4.12.12

Arquitectura y Antropología [AA], II Jornada de debate: "Topología del espacio urbano contemporáneo", martes 11 y miércoles 12 de diciembre de 2012, aula CB4 ETSAB


II Jornada de debat: TOPOLOGIA DE L'ESPAI URBÀ CONTEMPORANI
Grup de recerca ARQUITECTURA I ANTROPOLOGIA.
Coordinadora: Marta Llorente

Martes 11 de diciembre
16:00 horas, aula CB4 ETSAB

La representación de la ciudad

Marta Llorente
Carmen Rodríguez
Carles Carreras
Manolo Laguillo
Pau Pedragosa

Miércoles 12 de diciembre
16:00 horas, aula CB4 ETSAB

El discurso de la antropología en el contexto urbano

Teresa Tapada
Gaspar Maza
M. Dolors Calvet
Beatriz Santamarina
Gary W. McDonough

El Norte en la XVIII Bienal de Arquitectura de Chile

El pasado viernes 30 de noviembre se inauguró la XVIII Bienal de Arquitectura de Chile, con un impresionante y monumental montaje diseñado por el arquitecto Arturo Lyon. Sólo por apreciar y experimentar la espacialidad de esa gigantesca instalación que ocupa toda la Estacion Mapocho, merece una visita a la Bienal que dura hasta este domingo 9.

El catálogo del evento permite conocer lo que se expone y se puede descargar de forma gratuita en el sitio de la Bienal.


Sin duda en la muestra hay proyectos de mucho interés y un ciclo de conferencias donde uno de los conferencistas principales en Thom Mayne del afamado estudio californiano Morphosis el día sábado 8.

El norte de Chile no podía dejar de estar presente en la muestra nacional, y entre las obras que se presentan está la ampliación de la Escuela de Arquitectura de la Universidad Católica del Norte.



En el área de la muestra universitaria, la Escuela de Arquitectura de la Universidad Católica del Norte expone una serie de videos realizados por alumnos y ex alumnos, luego de una convocatoria realizada la interior de esa escuela. Se presentan dos animaciones de proyectos de título: Centro de Conferencias de Hernán Retamales y Centro Agrónomo Carretera Arica Azapa de Iván Barraza: una animación del estudiante Sergio Ramírez que muestra la evolución urbana de la ciudad de Antofagasta desde 1866 hasta la actualidad basaad en planos históricos: el registro del Ejercicio Integrado 2011, en el cual se construyó un atrapanieblas en la Cordillera de la Costa al sur de Antofagasta en un sitio conocido como Los Nidos, trabajo que tuvo como profesor invitado al físico Carlos Espinosa; por último una serie de fotos fijas del Pukará de Quitor en San Pedro de Atacama realizada por el estudiante Luis Machuca; y el registro de un viaje en coche por el Salar de Atacama hacia Peine realizado por el arquitecto Sergio Alfaro.




Más información en el sitio de la Bienal.


Hornito ahora cuenta con un nuevo centro vacacional de Caja Los Andes, arquitecto Gonzalo Mardones

La oficina del arquitecto Gonzalo Mardones ha diseñado en conjunto hotelero de Caja Los Andes en el Balneario de Hornito. El sitio web de la oficina muestra un par de fotos de los avances de las obras, mientras que El Mercurio de Antofagasta del 27 de noviembre de 2012 publicó un artículo sobre el nuevo conjunto vacacional.

© Gonzalo Mardones.

Edificio en obras© Gonzalo Mardones.

Vía El Mercurio de Antofagasta.



Conjuntos escultóricos y naves: La Fuente Alemana en Santiago de Chile y el Monumento às Bandeiras en São Paulo, Brasil

Dos reconocidos conjuntos escultóricos monumentales se organizan en torno a una barcaza, se trata de la Fuente Alemana en Santiago de Chile y el Monumento às Bandeiras en São Paulo.


