lo colectivo frente a lo individual, algo especialmente importante en este momento. Hay que reconocer la intuición de Carlos Bazán, Alicia Moreno y Cristina Conde, que coordinaron la transformación del Matadero bajo la idea de diversidad y unicidad. En lugar de apostar por un arquitecto estrella, decidieron abordar la renovación desde el respeto por la arquitectura industrial original de Luís Bellido, convirtiendo el espacio en un banco de prueba para la experimentación arquitectónica”, aseguraba Pablo Berastegui, director del Matadero, desde el tren que le conducía a Barcelona, donde en la noche de este jueves ha recibido el premio.

La ceremonia de entrega de los Premios FAD de Arquitectura e Interiorismo, un verdadero barómetro de la creación peninsular contemporánea, dio inicio a la fiesta de clausura del FADfest, el festival organizado por el Fomento de las Artes y del Diseño. Los demás galardones también han reconocido la inventiva y el aprovechamiento inteligente y sostenible de espacios y materiales. Lo demuestra el Premio FAD de Interiorismo al Restaurante Tondeluna de Logroño, realizado por Rubén Picado Fernández por “el brillante diálogo entre las necesidades de uso y la organización espacial, que permite en un rectángulo de escasas dimensiones, el desarrollo de la actividad de cocinar y servir, así como el FAD de Ciudad y Paisaje a Madrid Río de Ginés Garrido, “un proyecto de proyectos”, que revitaliza barrios segregados y les otorga una nueva calidad urbana. Finalmente el FAD de Intervenciones Efímeras ha sido para Magnolia del arquitecto portugués José Adrião, un proyecto navideño realizado en Lisboa, que supo dar un nuevo contenido a la tradicional iluminación sin recurrir a los tópicos asociados a estas fechas.

12.7.12

Ministerio de Obras Públicas (MOP) comenzó consulta ciudadana para definir proyectos. El Mercurio de Antofagasta, 12 de julio de 2012.

MOP. En página web y stand estará el listado de obras en Antofagasta. El traslado del Terminal Pesquero está entre las opciones.


IV Seminario Docomomo Chile: Trayectorias de la ciudad moderna, Concepción, 21-23 de noviembre de 2012.

Edificio Tucapel en Concepción, arquitecto P. Schoeufeld, 1941. © Claudio Galeno.

Vía Docomomo Chile.

Convocatoria

El IV Seminario Docomomo Chile se realizará en la ciudad de Concepción y estará enfocado al análisis y debates sobre las diversas experienccias urbano­-arquitectónicas que se manifestaron en el país y la región durante el siglo XX y sus alternativas de preservación.

Bajo el tema central "Trayectorias de la Ciudad Moderna", esta cuarta versión del seminario Docomomo Chile tiene como propósito continuar el análisis sobre arquitectura y urbanismo modernos que se llevaron a cabo en los anteriores seminarios, realizados en las ciudades de Santiago (2005), Antofagasta (2007) y Valparaíso (2009).

Concepción y otras ciudades de la región del Bío Bío –como Chillán, Lota, Los Ángeles y Talcahuano– poseen un valioso patrimonio moderno que se expresa en edificios individuales, conjuntos, barrios y en los paisajes urbanos más característicos. Parte importante del patrimonio moderno fue resultado de las acciones de reconstrucción de las ciudades que fueron arrasadas por los terremotos de 1939 y 1960. Ambos desastres derivaron en cambios de normativas y procesos de planificacción urbana que reorientaron el rumbo de la arquitectura y el urbanismo en Chile.

El terremoto del 27 de febrero de 2010, que afectó a varias ciudades del centro y sur del país que contaban con un importante patrimonio histórico moderno, enfocó el debate urbano hacia los aspectos relacionados con la reconstrucción, la planificación urbana y la conservaciónn patrimonial.

En este contexto, el IV Seminario Docomomo Chile constituye una instanccia de reflexión sobre diferentes aspectos teóricos y proyectuales vinculados a las Trayectorias de la Ciudad Moderna.

Con el objetivo de estructurar el debate, se han definido los siguientes ejes temáticos:

1. Circunstancias históricas y culturales de la ciudad durante el siglo XX.

2. La planificación de las ciudades, cambios y desarrollos; el rol de las instituciones en la construcción de la ciudad moderna.

3. Conjuntos urbanos emblemáticos y arquitecturas modernas relevantes.

4. Los desastres naturales del siglo XX y la reconstrucción urbana; el patrimonio moderno en el contexto del terremoto del 2010.

5. Situación actual del patrimonio moderno, valoración y perspectivas.

La Comisión Organizadora del IV Seminario DOCOMOMO Chile y el Comité Científico invitan a profesionales en ejercicio, estudiantes de postgrado e investigadores en arquitectura y urbanismo, así como de disciplinas relacionadas, a presentar investigaciones, estudios, proyectos y análisis críticos relacionados con algunos de los ejes temáticos señalados.

Considerando que el tema central "Trayectorias de la ciudad moderna" es amplio y abierto a diferentes miradas, las presentaciones se pueden enfocar hacia: aspectos teóricos e históricos del patrimonio moderno y los procesos urbanos; análisis de edificios, barrios o conjuntos modernos; valoración del patrimonio moderno; evaluación de cómo la arquitectura moderna respondió a los requerimientos frente al sismo; vías de conservación en el contexto de la reconstrucción.

Fecha y lugar del evento

El IV Seminario DOCOMOMO Chile se desarrollará los días 21, 22 y 23 de noviembre de 2012, en el Campus de la Universidad de Concepción. Parte de las actividades se realizarán en las sedes de las otras instituciones organizadoras: Universidad del Bío-Bío, Universidad del Desarrollo - sede Concepción, Universidad San Sebastián - sede Concepción.

Más información en las direcciones siguientes:

seminario2012@docomomo.cl
docomomoconcepcion@gmail.com
Se recibirán, en las mismas direcciones, los resúmenes para ser evaluados por el Comité Científico hasta el día 10 de agosto de 2012.

El documento de la convocatoria en formato PDF se puede descargar aquí.

9.7.12

30 años - Escuela de Arquitectura - Universidad Católica del Norte - Feria y Conferencias Julio 2012


Eco-Feria - Organizada por el CEAL (Centro de Alumnos de Arquitectura)
Viernes 13.07.2012 y sábado 14.07.2012- 15:00-24:00 horas - Dependencias de la Escuela de Arquitectura

Conferencias Julio 2012 - Organizada por Extensión de la Escuela de Arquitectura.

Martes 17.07.2012 - 18:00 horas - Sala ÁS (Ángela Schweitzer), UCN
“La ciudad de Antofagasta y el poeta Andrés Sabella.” Dr. Historia, JOSÉ ANTONIO GONZÁLEZ
“A la búsqueda de la arquitectura olvidada.” Master Arq. JOSÉ LUIS SANTELICES


Miércoles 18.07.2012 - 17:00 horas - Sala ÁS, UCN
“Didáctica geométrica”” Arq. DAVID CABRERA HINOJOSA

Miércoles 18.07.2012 - 18:00 horas - Sala ÁS, UCN
“Antofagasta de los años 80 y la Escuela de Arquitectura.” Dr. en Antropología LAUTARO NÚÑEZ ATENCIO


Jueves 19.07.2012 - 18:00 horas - Auditorio Andrés Sabella, UCN
“La arquitectura y territorio del norte chileno.” Premio Nacional de Arquitectura 2006, Arq. GERMÁN DEL SOL



2.7.12

Un escenario emerge de los canales. El Teatro del Mondo y otros teatros de Aldo Rossi.

© Blog Tom Beg.

Vía Arquitectura Viva - El País.


Una exposición reúne por primera vez 15 proyectos del arquitecto Aldo Rossi relacionados con el teatro

Por Milena Fernández.