El monumento en Santiago, es obra del escultor alemán Gustav Eberlein y fue un regalo de la colonia alemana al Centenario de la República (1910) pero se inauguró en 1912. Una nota de El Mercurio indica detalles expresados por la historiadora Liisa Flora Voionmaa Tanner:

"La experta señala que la primera opción para instalar el obsequio alemán fue la Plaza de Armas, pero recalca que la ubicación actual tiene bastante simbolismo. "La embarcación que hay en la fuente, donde existen siete figuras a bordo, navega siguiendo el mismo curso que el río Mapocho, por eso es muy importante la orientación que tiene la fuente y que se mantenga en el tiempo"(...)."


El conjunto con muchos personajes en escena se organizan todos en torno a la embarcación, como una estructura que alza los cuerpos y la impone sobre el espacio del parque, definiendo una orientación y la epopeya de los colonos navegantes.


Por otro lado el Monumento às Bandeiras es una obra monumental de escultor italo-brasileño Víctor Brecheret, siendo encargada en 1921, pero recién inaugurada en 1954, en las conmemoración de cuarto centenario de la ciudad de São Paulo. El conjunto representa las bandeiras, que eran expediciones colonizadoras que se adentraban hacia el interior desconocido e inhóspito de Brasil en búsqueda de riquezas. Como se indica en la entrada de la Wikipedia:

"La obra representa los bandeirantes, exponiendo sus diversas etnias y el esfuerzo por abrir el país. Además de portugueses (barbudos), se ven en la obra negros, mamelucos e indios (con cruces en sus cuellos), tirando una canoa de monzones, utilizadas en las expediciones fluviales."


Si bien ambos monumentos se organizan en torno a la nave, la Fuente de Eberlein utiliza un lenguaje mítico donde la barcaza suspende el conjunto y los eleva en una epopeya de ensueño. Además su representación en lenguaje historicista y el uso de metal fundido le confiere ligereza y libertad. Mientras que el monumento de Brecheret utiliza un lenguaje moderno de figuras abstraídas en la tectónica de la piedra, y en ese contexto la nave no traslada los cuerpos, sino los retiene y la convierte en una metáfora del temor y la dificultad frente a la expedición a lo desconocido.

14.11.12

Plataforma Atacama, arte contemporáneo y la experiencia del paisaje chileno


Somos una plataforma que busca generar proyectos de arte contemporáneo con base en la zona del Desierto de Atacama, expansible hacia otras regiones de Chile y que concentren su experiencia de creación orientándose al lugar, entendiéndolo en su contexto geográfico, social y cultural. Invita a artistas, chilenos e internacionales, a habitar distintas zonas del territorio, para que reflexionen, generen pensamiento y produzcan obra en respuesta a su vivencia en este lugar.

Plataforma Atacama inició su primer proyecto artístico en marzo de este año con la invitación del artista brasileño Marcelo Moscheta a la zona de San Pedro de Atacama.

Plataforma Atacama es una plataforma independiente creada por la curadora chilena
Alexia Tala que busca invitar a artistas a generar proyectos artísticos y culturales en distintos lugares de Chile –realizando las primeras invitaciones a la zona del Desierto de Atacama- como una forma de activar y visibilizar estos espacios, sus geografías, su población y sus tradiciones.

Los artistas, nacionales e internacionales, son invitados no sólo a recorrer durante varios días la zona de San Pedro de Atacama y sus alrededores, sino que a
reflexionar, imaginar y pensar el arte desde la inmensidad del paisaje, desde su
historia local y su entorno cultural. Los artistas visitan las zonas históricas, conocen y comparten con la comunidad local, activando la conexión de la gente con el arte y la cultura.

Ubicado en la zona norte de Chile, el Desierto de Atacama es conocido como el
desierto más árido del mundo. Cuenta con impresionantes paisajes naturales, donde
aún persisten algunas construcciones atacameñas, ejemplo de una cultura indígena
rica en tradiciones.

En Plataforma Atacama no se busca que la experiencia culmine siempre en una
exhibición, por ello, publicaciones, videos, conferencias y talleres con la comunidad local, entre otros, pueden ser la respuesta con que los artistas grafican sus experiencias.