Cuando los venecianos despertaron, aquella mañana de neblina densa, quedaron con la boca abierta. Algunos pensaron, podría tratarse de un engaño óptico, otros, menos optimistas, que un pedazo de la ciudad se había desprendido y flotaba muy a gusto en el Gran Canal, al lado de la Punta de la Aduana. Cuando la neblina comenzó a esfumarse, todos comprendieron que no se trataba de una ilusión visual. La mañana del 11 de noviembre de 1979, Venecia amanecía con un teatro flotante, El Teatro del Mundo, obra del gran arquitecto Aldo Rossi.

El Teatro del Mundo de Aldo Rossi (Milán, 1931-1997), de lejos parecía un pequeño castillo con ventanas azules, flotando al ritmo de la marea. Rossi ideó una torre de madera, sobre una estructura metálica con capacidad para 250 almas. No dejó escapar ni un solo detalle que sintonizara con el entorno de la Serenísima: coronó la torre con una esfera metálica, la cual, dialogaba con la enorme esfera de oro de la Punta de la Aduana. Pensado para tener una vida breve, permanece en la memoria colectiva como una especie de performance arquitectónica. Se ha convertido en un mito, en la permanencia de la arquitectura efímera, libre y creativa de su gestor.

Con una réplica a escala de la criatura del arquitecto arranca la exposición, Rossi, teatros, en el Magazino del Sale, transformado en museo por Renzo Piano. Abierta desde el 30 de junio y hasta el 25 de noviembre, la muestra coincide con la 13ª Exposición Internacional de Arquitectura que calienta motores para arrancar en un mes.

Rossi tenía la película bien clara. “He pensado en insertar un teatro en una ciudad vieja, en Venecia, la capital del agua, donde el paisaje no sólo lo forman el cielo y el agua. También el puente de Rialto es parte del paisaje, un mercado, un teatro”, escribió Rossi en uno de los apuntes que pueden leerse en la muestra. Por primera vez han sido reunidos 15 proyectos del prolífico arquitecto, diseñador y escritor milanés. Hay obras desde los setenta hasta 1997, año en que murió en un fatal accidente de tráfico. Pueden verse 120 bocetos arquitectónicos, modelos y objetos de escenografías teatrales para ópera y ballet. Se exponen además, fotografías, dibujos, reproducciones provenientes del Maxxi-Museo Nacional de las Artes del siglo XXI de Roma. Y para sacarle provecho al billete, también es posible visitar en el mismo edificio, Lacerazione.Plurimi/Binari 77/78 del pintor veneciano Emillio Vedova.

Un delicioso documental de la Rai reconstruye el viaje del Teatro del Mundo, que el 10 de agosto zarpó de la Punta de la Aduana para atracar, doce días más tarde en Dubrovnik, Croacia y participar en el Festival Internacional de Teatro. Lo impulsaba un barco repleto de cronistas y artistas. Uno de los periodistas presentes lo recordó así: “La salida de El Teatro del Mundo dejó a todos con el corazón en la mano. Cuando el remolque comenzó a funcionar, la fuerza de la olas golpeó la estructura. La gente nos miraba asustada. Pensaban que no llegaríamos nunca a Croacia”.

En la carrera del primer italiano ganador de un premio Pritzker, el teatro ocupa un lugar especial. Ha proyectado el Teatro Paganini de Parma (1964), restaurado el Teatro Carlo Felice de Genova (1983-1989) y la reconstrucción del Teatro de la Fenice. “Rossi pensó la ciudad como un teatro, como un escenario con gran espacio para la fantasía, como un mosaico con piezas diferentes, pero en armonía con el contexto. Hoy, sin embargo los arquitectos tienen una conciencia urbana individualista. Rossi, en cambio demostró que la vanguardia es posible, mediante una búsqueda constante del pasado y la identidad”, explica el comisario, Germano Celant.

Quién mejor que Rossi podría dar vida al Teatro del Mundo, creado para la Bienal de Arquitectura 1979-1980. Una idea arriesgada en una ciudad en la que el viento y las mareas altas pueden ser fatales, pero al mismo tiempo ligada a la historia de la Serenísima. Todo por una razón muy simple, según Celant: “La arquitectura sin el pasado no tiene sentido”. Y añade: “es la fusión perfecta del Settecento veneciano, que une los núcleos del arte, arquitectura, teatro y escenografía. Recordemos que, desde Gian Lorenzo Bernini a Antonio Gherardi construían esculturas arquitectónicas: servían para celebrar fiestas y funerales de papas y emperadores”. Y cómo no, un teatro sobre el agua, en la ciudad del teatro ambulante.

El riesgo de construir un teatro flotante valió la pena. El fruto, “un edificio efímero transformado en el escenario de la vida, que transforma la arquitectura en una acción mágica”, zanja Celant. Tras su llegada a Croacia, el Teatro del Mundo, posteriormente fue destruido. Queda el recuerdo y el triunfo de lo efímero. Y las memorables palabras de Rossi, escritas la misma noche del estreno. “Delante de La Salute, mientras escuchaba la música y miraba la gente acomodarse al interno, recogí un efecto que había previsto. Al ser un teatro que flotaba, desde las ventanas se podía ver el tráfico de los vaporettos y de los barcos, que entraban en la imagen del teatro, constituyendo la verdadera escena, fija y móvil”.

1.7.12

La escritura desbordada: poesía experimental española y latinoamericana, 1962-1982


Vía Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia.

Fechas: 9 febrero - 7 septiembre de 2012
Lugar: Edificio Nouvel, Centro de Documentación y Biblioteca. Espacio D
Organización: Museo Reina Sofía

Esta exposición difunde las propuestas experimentales realizadas por un grupo de artistas durante los años sesenta, a partir de una reflexión sobre el lenguaje, como intento de superar los límites establecidos.

La poesía concreta brasileña fue el referente, un primer paso. El aliento que empujó a romper con convencionalismos vino de Julio Campal, el poeta uruguayo que conectó los núcleos experimentales españoles con la vanguardia internacional. Campal inició el camino con Problemática-63 –formado, entre otros, por Fernando Millán e Ignacio Gómez de Liaño-. A su muerte el Grupo N.O. cogerá su testigo e impulsará nuevas manifestaciones artísticas.

En esos mismos años -al margen de los circuitos oficialistas- buscando recodos y vías de escape nace Zaj. Formado por Juan Hidalgo, Walter Marchetti y Ramón Barce trabaja siguiendo la estela del performance, bebiendo de la corriente Fluxus internacional. Otra iniciativa, la Cooperativa de Producción Artística y Artesana, reivindicará la radicalización del arte a través de “la experimentación y el ensayo”.

Además, aparte de proyectos colectivos, otros autores enfocan su trabajo desde un prisma más personal. Es el caso de Francisco Pino que hace del libro un objeto casi arquitectónico, o de un autor imprescindible para entender la vanguardia poética, Joan Brossa.

Con propuestas más extremas trabaja José Luis Castillejo. En sus libros la escritura se libera absolutamente del carácter representativo del signo gráfico. Hacia 1970 se vislumbra una mayor proyección de poetas españoles en publicaciones internacionales. Un papel destacado representa Fernando Millán, como difusor de la nueva vanguardia, Felipe Boso desde Alemania, José Miguel Ullán o el canario José Antonio Sarmiento. Hay, en esta época, otros muchos autores que reflejan la diversidad de senderos, estilos y matices alrededor de la poesía experimental, entre ellos; López Gradolí, Eduardo Scala, José María Iglesias, Elena Asins, José Antonio Cáceres, Rafael de Cózar, José María Calleja, etc.

En Latinoamérica, el relato de la “nueva poesía” o la “novísima poesía” –que es como allí denominan a la poesía experimental- lo protagonizan los herederos del artista alemán Mathias Goeritz desde Argentina, Uruguay y Chile: Edgardo Antonio Vigo, Clemente Padín y Guillermo Deisler; y tres publicaciones marginales, pero indispensables para conocer el trabajo de sus creadores: Diagonal Cero, Los Huevos del Plata y OVUM 10.

Las palabras en libertad de Marinetti fueron el germen. Otras herencias, influencias, vivencias uniones, desacuerdos, aciertos, locuras y errores dejaron su huella. Pese a lo marginal de la mayoría de sus propuestas, los “nuevos” poetas pasearon por estas décadas convencidas de que sus ideas conducían a un arte más libre.