En esta primera invitación Moscheta realizó, como parte de su proyecto, una
intervención site-specific en la línea del Trópico de Capricornio y para principios de 2013 prepara una muestra individual en Galería Leme, São Paulo.

El actual invitado de Plataforma Atacama es el artista británico Hamish Fulton, quien desde 1969 viene desarrollando una práctica artística consistente en caminar. Su expedición está siendo realizada en estos momentos teniendo como base la localidad de Machuca, donde está realizando un walking project durante 14 días, y una segunda etapa que contempla la realización de una publicación y exhibición en Galería Nara Roesler en la ciudad de Sao Paulo en Abril - 2013.

Plataforma Atacama cuenta con el auspicio de Explora, quienes colaboran permanentemente con el proyecto facilitando el alojamiento, junto al equipo, material y la logística para las expediciones que los artistas necesiten realizar, de acuerdo a sus proyectos.

Para más información acerca de Plataforma Atacama y sus proyectos, visita nuestro
sitio web: www.plataformaatacama.org

Trayectorias de la Ciudad Moderna, 21-24 de noviembre de 2012 (Programa)

Hotel Araucano. © Claudio Galeno, 2007.


PROGRAMA

MIERCOLES 21 DE NOVIEMBRE 2012____________________________________________________

9:00_19:30 registro e inscripción Lugar: A Definir Maestro de Ceremonias: Gonzalo Cerda

09:30_ 10:30 Inauguración Oficial

09.30 Presentación Maximiano Atria / Secretario General Docomomo 5 min

Señor Sergio Lavanchy Merino Rector Universidad de Concepción o representante 10 min

Señor Héctor Gaete Feres Rector Universidad del Bio Bio o representante 10 min

Señora Florencia Jofré Manieu Vicerrectora de Pregrado Universidad del Desarrollo 10 min

Señor Javier Vera Jünemann Vicerrector Universidad San Sebastián o representante 10 min

Señor Pontificia Universidad Católica 10 min

10:30_ 11: 15 Conferencia apertura Horacio Torrent Presidente Docomomo Chile.

11:30_12:30 Conferencia Magistral Claudia Costa Cabral Presidente Docomomo Brasil

12:30_14:00Coctel Inauguración Lugar del evento a confirmar

15:00_16:30 SESION 01 Circunstancias Históricas y Culturales de la Ciudad durante el Siglo XX.

Lugar Auditorio EMPREUDEC, Campus Universidad de Concepción Maestro de Ceremonias: Maria Dolores Muñoz

15:00 _ 16:30 1° Sesión de Ponencias

16.30 – 17.00 Café

17:00_18:30 2 ° Sesión de Ponencias

18:30_19:30 1° Panel de Comunicaciones

19:30 Conferencia Invitado Internacional Dra Ruth Verde Zein

JUEVES 22 DE NOVIEMBRE 2012__________________________________________________________

9:00_19:30 registro e inscripción

09.30_ 13.30 SESION 02 La planificación de las ciudades, cambios y desarrollos; el rol de las instituciones en la construcción de la ciudad moderna.

Lugar Auditorio EMPREUDEC, Campus Universidad de Concepción Maestro de Ceremonias: Pablo Fuentes

9.00_ 10.30 3° Sesión de Ponencias

10:30_11:00 Café

11.00_12.304 ° Sesión de Ponencias

12:30_13:302° Panel de Comunicaciones

13:30 Almuerzo

15:30_19:00 SESION 03 Conjuntos Urbanos emblemáticos y arquitecturas modernas relevantes

Lugar Auditorio EMPREUDEC, Campus Universidad de Concepción Maestro de Ceremonias: Soledad Garay

15:00 _ 16:30 5° Sesión de Ponencias

16.30 – 17.00 Café

17:00_18:30 6° Sesión de Ponencias

18:30_19:30 3° Panel de Comunicaciones

19:30 Conferencia Invitado Internacional Carlos Eduardo Dias Comas Auditorio AU- 201, Ainavillo 456, Universidad del Desarrollo

Viernes 23 DE NOVIEMBRE 2012_____________________________________________________________

9:00_19:30 registro e inscripción

9:00_10:30 SESION 04 Los desastres naturales del Siglo XX y la reconstrucción urbana; el patrimonio moderno en el contexto del terremoto del 2010.

Lugar Auditorio EMPREUDEC, Campus Universidad de Concepción Maestro de Ceremonias: Leonel Pérez

9.00_ 10.30 7° Sesión de Ponencias

10:30_11:00 Café

11.00_12.308 ° Sesión de Ponencias

12:30_13:304° Panel de Comunicaciones

13:30 Almuerzo

15:30_17:00 SESION 05 Situación actual del Patrimonio Moderno; valoración y perspectivas

Lugar Auditorio EMPREUDEC, Campus Universidad de Concepción Maestro de Ceremonias: Veronica Esparza

15:00 _ 16:30 9° Sesión de Ponencias

16.30 – 17.00 Café

17:00_18:30 10° Sesión de Ponencias

18:30_19:30 5° Panel de Comunicaciones

19:30 Ceremonia Reconocimiento al Dr. Arqto. Osvaldo Cáceres González Por su quehacer profesional y destacado trabajo en la investigación, enseñanza y difusión de la Arquitectura Moderna en el sur del país. Auditorio Principal, Universidad San Sebastián, Campus Tres Pascualas

20:30 Coctel de Clausura

Sábado 24 DE NOVIEMBRE 2012__________________________________________________________

DOCOTOUR_CHILLAN
10:00_18:00 HRS
Responsable: Gonzalo Cerda.

Punto de encuentro : Estacionamiento Universidad de Concepción, Víctor Lamas esq. Edmundo Larenas

1o:00_11:00 : Viaje a Chillán

11:00 hrs : Inicio del recorrido en la Catedral de Chillán,

Maria Eugenia Rojas, arquitecto del Arzobispado de Chillán, responsable de la Restauración post terremoto de la Iglesia hará breve exposición sobre las obras realizadas.

12.00 Coopelec

13.00 Mercado

14.30 hrs Cuartel de Bomberos

15.30 hrs Escuela México

DOCOTOUR CAMPUS UNIVERSIDAD DE CONCEPCIÓN Responsable Pablo Fuentes, Leonel Pérez

Se realizará durante los días del Seminario, estará a cargo de alumnos de la escuela de Arquitectura UdeC que fueron capacitados para el Día del Patrimonio.

12.11.12

Harold Berg dona un film inédito de Matta-Clark al Macba



Vía El Periódico.

NATÀLIA FARRÉ / Barcelona
Miércoles, 10 de octubre del 2012 - 19:36h.

'My Summer 77' documenta la realización de 'Office Baroque', uno de los últimos 'building cuts' del artista

Harold Berg es un entusiasta de la obra de Gordon Matta-Clark (Nueva York, 1943-1978) por eso se ha convertido en un estudioso de su obra y en uno de sus principales coleccionistas. Además de en un rastreador de piezas y de materiales desaparecidos del artista norteamericano. Y en esta línea, hace un año, Berg invitó a la realizadora Chreica Convents a recuperar el material inédito de la película 'Office Baroque' filmada en 1977 durante la intervención por parte de Matta-Clark de un edificio de Amberes, uno de sus últimos 'building cuts' (cortes y extracciones en los suelos y paredes de un edificio). El resultado ha sido 'My summer 77 with Gordon Matta-Clark', un film de 30 minutos que muestra a un artista "reflexivo y charlatán" y que es una "fuente de primer orden para profundizar en el estudio de uno de los artistas más influyentes del siglo XX", afirma Berg, que ha donado la película, presentada ayer, al Museu d'Art Cotemporani de Barcelona (Macba), junto con la película original, 'Office Baroque'. Así, los dos filmes se suman al depósito de la Colección LATA, las 46 fotos donadas por el coleccionista al museo en mayo del 2011, y convierten al centro de la plaza dels Àngels, que ya disponía de 17 piezas de Matta-Clark, en una institución de referencia para conocer la obra del norteamericano.