"Perder la forma humana. Una imagen sísmica de los años 80 en América Latina." Museo Reina Sofía prepara amplia muestra sobre arte y dictaduras en Latinoamérica.


Vía La Tercera.

Museo Reina Sofía prepara amplia muestra sobre arte y dictaduras en Latinoamérica

De Argentina a Cuba, más de 60 expresiones artísticas nacidas en los 80 llegarán a Madrid.
por Elisa Cárdenas

Episodios violentos o dramáticos, como pueden ser los provocados por una dictadura, transforman a la sociedad que los vive, cambian arquetipos y generan nuevos modos -quizás urgentes- de manifestación. En los años 70 y 80 del siglo pasado, coincidieron en América Latina varios regímenes autoritarios; cada país a su modo y de acuerdo con su contexto, lo resintió y expresó en tiempo presente su descontento. ¿Cómo se manifestó el arte? La pregunta es un punto de partida para la investigación que emprendió la Red Conceptualismos del Sur, un grupo de teóricos latinoamericanos. Invitando a investigadores de cada país, concibieron la exposición Perder la forma humana. Una imagen sísmica de los años 80 en América Latina, que parte el 25 de octubre en el Museo Reina Sofía de Madrid.

Distante de lo que se comprende habitualmente como una exposición de arte, esta actividad muestra las más diversas formas de expresión colectiva frente a las dictaduras en Chile, Argentina, Paraguay, Uruguay y Brasil, más algunas experiencias de Colombia, México y Cuba (por responder a cuestionamientos comunes). No pretende ser una panorámica o una muestra representativa de la época, sino un diagrama posible de las transformaciones que se dieron, tanto en lo social como en el arte y la política.

Entre más de 60 obras y registros, Chile presentará un amplio retrato de la disidencia. Habrá artistas consagrados como el CADA, Carlos Leppe, Paz Errázuriz, las Yeguas del Apocalipsis, Pedro Lemebel o Vicente Ruiz, junto a otros menos conocidos, como el colectivo Anjeles Negros o el grupo punk Pinochet Boys. También estarán los fotógrafos Luis Navarro y Kena Lorenzini, entre otros; o los que le siguieron el pulso a las subculturas urbanas, como Gonzalo Donoso. Estarán las imágenes de las demandas humanitarias de Mujeres por la Vida o el Movimiento Contra la Tortura Sebastián Acevedo, e intentos de oposición a través de las comunicaciones, como los noticieros de Teleanálisis. Esta reconstitución es fruto del trabajo de los investigadores Paulina Varas, Felipe Rivas, Isabel García, Jaime Vindel y Fernanda Carvajal, convocados por RCSur.

Entre el terror y la fiesta

La revisión del paisaje latinoamericano ochentero arrojó fenómenos comunes, como la violación a los derechos humanos, la fractura del proyecto socialista y los inicios del neoliberalismo. Ante todo ello, surgieron prácticas radicales, discursos de disidencia sexual, una segunda ola del feminismo crítico y las subculturas juveniles que ya no creyeron en ningún tipo de representación política. Así, se fueron desconfigurando los territorios colectivos; el arte (al menos el que ocupa a esta investigación) se volcó a la vida pública. La sociedad buscó vías inéditas de pensamiento y de acción, modos de vivir en libertad, pese a las circunstancias. Hubo una aparición múltiple y simultánea de tácticas, invención de espacios y modos de hacer arte y política, esas son las mutaciones de las que habla la exposición.

“Todas estas formas de subjetivación llevan, a su manera, a extraviar la forma humana: tensionan, desarman y deforman la concepción humanista y moderna del sujeto. Son experiencias que dieron lugar a nuevos sujetos políticos, a heterodoxas formas de protesta”, indican los curadores.

Esta nueva “territorialidad social” vinculó el arte y el activismo político desde claves muy distintas a los años 70, pese a basarse en principios e ideales propagados entonces. Un ejemplo es el Movimiento Contra la Tortura Sebastián Acevedo. Inspirado en la Teología de la Liberación, impulsó intervenciones basadas en la manifestación pacífica, que se anteponían “a las consignas más concientizadoras propias de décadas anteriores. Por eso, podemos hacer convivir las prácticas de movimientos sociales como las Madres de Plaza de Mayo o Mujeres por la Vida, con ‘obra’ de artistas como Osvaldo Salerno (Paraguay), las Yeguas del Apocalipsis (Chile), expresiones teatrales como el Periférico de Objetos (Argentina), fanzines de poetas o músicos punk, etc. Lo que nos importa de este heterogéneo conjunto de prácticas no es la variedad, sino la intensidad poética y política que tuvieron y pueden seguir teniendo”.

El equipo curatorial de RCSur está formado por las argentinas Ana Longoni y Mabel Tapia, los brasileños Fernanda Nogueira y André Mesquita, la chilena Fernanda Carvajal, el peruano Miguel López y el español Jaime Vindel.

Más info en periódico El Mundo:
De Dalí a Cristina Iglesias
El director del Reina Sofía, Manuel Borja-Villel, presenta la programación del museo para el próximo curso.

30.6.12

"Deisler: los años en Antofagasta", por Víctor Bórquez Núñez para "La linterna de papel" de El Mercurio de Antofagasta, 29.06.2012.


Una vez más, la cultura tiene espacio en Balmaceda Arte joven, gracias a la rica línea programática que vienen desarrollando desde su creación, en una alianza estratégica con Fundación Minera Escondida.

Esta vez se trata de la exposición de la etapa antofagastina del poeta visual Guillermo Deisler, cuyo objetivo principal es dar a conocer a la comunidad la importante obra de este autor que vivió en Antofagasta durante 1967 y 1974, desarrollando proyectos que lo convirtieron en un referente mundial de la poesía audiovisual.

El proyecto es el esfuerzo del artista visual y productor de Balmaceda Arte Joven, Jorge Wittwer, la historiadora, Paulina Varas y el arquitecto, Claudio Galeno, quienes tuvieron el apoyo directo de la viuda de Deisler, Laura Coll, quien permitió el acceso a una gran cantidad de material para esta muestra.

Este trabajo tiene el mérito doble de poner en contacto a las nuevas generaciones con el estilo y valor de las obras de Deisler y recopila un material que no estaba investigado ni publicado, y que por lo mismo se convierte en un recorrido obligado del período que el artista desarrolló entre 1967 y 1974, fecha en que debió partir al exilio.

Guillermo Deisler está considerado uno de los pilares y figura conductora de los artistas vinculados a las artes visuales y poetas, ya que a su labor como creador visual, sumó su trabajo de editor que le permitió establecer interesantes diálogos en diferentes lenguajes.

"Deisler, los años antofagastinos", según sus organizadores, abre un espacio de distención, con obras que permiten apreciar la mirada crítica de un creador que vivió un periodo marcado por la dictadura y la falta de tolerancia respecto de las ideas disidentes.

Con esta feliz iniciativa, una vez más Balmaceda Arte Joven y Fundación Minera Escondida, dan cuenta de su sintonia con las necesidades de rescate del patrimonio cultural que existe en nuestra región.

26.6.12

Otro día. Fotografía | Instalación | Intervención Pública | Video por Juan Castillo, Museo de la Solidaridad Salvador Allende



Artistas: Juan Castillo

Exhibición: Inauguración jueves 16 de agosto, 2012

Lugar: MSSA

Entre los años 1999 y 2009, Juan Castillo documentó en video a personas que le respondieron a su pregunta ¿Cuál es tu sueño más importante? ; en Santiago de Chile, en Gran Canaria y Antofagasta. Para esta muestra seleccionó 12 de estas entrevistas, que son la base de la propuesta visual a exhibirse en el Museo de la Solidaridad Salvador Allende entre el 17 de agosto y el 2 de octubre.

“Otro día” es el nombre de su instalación y está montada en dos tiempos. Los sueños de los entrevistados, en dialogo con íconos que Castillo ha creado en su taller, en Suecia: basado en la arquitectura y el paisaje donde habita. Una suma de voces y materia.