El descubrimiento de nuevos materiales no se acaba con 'My summer 77', Berg afirma que en enero presentará una nueva película sobre la participación de Matta-Clark en la Documenta de Kassel, también en 1977; y la única intervención que el artista hizo que se mantiene de pie. Se trata del Museo de Bellas Artes de Chile, donde en 1971 Matta-Clark abrió ventanas en los lavabos de los trabajadores para que a través de un juego de espejos y claraboyas entrara la luz. Con el tiempo las ventanas se taparon y la intervención paso al olvido. La insistencia de Berg ha hecho posible que el año pasado empezara a recuperarse la obra de Matta-Clark.

10.11.12

La ciudad, la inscripción y la huella de Marta Llorente, por Eugenio Trías

Vía ABC.


1. Este ambicioso libro de Marta Llorente consta de dos partes: I. El origen: la inscripción perdurable de las ciudades antiguas; y II. La ciudad habitada; la ciudad destruida: representaciones y huellas. Escrita en una prosa impecable y con un admirable acopio y asimilación de documentación, la obra discurre por cauces nunca convencionales.

Ya el primer capítulo, que estudia la constitución de los caminos y de las sepulturas, y que arranca, en pleno vértigo antropológico, millones de años antes al homo sapiens, nos atrapa por la forma sugestiva en que está relatado. Por la tierra los homínidos en trance de humanización van dejando rastro de sus migraciones, también de sus conflagraciones. Nomadismo y conflictos bélicos marcan la tierra con inscripciones y huellas.

Los vivos han aprendido a rendir culto a los muertos, que son enterrados en sepulturas diseminadas por las comunidades espontáneas que se forman entre estas poblaciones nómadas. En torno a los treinta mil años antes de Jesucristo se descubren huellas con significación mimética o simbólica. Una mano estampada en la Cueva de El Castillo, otra en Pech-Merle, ya en el Paleolítico superior; también las pinturas rupestres en su época clásica, con superposiciones de búfalos, ciervos y otros animales, en Altamira, en la misma Pech-Merle, o los cazadores de alces del litoral valenciano.

Esta entrada antropológica nos acerca a lo que este gran ensayo se propone: una historia del espacio y de sus marcas (huellas, inscripciones). Pero no será en las pinturas rupestres donde el texto se demore sino, más bien, en la actividad supuesta del habitante del espacio en esos siglos en que se inicia el amanecer del sentido.

De hecho, el libro es muchas cosas, pero sobre todo una historia del «habitar el espacio» por parte de ese homínido que se despega de la especie animal para abrirse a la comunicación y al lenguaje. No se trata de una historia de su objeto (el espacio, sus inscripciones, sus huellas). Elige de él varias escenas y paisajes, como reza el subtítulo: Escenas y paisajes de la ciudad construida y habitada: hacia un enfoque antropológico de la Historia urbana. Pero el tratamiento de cada una de esas escenas es tan intenso y exhaustivo que va cercándolo, si no mejor, desde luego de manera más sugestiva que en muchas historias del espacio (urbano y arquitectónico).

Si la arquitectura, de Sigfried Giedion y Le Corbusier en adelante, es intervención –constructora– en el espacio, este libro de Marta Llorente puede considerarse un ensayo muy bien documentado sobre la historia de esas intervenciones, pero que tiene el mérito de alcanzar sus supuestos urbanos. Y de hacerlo atendiendo a la totalidad del territorio. De la protohistoria remonta, en un segundo capítulo, a «El origen: la ciudad y la escritura».