Juan Castillo nació en Antofagasta y está radicado en Suecia desde 1986. A fines de los 70 integró el Colectivo de Acciones de Arte (CADA) y, desde entonces, ha realizado instalaciones e intervenciones, junto a un trabajo multimedial.

Vea la obra de Juan Castillo en su página web.

25.6.12

XIV Seminario sobre Patrimonio Cultural: "Patrimonio en peligro: acciones para su protección", 25 y 26 de julio de 2012.



Vía DIBAM.

El robo, saqueo y pillaje, así como de importación y exportación ilícitas de bienes patrimoniales, son un daño irreparable a la memoria y el legado de un país. En todo el mundo, museos, colecciones públicas y privadas, propietarios o poseedores legítimos, edificios religiosos, instituciones culturales y sitios arqueológicos, son altamente vulnerados con esta práctica indebida.

En este contexto, el XIV Seminario sobre Patrimonio Cultural: "Patrimonio en peligro: acciones para su protección", que se realizará el 25 y 26 de julio de 2012, tiene como objetivo dialogar y reflexionar –desde una perspectiva multidisciplinaria– sobre el estado actual de la lucha contra el tráfico ilícito de bienes patrimoniales. El encuentro será, también, una instancia para buscar formas de cooperación entre los actores involucrados, contribuyendo así al desarrollo de una red de expertos en la materia en Chile.

Algunos temas que se abordarán son: la anhelada ratificación de Chile a la Convención sobre las Medidas que deben Adoptarse para Prohibir e Impedir la Importación, Exportación y la Transferencia de Propiedad ilícitas de Bienes Culturales, de la Unesco, de 1970; la legislación chilena de protección del patrimonio; el tráfico de bienes patrimoniales en Chile, Latinoamérica y el mundo, y el rol público y privado en el resguardo del patrimonio.

El seminario está orientado a profesionales de instituciones patrimoniales; a coleccionistas y anticuarios; a funcionarios de distintas reparticiones del Estado que están ligados al tema, entre ellos Servicio Nacional de Aduanas, la Policía de Investigaciones de Chile y Carabineros de Chile; y a público interesado en esta temática.

Entre los expositores se encuentran importantes expertos internacionales: Edouard Planche, especialista del Programa de lucha contra el tráfico ilícito y restitución de bienes culturales, División de Patrimonio Cultural, Unesco.; Antonio Roma, fiscal de Urbanismo del Tribunal Superior de Justicia de Galicia, especialista en delitos contra el patrimonio histórico; Stéphane Thefo, oficial especializado de la Secretaría General de Interpol, y Bonnie Magness-Gardiner, directora del Programa contra el robo de obras de arte, Federal Bureau of Investigation (FBI), Departamento de Justicia de Estados Unidos.

En cuanto a los destacados expositores nacionales, contaremos con la participación del Senador Juan Pablo Letelier, Ximena Silva (CDE), Emilio de la Cerda (CMN), Denise Ratinoff (Christie´s Chile), Claudia Zaldívar (MSSA), Sergio Medina (UTA), Mauricio Fernández (Ministerio Público), Richard Oliva (PDI) y de Marcelino Millón (SNA).

Bienal de São Paulo detalha próxima edição enquanto tenta acordo com o Ministerio da Cultura.

[Martin Corullon de Metro Arquitectos explica dos proyectos para São Paulo, el segundo es la expografía de la Bienal].

Vía Folha de São Paulo.

SILAS MARTÍ
DE SÃO PAULO

Heitor Martins, presidente da Fundação Bienal de São Paulo, vai conseguir pôr de pé a 30ª edição da mostra, que começa em setembro, mesmo com pendências com o Ministério da Cultura e ainda tentando captar R$ 4 milhões de um orçamento total de R$ 22 milhões.

Seu mandato, no entanto, termina neste ano, ameaçando deixar de herança para a próxima gestão um impasse com o governo, que estuda contas rejeitadas de gestões anteriores da fundação. "Essa é uma pendência importante", disse Martins à Folha. "É importante encaminhar essa solução para assegurar a vitalidade da instituição."

Em janeiro deste ano, o MinC bloqueou as contas da Fundação Bienal e chegou a exigir mais tarde que outra instituição se responsabilizasse pela edição deste ano da mostra, elegendo o Museu de Arte Moderna de São Paulo para a função.

Depois de uma manobra jurídica, a Bienal conseguiu o desbloqueio momentâneo dos fundos, dispensando a participação do MAM. Mas o acordo vale só para realizar a 30ª edição e não garante o futuro da instituição.

Segundo a Folha apurou junto a fontes na fundação Bienal, contas que já haviam sido aprovadas estão sujeitas a segunda análise, num pente fino que ainda não terminou. Estão sendo estudadas irregularidades em prestações de contas das gestões de Carlos Bratke, de 1999 a 2002, a e Manoel Francisco Pires da Costa, que ficou sete anos na presidência da instituição --a Justiça calcula um possível rombo de R$ 75 milhões.

Nos bastidores da Bienal, no entanto, o clima é de tranquilidade. Reuniões frequentes entre gestores da Bienal e interlocutores do MinC também têm sido realizadas para acelerar o processo, embora, segundo Martins, não haja "nenhuma previsão ou acordo" em vista com o MinC. "O ministério está sensível à questão", diz Martins. "Estão cientes de que isso precisa ser resolvido em tempo para não comprometer a 31ª Bienal."

Martins, o curador da 30ª Bienal, Luis Pérez-Oramas, e a equipe da mostra apresentaram nesta sexta em São Paulo detalhes dos preparativos do evento. Em seus dois mandatos à frente da Bienal, Martins criou estruturas permanentes de produção, comunicação e programas educativos. Antes de sua gestão, essas equipes eram criadas por ocasião de cada evento e depois desfeitas.

Também foram divulgadas metas do projeto educativo, coordenado por Stela Barbieri, que pretende atender até 1,4 milhão de pessoas até 2016 e tem como meta chegar a 600 mil visitas orientadas ao longo da 30ª Bienal.

Paz Errazuriz: “Siempre he buscado que mi trabajo fuera invisible”, por Manuel Morales para El País.

Vía El País.


Su retrato en blanco y negro de un boxeador sentado y sudoroso ha sido el elegido para el cartel de la edición de este año de PHotoEspaña. Es una de sus fotos que cuelgan en la exposición Aquí estamos, una de las más destacadas del certamen fotográfico y que puede visitarse en el Círculo de Bellas Artes hasta el 22 de julio. La chilena Paz Errázuriz (Santiago de Chile, 1944) ve con orgullo cómo tras cuarenta años de carrera por fin "ha aterrizado" en España su obra, imágenes con el aroma de la fotografía clásica, con una forma de mirar que se asemeja a la de su admirada Cristina García Rodero, a la que ha podido conocer en su breve estancia en Madrid.

Precisamente, de la capital española le llegó hace seis meses una sorpresa: el museo Reina Sofía posee obra suya y la fotógrafa ni lo sabía. "Es extraño. Me llamaron para pedirme información de unas fotos. Yo les dije ‘¿pero qué hacen ahí?’. Creo que todo viene porque durante la dictadura de Pinochet [1973-89] hubo una exposición itinerante en 1987 que se llamaba Chile vive, que incluía fotos mías que no volvieron a mí país. Alguien las donó y ahí quedaron". Lo que sí es conocido es que la Tate Modern londinense tiene una serie de sus trabajos más recientes.

Paz iba para profesora, "pero ya aspiraba a hacer fotografía, que no a ser fotógrafa, eso eran palabras mayores". Por eso empezó por retratar a sus alumnos. "Los chicos son unos modelos extraordinarios porque se olvidan de que tú existes y entonces pasas a ser invisible. Eso es algo que he querido repetir siempre, que mi trabajo sea invisible para mezclarme, ser parte del mobiliario".

De formación autodidacta, comenzó como free lance en la dictadura pinochetista, "un mundo muy complicado y peligroso". "Siempre hubo censura, pero nos las arreglábamos para mandar las fotos afuera, era un lucha vital, con mucho dinamismo". Paz fue en 1981 la propulsora de la Asociación de Fotógrafos Independientes. "Logramos protegernos como sociedad y tener acreditaciones". Esta mujer de pelo largo y aparente fragilidad recuerda aquella etapa: "Éramos jóvenes y valientes, nos tuvimos que formar en la calle".

En paralelo al reporterismo, Errázuriz realizó un trabajo nada periodístico, el seguimiento fotográfico de una gallina, Amalia. La razón era tan pedestre como la implantación del toque de queda. "Había que encerrarse temprano y yo tenía a mis chicos pequeñitos. Por eso hice en 1975 —ríe— el diario de esta mascota".

Después del ave, llegaron lo que Errázuriz llama "ensayos, investigaciones más allá de la foto concreta", trabajos de meses de convivencia con los habitantes de un circo o con travestis prostitutos, "que sufrieron muchísima represión y padecieron los tiempos del sida cuando no se conocía la enfermedad". Algunas de estas instantáneas están en Aquí estamos y muestran a personas que ella se niega a que sean calificadas de sórdidas. Entonces aflora su cariño por sus retratados: "Son seres que aspiran a tener ideales en una sociedad que los puso en esa situación y si tú lo quieres ver, encontrarás belleza en ellos". También respeto: "Lo mío no son irrupciones, ni invasiones, no son fotos por casualidad. Y cuando alguien me ha dicho, ‘no quiero salir’, pues no sale".

Los boxeadores

De estas series de distintos colectivos fue especialmente complicada la de los boxeadores, tipos duros que miran a la cámara como desinflados tras el combate. "Por ser mujer no me dejaban entrar en los gimnasios pero los boxeadores eran solidarios conmigo. Eso sí, veían que mis fotos no eran de sus triunfos y eso les desilusionaba. Además esperaban verse en color. Pero ahora, cuando las tienen en sus manos, les gustan y están orgullosos de salir así, quizá porque descubrieron algo de sí mismos que no esperaban". De esa forma de retratar dijo la escritora mexicana Elena Poniatowska que consiste en "atrapar la vida en toda su crudeza y crueldad".

Otro de esos trabajos "siempre autofinanciados" del que guarda especial cariño son los dos años que pasó con los internos de un hospital para dementes en Putaendo. "La mayor satisfacción que tuve fue que una vez me encontré con el exdirector del centro y me dijo que a los doctores esas imágenes les habían abierto una puerta para mirar a sus pacientes de otra manera, con más dignidad".

En su carrera ha sido recurrente un sambenito al hablar de su obra: "La recepción de mis fotos siempre ha sido una desilusión para todos. Eran miradas con horror. Por eso mi fotografía no ha tenido éxito, no es comercial, tiene fama de ‘qué depresión más grande tener una foto tuya’. Pero ya estoy acostumbrada, me resbala". Para ella, mostrar a esos seres apartados "ha sido una especie de castigo". "Las cosas que han dicho de mis trabajos han sido por mirar donde no se debe". Quizá por eso, otro raro, su compatriota y último premio Cervantes, Nicanor Parra, le dedicó uno de sus célebres antipoemas.

Errázuriz no solo ha fotografiado a personas. En Aquí estamos están algunas de sus imágenes de la serie Memento mori (2004). "Fotos de las fotos que los familiares ponen de sus difuntos en los cementerios". Un proyecto que se planteó quizás porque "cada vez es más difícil fotografiar a los vivos". Como arduo le resulta seguir con el blanco y negro. "Ahora hago algunas cosas en color y con digital. Es complicado encontrar material para los revelados".

Ese blanco y negro tiene similitudes con el de Cristina García Rodero. "Es curioso porque hace muchos años un curador norteamericano del museo de Seattle conoció mi trabajo. Y montó una exposición conmigo y con fotos de Cristina porque los veía parecidos". Paz ha podido cumplir el deseo de conocer a la artista ciudadrealeña que tanto admira y que imprime a su obra "un algo poético". "Fue un encuentro mágico, ella fue muy generosa. Yo estaba llena de complejos, no sabía qué decir. Entonces me comentó que mi trabajo era muy bueno y eso me alegró mucho".

Lo último de Paz es la serie La luz que me ciega, sobre un grupo de campesinos de Chile que viven en un lugar apartado y sufren de acromatopsia, enfermedad que les hace ver solo en blanco y negro. Una obra simbólica para esta fotógrafa cada vez más abocada a mirar en color y que, como reconoce, acaba volviendo a sus queridos marginados para "hacer visibles los lugares oscuros que la sociedad no puede o no se atreve a mirar".

22.6.12

Josef Albers na América: Pintura sobre papel

Vía Calouste Gulbenkian.



De 18 Mai 2012 a 1 Jul 2012
Das 10:00 às 18:00
Encerra Segunda-feira
CAM

Curadores/ Curators: Heinz Liesbrock, Michael Semff

Galeria de imagens.
Ver IMAGENS de alta resolução

Primeira exposição em Portugal de Josef Albers (1888-1976), um dos mais importantes artistas e teóricos de arte do século XX.

Organizada pelo Staatlich Graphische Sammlung de Munique, em estreita colaboração com a Josef and Anni Albers Foundation, nos Estados Unidos, reúne 80 estudos a óleo sobre papel, pouco divulgados, com várias anotações do artista, mostrando a sua obra a partir do campo da investigação experimental.

A revista Beaux Arts considerou Josef Albers na América. Pintura sobre papel uma das melhores exposições do ano apresentadas em França, e o CAM recebe-a imediatamente após o Centre Georges Pompidou em Paris e antes de seguir para a Morgan Library & Museum, em Nova Iorque.

VISITAS ORIENTADAS
Entrada livre, requer levantamento de bilhete

Domingo, 1 Julho, 2012

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INFORMAÇÕES E CONTACTOS
Rua Dr. Nicolau de Bettencourt
1050-078 Lisboa
cam@gulbenkian.pt

Recepção
Tel. +351217823474
Tel. +351217823483

21.6.12

Sound of Noise, película sobre el arte del ruido dirigida por Ola Simonsson y Johannes Stjarne Nilsson



El agente de policía Amadeus Warnebring nació en el seno de una célebre familia de músicos, pero --ironías del destino-- detesta la música. Un día, un extravagante grupo de músicos dirigido por la hermosa y traviesa Sanna decide tocar una obra musical apocalíptica empleando la ciudad como instrumento y sembrando el caos y el pánico entre la población. Warnebring se entrega inmediatamente en cuerpo y alma a la caza de estos terroristas musicales.

Director: Ola Simonsson, Johannes Stjarne Nilsson
Cast: Bengt Nilsson, Sanna Persson Halapi, Magnus Borjeson, Johannes Bjork

Vía Wikipedia
Sound of Noise is a 2010 Swedish-French comedy-crime film written and directed by Ola Simonsson and Johannes Stjärne Nilsson. It tells the story of a group of musicians who illegally perform music on objects in the various institutions of a city. The film is a follow-up to the 2001 short film Music for One Apartment and Six Drummers, which was made by the same people and followed the same basic concept. The title comes from the Italian futurist Luigi Russolo's 1913 manifesto The Art of Noises.[1]

19.6.12

Claudia Deisler: Guillermo Deisler, Años antofagastinos.


Discurso de Claudia Deisler en la exposición "Guillermo Deisler, los años antofagastinos, 1967-1974".
Por Rafaelaa Correa Deisler.

12.6.12

Muestra sobre el artista Deisler destaca en junio. La Estrella, 12.06.2012.



POETAS DE VERDAD: Guillermo Ross-Murray y Miguel Morales Fuentes.

Vía Informarte.



Por Carlos Massardo Prado
(Artículo aparecido en periódico "La Alternativa" 2008)

Tebaida, Arúspice y Trilce, nombres olvidados del patrimonio de nuestro país. Tres revistas literarias de la década de los 60. Encontramos reunidos en Antofagasta a Guillermo Ross-Murray Lay-Kim y a Miguel Morales Fuentes, dos de sus integrantes, dos amigos que se ven poco y se estiman bastante. Hablar con ellos es conectarse al pasado, aunque ellos son presente. En las conversaciones aparecen historias, lugares y personas que, por supuesto, quisiéramos haber conocido.