2. El nexo entre el nacimiento de las primeras ciudades (Ur, Uruk, la Babel bíblica) y la creación de la escritura es otro de los principales argumentos de este estudio, que se mantendrá en la Edad Clásica, en lazos entre la literatura y la ciudad, y en el penúltimo capítulo, sobre la inscripción y huella de la ciudad en la literatura contemporánea (Edgar Allan Poe, Charles Baudelaire, Walter Benjamin). Los últimos capítulos son los que pueden parecernos más familiares. También son, sin embargo, como todos los anteriores, originales o, en todo caso, nada convencionales.

El último nos descubre la inmensidad del sufrimiento de ese Inferno, o città dei dolori, que es la ciudad devastada por la guerra. El penúltimo recorre las bisectrices entre literatura y ciudad, que llevan hasta el Federico García Lorca de Poeta en Nueva York, («los escarabajos borrachos de anís»), y que muestran una inversión de la representación. Hasta el siglo XX, la ciudad era anfiteatro de representaciones. Algunas tan crueles como los Autos-da-Fé. Ahora los rascacielos serán objeto de admiración; configurarán la representación específica del Movimiento Moderno, donde las fachadas de los edificios se dan a goce en espectáculo (y no son, como sucedía en la Edad Media, y sobre todo en los inicios de la Edad Moderna, espacio de contemplación de una escenificación urbanística, claramente teatral).

3. Un acopio de fotografías, la mayoría realizadas por la propia Marta Llorente, acompaña este texto. Es mérito de la Escuela Superior de Arquitectura de Barcelona haber publicado la obra, fruto maduro de toda una vida de lecturas, docencia y viajes. La primera parte concluye con un recorrido exhaustivo por la ciudad antigua, Atenas y Roma especialmente.

Dedica un especial apartado a una interesante crítica del célebre libro La ciudad antigua, de Fustel de Coulanges, confrontando sus hipótesis sobre la institución augural con las huellas e inscripciones del Cardus y el Decumanus, proyectados desde la contemplación (cum-templatio) del cielo hasta la tierra, en el lugar en el que, por razones rituales pero sobre todo prácticas (en esto Marta Llorente corrige el romanticismo religioso de Fustel de Coulanges), tras contemplarse el cielo se iniciaba el reparto del espacio por asignación a cada tribu. Templo, templum, significaba demarcación, límite; con-templación era la demarcación del cielo, con un cruce de caminos en el cielo según la orientación solar.

El libro no deja de hacer también incursiones en la ciudad filosófica (platónica) o en las ciudades ideales del Renacimiento. En la segunda parte la ciudad asume ya la colonización alcanzada tras la ruina del Imperio Romano, y se convierte en densa concentración medieval en torno a nuevas rutas, nuevas inscripciones simbólicas o representativas (catedrales, palacios), y la reconversión de la ciudad en un espacio de anfiteatro para la recepción de un espectáculo.

4. El sexto capítulo, «El miedo y la ciudad: la exposición pública del castigo», es, por inesperado, estremecedor. Se trata de la ciudad recorrida por el temor, entregada al temible instrumento de la Inquisición, y que muestra esos espectáculos en que fueron especialistas los dominicos, con Santo Domingo de Guzmán a la cabeza. Un cuadro medieval barcelonés nos muestra esa poco edificante figura del santo mendicante que jamás pudo rivalizar en popularidad con Francisco de Asís.

Vemos representaciones de sambenitos, capirotes, figuras a punto de ser expuestas para su escarnio; algunas serán relaxadas (quemadas en una hoguera), otras serán torturadas, y alguna quizás, medio muerta, pueda salir de este infierno. Un espeluznante ambiente de delación recorre esa ciudad que acoge a la Inquisición: la España derrotada y refugiada en sí misma que tanto lamenta Francisco de Quevedo («Miré los muros de la patria mía...»).

Marta Llorente inicia un acercamiento estremecido a esa España que todos detestamos, la que persiste todavía en la memoria de Francisco de Goya, y que solo bien avanzado el siglo XIX es abolida. En todo el libro de Marta Llorente está muy bien documentada, con pertinentes referencias a Américo Castro, Bartolomé Bennassar y Julio Caro Baroja (o a la novela de Miguel Delibes El hereje).