Don Guillermo nos relata: “La poesía joven chilena en la década de los 60 se concentraba en tres grandes grupos, cada uno de ellos con una revista: “Arúspice” de Concepción con Jaime Quezada a la cabeza, “Trilce” de Valdivia con Omar Lara y “Tebaida” con Alicia Galaz Vivar en el norte. Junto a ellos, la revista a nivel nacional que existía, “Orfeo” dirigida por Jorge Tellier. Estos tres grupos tenían una serie de ciertas características. La primera que hay que resaltar siempre es la amistad, tan escasa en los poetas de hoy. Y por otro lado “la profesionalidad”, es decir el compromiso estético con la belleza y el compromiso ético-solidario con los demás”.

Quienes formaron “Tebaida” y están hoy en el norte son Miguel Morales Fuentes en Antofagasta, Luís Moreno Pozo de Tocopilla y Guillermo Ross-Murray Lay-Kim de Iquique. Un poco más lejos geográficamente está Héctor Cordero Vitaglic, en algún lugar del sur de Chile y Oliver Welden Robertson circulando por el orbe.
Sobre la participación de Guillermo Deisler en “Tebaida”, - gran representante chileno de la poesía visual-, Ross-Murray Lay-Kim comenta: “Con sus ediciones “Mimbre” nos permitió dar nuestras primeros pasos a los poetas de esos tiempos junto con participar en Tebaida”.

Respecto a la época en que ellos tenían “Tebaida” y la actual, nos dice: “Yo creo que dos características ya no se dan; la amistad que existía entre todos nosotros a raíz de cual se hacían viajes, encuentros y por otro el ser profesional. Yo veo que esta posibilidad de publicar ahora es tal como lo es el amor. Antes el amor era una escalera, paso a paso. Ahora es una carrera de cien metros. La poesía es igual. Antes había un proceso de gestación y revisiones y cuando se llegaba al primer libro, realmente tenía enjundia. En cambio ahora no. Ahora falta eso. Es tan rápido, que la mayoría de las veces el poeta se arrepiente de sus primeros escritos”.
Sobre la posibilidad de hacer algo en conjunto con los integrantes que mantienen cierta conexión Don Guillermo acota: “Somos parte de este archipiélago que se llama Tebaida y no sólo por nuestra voluntad, sino porque Tebaida y toda la poesía chilena fue rota por la dictadura militar impuesta el 11 de septiembre de 1973. Pero a pesar de la no comunicación concreta, está la comunicación que va por sobre la carta, por sobre la palabra, que es el recuerdo”. Es este mismo recuerdo que nos hace tener presente a Ariel Santibáñez, detenido-desaparecido, y a todos estos hombres que son poesía.

APU (En la muerte de Pinochet)
10.12.2006

Para él,
ninguna gota de Poesía.
Tinieblas, tinieblas, tinieblas,
nada más.

Guillermo Ross-Murray Lay-Kim

Angélica

En qué rue de París
vas pisando adoquines?
Mientras yo me encorvo
como gárgola,
y me lleno de polvo
aquí en los cerros de Antofagasta.

Miguel Morales Fuentes

10.6.12

Deisler, los años antofagastinos - Fondart rescata la obra de importante artista. El Mercurio de Antofagasta, domingo 10 de junio de 2012.

Dos notas de prensa aparecidas en El Mercurio de Antofagasta, se refieren a la exposición de la obra de Guillermo Deisler en los años que residió en Antofagasta. La exposición es parte de un Fondart de investigación sobre el período antofagastino del artista, y está dirigido por el productor de Balmaceda Arte Joven Antofagasta, el artista Jorge Wittwer Mulet. La segunda etapa del Fondart es le lanzamiento del libro escrito por los investigadores Paulina Varas y Claudio Galeno, y la exhibición de la exposición en Santiago, en la galería de Balmaceda.

Más detalles en las notas de El Mercurio:





8.6.12

Deisler, los años antofagastinos, desde el 14 de junio en la Galería de Arte Fundación Minera Escondida y presentada por Balmaceda Arte Joven Antofagasta.




El grabador, poeta y editor Guillermo Deisler vivió en Antofagasta desde el segundo semestre de 1967 hasta que partió a Santiago en diciembre de 1973 y luego en su exilio a Europa en enero de 1974, durante ese período, como profesor de la Escuela de Pedagogia en Artes de la Universidad de Chile, encontró el espacio y el ambiente para desarrollar y potenciar su obra.

Uno de sus principales valores de su período antofagastino fue ser un agente integrador, que reunió al mundo de la cultura entorno a la poesia visual, desde el grabado, el diseño editorial, la gráfica, produciendo un estimulante juego entre la palabra y la imagen. Sus propias obras tienen esa virtud de provocar y exigir al lector que interactue con el libro. Sin duda entre esas obras, una de las más potentes y considerada la primera publicación chilena de poesia visual fue "Grrr" (que son imágenes articuladas en torno a la onomatopeya Grrr), pero también son muy interesantes "Texto" (que no tiene ningún texto) y "Proyecto para hacer un libro", para mi este último es uno de los más geniales en cuanto provocación ya cada página tiene una instruccion: "consuma", "arraque", "corte", "desate" "levante", "rasgue", "juegue", "tire", "saque", etc.

Desde Antofagasta se conectó con poetas y artistas de todo el norte chileno, y aglutinó y articuló su producción con la fuerza que significa el cruce disciplinario de las artes. Algunos de esos personajes han sido especialmente entrevistados para la investigación, por ejemplo a Guillermo Ross-Murray en Iquique; a Luis Moreno Pozo en Tocopilla; a Graciela Ramos, su alumna y asistente en los años antofagastinos; al documentalista René Dávila; a Miguel Morales (Tipografo Huraño), quien créo la editarial Tebaida; a Rogelio Cerda, seguidor del trabajo de poesia visual; y por supuesto a la viuda Laura Coll.

Fue muy influyente para toda una generación de artistas consolidados o emergentes, el mismo Juan Castillo (grupo CADA) lo ha declarado, que siendo niño expuso en muestras organizadas por el Departamento de Artes Plásticas y Manuales de la Universidad de Chile, y en ese contexto conoció a Deisler.

Gracias a su producción editorial (que se habia iniciado en Santiago en 1963) posicionó a muchos poetas mediante el ejercicio de publicarlos en "Mimbre", su editorial. Por ejemplo a Waldo Rojas, Guillermo Trejo, Hernán Lavin, Graciela Toro, Enrique Valdés, Paulina Cors Oliver Welden y muchos otros.

Su trabajo infatigable hizo muchos libros, que son obras de arte hechas a mano, impresos en su mayoría en su imprenta tarjetera, una pequeña máquina que le permitia imprimir los textos y las xilografías.





7.6.12

Muere Ray Bradbury, creador de otros mundos.

Vía Euronews.



Fue uno de los grandes de la Ciencia Ficción, aunque Ray Bradbury sentía aversión por ese término.

Prefería definirse como un escritor de fantasía. Falleció ayer a los 91 años en California.

Su carrera estuvo muy ligada al cine, muchos de sus libros acabaron recreados en la pequeña y la gran pantalla. Durante más de 60 años alimentó los platós de cine y televisión con sus guiones para series y películas.

Farenheit 451 y Crónicas Marcianas son, quizás, los más conocidos, aunque hubo muchos otros como “Llegó del más allá”, “El increible hombre menguante”, “El monstruo de tiempos remotos”, varios episodios de la conocida serie “Alfred Hitchcock presenta” y “Moby Dick”

Bradbury es en gran parte responsable del imaginario colectivo que se hizo el ser humano del siglo XX.

6.6.12

Jodorowsky filma la Danza de la Realidad en Tocopilla

Damir Galaz-Mandakovic ha publicado un interesante artículo: "Jodorowsky el retorno fílmico" en el blog "Tocopilla y su historia. Está ilustrado con muy buenas fotografías de Aldo Beroiza, las que expresan el proceso de filmación que se está realizando en estos días en Tocopilla para concretar la "Danza de la Realidad", la nueva película de Alejandro Jodorowsky, para lo cual han incluso reconstruido la incendiada casa de la familia del psicomago, donde quedaba la tienda Ukrania.

© Aldo Beroiza.

La utopía es posible ICSID. Eivissa, 1971 / 21 jun. 2012 - 20 ene. 2013 MACBA

Vía MACBA.

© Prada Poole.


En 1971 tuvo lugar en Ibiza el VII Congreso del ICSID (International Council of Societies of Industrial Design), organizado por la Asociación de Diseño Industrial y el Fomento de las Artes Decorativas (ADI/FAD). El congreso vinculaba el diseño internacional con la arquitectura y el arte.

Además de tratar cuestiones de filosofía, política del diseño, sociología y pedagogía, entre otras materias, la organización favoreció una serie de acontecimientos alejados de la rigidez y el formalismo propios de los congresos. Un grupo de estudiantes dirigidos por los arquitectos Fernando Bendito y Carlos Ferrater creó la Instant City con la colaboración de José Miguel de Prada Poole. Se trataba de una arquitectura neumática hinchable y efímera pensada como habitáculo temporal para los estudiantes asistentes al congreso y como punto de encuentro de personas e ideas.

La fiesta inaugural, organizada por Jaume Xifra, Antoni Miralda y Dorothée Selz, consistió en un ceremonial multicolor con comida, máscaras y túnicas de colores. Carles Santos dirigió la orquesta. La intervención Vacuflex, de Muntadas y Gonzalo Mezza, se centraba en el traslado a distintos emplazamientos de un tubo de Vacuflex que se podía manipular para crear formas diversas. Josep Ponsatí instaló una escultura inflable de grandes dimensiones en la bahía de Sant Miquel. En todos los casos, se trataba de intervenciones de carácter abierto y colectivo.

El congreso rechazó las sedes urbanas habituales para este tipo de eventos y se concibió como una estructura flexible que permitía el intercambio constante y exhaustivo de información entre los participantes. En lugar de los recintos clásicos para conferencias, el Grupo Abierto de Diseño Urquinaona, integrado por arquitectos y diseñadores, adaptó los espacios de los hoteles. En estas salas se abordaron temas no solo relacionados con el diseño, sino también vinculados a la arquitectura y el urbanismo, la producción artística, y a cuestiones filosóficas diversas.

En el marco del congreso también se proyectó un gran audiovisual multimedia (el Implicor de Olivetti), se organizó una muestra de artesanía popular, una sobre diseño actual y un concierto de Pau Riba, entre otras actividades.

Hay que circunscribir este congreso en el marco de los acontecimientos que desde hacía tiempo se organizaban en Cataluña en el ámbito del diseño, la arquitectura y la creación artística, y su relación con la pedagogía (con la creación de innovadoras escuelas como Elisava y Eina, que dirigió Albert Ràfols-Casamada, uno de los organizadores del ICSID de 1971).

La exposición reúne varios archivos y documentos sobre el congreso.

Inauguración: 20 de junio de 2012. Comisarios: Daniel Giralt-Miracle y Teresa Grandas. Organización y producción: Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA).

5.6.12

Gordon Matta-Clark. Portfolio "Office Baroque". 07 jun. 2012 - 21 oct. 2012 MACBA (Barcelona).

Vía MACBA.





El coleccionista Harold Berg legó y depositó el 23 de mayo de 2011 en la Fundación MACBA 46 fotografías realizadas por el propio Gordon Matta-Clark (Nueva York, 1943-1978) para documentar sus célebres building cuts (cortes y extracciones efímeras en edificios). Se trata de «un conjunto excepcional proporcionado por el propio Matta-Clark para documentar una de las partes más destacadas de su obra», en palabras de la comisaria Elisabeth Sussman. Se refería así al Archivo Bex, que Berg adquirió a Florent Bex para incorporarlo a su Colección LATA y que ahora ha depositado de forma indefinida en el MACBA. El conjunto está formado por 44 fotografías vintage, un negativo y una diapositiva intervenida.

Las imágenes documentan los cortes efímeros en edificios que realizó Matta-Clark y que le situaron en un lugar prominente en la historia del arte contemporáneo. La primera de ellas, Bronx Floors (1972-1973), consistió en burlar a la policía para recortar con una sierra de mano secciones rectangulares de suelos y paredes de inmuebles abandonados en el Bronx, para luego exponer los fragmentos extraídos en galerías comerciales. La última de estas acciones, Circus-Caribbean Orange (1978), dibujaba un complejo entramado de cortes circulares realizados a petición del Museum of Contemporary Art de Chicago en tres casas adyacentes al museo.

El eje temático de esta exposición lo constituye Office Baroque (1977), una de las obras más importantes que Matta-Clark realizó a invitación de Florent Bex, director del Internationaal Cultureel Centrum (ICC) de Amberes. Este building cut fue definido como «la más bella fuga de luz, aire y tiempo». El nombre de esta obra maestra no solo alude a Rubens (pues la intervención Office Baroque se realizó en el marco de la conmemoración del 400 aniversario del nacimiento del pintor flamenco), sino que fue una broma implícita del propio Matta-Clark, ya que en inglés Office Baroque suena como Office Broke, en alusión a la quiebra del capitalismo. La muestra también incluirá un conjunto de 10 dibujos de la serie «Sky Hooks» (1974), que Matta-Clark realizó antes de morir, y que han sido adquiridos recientemente por la Fundación MACBA.



4.6.12

Escuela F-6 de Tocopilla, una manifestación de la arquitectura del Movimiento Moderno.

Vía Tocopilla y su historia.

© I.González.

Uno de los establecimientos más antiguos de la ciudad, la escuela F-6 República de los Estados Unidos, fue fundada como Escuela Coeducacional N°4 el 6 de Julio de 1925.

En el transcurso de su funcionamiento, tendría su sede en la antigua Colonia Chilena o Villa Esmeralda, en el sector de la Península de Algodonales. Cabe indicar que dicho sector residencial en la época tenía gran cantidad de habitantes. El establecimiento atendía las necesidades de ese sector, también de la Villa Covadonga, donde vivían los trabajadores de Chile Exploración y de la Villa Prat, población de los trabajadores de la empresa salitrera Anglo Chilena, actual Soquimich.

En los inicios de la década del 60, culminaba la construcción de un edificio en el mismo sector cercano a las termoeléctricas. Pero antes de aquello, tuvo que funcionar provisoriamente en las dependencias dejadas por el Liceo Mixto.

La expectación por el nuevo edificio por parte de la comunidad escolar era grandiosa. Lo cual vio la luz en el año 1961, gracias a las labores realizadas por la constructora de Jorge Razmilic, empresario que tuvo una percepción de 120 mil Escudos, aproximadamente. [1]

Según el plano presentado en la Municipalidad[2], este edificio contaba con una especie de hall central para actos de recibimientos de estudiantes y apoderados. En ese mismo primer piso se hallaba la oficina del Director, un comedor, sala para los docentes y una especie de patio para invierno. Poseía un total de 10 salas, cinco de ellas ubicadas en una especie de zócalo, por efecto del desnivel del terreno y, el resto, en la planta alta. Disponía de bebederos y una sala para el Director.

De este modo, en cuanto a estilo y concepción de edificio/maquina, se suscribía al Movimiento Moderno, ya sea por sus ventanas apaisadas, quebrasoles, adecuación a la topografía. Hablamos de edificio/maquina porque cada parte posee una función relevante. Se tomaba como referencia a los barcos, los automóviles y aviones, considerando lo práctico de sus diseños y funcionales como modelo. El propósito era lograr una arquitectura cuya belleza se basara en la practicidad y funcionalidad. Lo que funciona bien, es bello.

Modernismo, en el contexto nacional, comprende aquellas construcciones originadas entre los años veinte y sesenta del XX, las cuales buscan completamente una finalidad funcional, más que estética y visual. Se expresaba a través de la purificación de las morfologías en pos de la utilidad y la simpleza, alejándose de la decoración. Incluyese a lo anterior el uso de los nuevos materiales como el acero y el hormigón armado, determinante en el cambio sustancial vivido para la proyección y construcción de edificios y espacios para el desarrollo de la habitabilidad.

Con el Movimiento Moderno, comenzó a tomar valor una nueva apuesta, en base a las nuevas tecnologías, nuevos materiales y técnicas. Se buscaba instituir una nueva gama de elementos decorativos, se crearon nuevas relaciones de proporción, se pensó que la solución pasaba por inventar un estilo nacional, sin sospechar que enfrentados a los cambios, eran la belleza, el estilo y la decoración las dimensiones que entraban en crisis[3]. En ese sentido, cuando hablamos del Movimiento Moderno, nos estamos refiriendo a la racionalización de las dimensiones y costos, como así también de las decisiones del diseño a la hora de proyectar y construir.

Sus rasgos se encaminaban a superficies lisas, sin ornamentos, paños continuos, siendo la crítica hacia los estilos pasados y anacrónicos la constante. Según lo explicitado por Le Corbusier[4], en base a las cinco posibilidades de este estilo estaban las ventanas apaisadas totalizadoras, quebrasoles, la planta libre, los pilotis, estructuras independientes de las fachadas y las terrazas.

En el caso de los pilotis o pilares, como los que existen en el Liceo Latrille, estos tienen como objetivo separar la estructura del suelo natural o de la realidad topográfica. El terreno es considerado en su naturalidad y el edificio se adapta. Esa parte que queda libre, permite el acceso al edificio reforzando el recorrido por la edificación manteniendo una relación óptima con el paisaje.

Aproximadamente en 1986 el platel se trasladó a las instalaciones que ocupa actualmente en la parte alta de la villa Carlos Condell. Después de abandonar su sitio original la escuela fue ocupada por un Instituto y por la empresa Norgener, aunque actualmente, después de un largo período de abandono, que significó graves daños a la construcción.


© I.González.

© I.González.

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1 Aguirre (2004) pág. 132.
2 Arquitecto franco suizo considerado como el principal referente de la arquitectura y el Movimiento Moderno a nivel mundial. Sus aportes se orientan a una innovación en la materialidad de las construcciones, las formas y la manera de reinterpretar los patrones tradicionales, cambiaron la forma en que se entendió posteriormente como arquitectura moderna. Su pensamiento y obra se caracterizaron por la fuerza, originalidad y variedad de su producción, asimismo por la gran difusión que le dio a sus innovadores principios e ideas, vanguardistas y también polémicas.
3 Prensa de Tocopilla, 9 enero de 1961.
4 Archivo Municipalidad Tocopilla. Acta N° 34, hoja 2 en; presentación de propuestas, edificación de Escuela N° 8 (¿?) marzo 1960.

Didáctica Proyectual (Magíster Univ. Bío-Bío) - Módulo 2: "Teoría/Práctica avanzada del proyecto" en la Escuela de Arquitectura de la Universidad Católica del Norte

© C.Galeno.

Desde el sábado 2 y hasta el domingo 10 de junio de 2012, un grupo de profesores de la Escuela de Arquitectura de la Universidad Católica del Norte, estamos recibiendo una asistencia técnica del Magíster de Didáctica Proyectual de la Universidad del Bío-Bío de Concepción. El curso intensivo corresponde al segundo módulo del magíster, denominado "Teoría/Práctica avanzada del proyecto".

Todo el curso está liderado por el director del magíster, el Dr. Claudio Araneda, quien presentó una aproximación a la enseñanza y los objetivos del magíster. El primer grupo de profesores ha sido el director de la Escuela de Arquitectura de la UBB, master Hernán Barria Chateau, y la magíster Jessica Fuentealba Quilodrán. Esa primera parte estuvo focalizada en una revisión con gran actualidad de los aspectos curriculares de la enseñanza de la arquitectura en Chile y sus conexiones y paralelos con otros países.

A partir de mañana martes, el curso estará liderado por Claudio Araneda y por el destacado arquitecto Mauricio Pezo, de la oficina Pezo von Ellrichshausen architects. Esta oficina ha sido destacada a nivel internacional, y sus obras han sido publicadas en muchas publicaciones, entre ellas una revista 2G exclusivamente dedicada a su producción. Pezo estará a cargo del Taller de Transversalidad, que durará haste este jueves 7 por la mañana.

El viernes 8 se inciará la tercera parte dedicada a evaluación curricular, liderada por la Dra. Fancy Castro Rubilar, doctora en Diseño Curricular y Evaluación Educacional, y por el licenciado en diseño Dr. Juan Carlos Briede, doctorado en Métodos y Técnicas del Diseño Industrial Gráfico, con el término este domingo por la mañana.

Dos proyectos españoles de rehabilitación logran el mayor premio de Europa Nostra

Vía Arquitectura Viva - El País.

Los Príncipes de Asturias acuden a Lisboa al reconocimiento a los altos hornos de Sagunto y la muralla de Pamplona



La asociación Europa Nostra, presidida por Plácido Domingo y que reúne a más de dos centenares de organizaciones relacionadas con la defensa y la conservación del patrimonio artístico e histórico europeo, ha premiado con el más alto galardón de esta institución a dos proyectos de preservación españoles: el del alto horno número 2 de Sagunto y la de las murallas de Pamplona. El primero ha sido uno de los seis proyectos ganadores de esta convocatoria y el segundo se ha llevado el premio especial del público. Todos ellos partían de una previa selección de 28 proyectos entre los que se contaban cinco españoles.

Los premios se han se entregaron ayer en una ceremonia en el monasterio de los Jerónimos a la que asistieron, además del tenor, que ejerció de director de orquesta al inicio del acto y otras personalidades, los príncipes de Asturias, en el acto final de su viaje oficial de tres días a Portugal.

El alto horno número 2 del puerto de Sagunto es el único sobreviviente de la inmensa factoría levantada en 1920 de Altos Hornos del Mediterráneo, cerrada en 1984 después de 60 años de actividad siderúrgica. Según Europa Nostra, la rehabilitación de esta estructura "devuelve a Sagunto el orgullo a una ciudad que creció a partir del hierro y del acero". La torre tiene 64 metros de alto y estuvo abandonada cerca de 13 años. Ahora no solo mantiene la presencia que tuvo en sus tiempos en los que funcionaba sino que, además, se puede visitar como una pieza de museo al aire libre.

Las murallas de Pamplona fueron edificadas en los siglos XVI y XVII. Entre 1915 y 1921 se derribó una parte de esta fortificación para dar aliento a la ciudad y permitir que creciera más allá de los muros. Desde hace una década, el Ayuntamiento se encarga de la rehabilitación de estos cinco kilómetros de fortificaciones, unas de las mejores conservadas de toda Europa.

3.6.12

Fräulein Schreiber, una fotógrafa de principios del siglo XX en Antofagasta


En la segunda edición del libro alemán "Landeskunde von Chile", realizado por el Dr. Carl Martin (de Puerto Montt) y publicado en 1923 en Hamburgo, se publicaron fotografías tomadas por una fotógrafa que residía en Antofagasta, la señorita Schreiber. El mismo libro en sus créditos indica que la la fotógrafa era profesora de alemán en la escuela de Antofagasta. En la primera edición de ese libro, de 1909, sólo se había publicado una foto del Sr. Bauer, otro fotógrafo de Antofagasta, que mostraba la "Quebrada Larga" en la Cordillera de la Costa, una vista donde se veía la accidentada y rocosa topografía con algunos cactus. Sin duda debe haber sido insuficiente esa información sobre Antofagasta, que es esa época culminaba un período de esplendor entorno al Centenario, de modo, que en la edición de 1923 se haya incorporado el trabajo de Schreiber.

¿Pero quien era esta precursora fotógrafa en Antofagasta?