5. De hecho, el libro se difracta en varias monografías que son, de por sí, un microtexto con autonomía relativa. Forman unos acercamientos que no son caprichosos, que se responden y corresponden («El miedo en la ciudad» tendrá su desarrollo en el capítulo final, «La ciudad devastada por la guerra»). Como, ya en la primera parte, en el primer capítulo, el apartado «Los primeros caminos», que tendrá su despliegue en el segundo (tercer apartado): «El gran cruce de caminos del Oriente Próximo».

El ensayo está lleno de referencias literarias, como la que se hace al viaje de Don Quijote hasta Barcelona. O las alusiones a Virgilio, Horacio, Ovidio, tras Sócrates, Aristófanes y Platón. O las referencias a Herman Melville (sobre Bartleby, el escribiente), Virgina Woolf, Ruskin o T. S. Eliot. Las páginas rebosan cultura y conocimiento. Han debido de ser muchos años de preparación de los materiales que componen La ciudad: inscripción y huella.

Los estudiantes de Arquitectura de Barcelona dispondrán, en su biblioteca, de este espléndido texto; sería muy deseable que una eficaz distribución facilitase el descubrimiento de este libro en todas las Escuelas Técnicas de Arquitectura de España. Y sería de estricta necesidad que alguna editorial comercial, de Arquitectura, de Urbanismo, o simplemente con alguna capacidad de riesgo, apostara por su promoción. La obra desde luego lo merece.

5.11.12

Lebbeus Woods, visionary architect of imaginary worlds, dies in New York

Lebbeus Woods, Light Pavilion, China. © spacearchitects.blogspot.com.es

Vía The Guardian.

Architects including Zaha Hadid and Nigel Coates pay tribute to Lebbeus Woods, the cult building designer who dreamed up fantastical structures from a parallel universe

Posted by Oliver Wainwright
Wednesday 31 October 2012 13.34 GMT

Lebbeus Woods, the cult experimental American architect, died on Tuesday in New York, aged 72.

Born in Michigan in 1940, he worked for Eero Saarinen in the 1960s, but became best known for his conceptual work, which explored a kind of architecture "that gives us the opportunity to experience a type of space we haven't experienced before", through a vast body of intricate drawings and models.

Dynamic compositions of splintered surfaces and twisted wiry forms, his fantastical scenes depicted alternative worlds, glimpses into a parallel universe writhing beneath the earth's crust.

His dystopian visions were often set in disaster stricken cities – from Sarajevo to Zagreb, Havana to New York – and often adopted an almost medical metaphor, faceted accretions acting as "scabs" over the "wounds" of a building damaged by war and natural catastrophe. "Architecture should be judged not only by the problems it solves," said Woods, "but by the problems it creates."

Beyond inspiring a whole generation of architects, he also lent his talents to Hollywood, working briefly as the conceptual architect of Vincent Ward's ill-fated Alien III – abandoned in favour of David Fincher's much more successful Alien 3, which Woods later described as having "unremarkable sets" and "unrelenting grimness."

Woods' only built project was completed this year, the Light Pavilion within a vast complex of towers in Chengdu by Steven Holl – who explains more about the project below, along with a series of reflections from architects and academics, writers and critics who have been inspired by his work over the years.

Para leer los tributos de diversos arquitectos, pinche aquí.

4.11.12

Patrimonio chileno que hay que cuidar, revista MásDeco


Vía MásDeco.

En Chile tenemos varios exponentes de edificios modernos, muchos de los cuales ya no existen: fueron demolidos o destruidos por terremotos. Son parte de una época de oro de la construcción estatal y parte de nuestro patrimonio material.

Por: Francisca Jiménez

Chile fue uno de los países con más ejemplos de arquitectura moderna en Latinoamérica -junto a Brasil y otras naciones- en una época en que el estilo neoclásico aún imperaba como la forma de construcción más tradicional. A mediados de los años veinte surgió una camada de arquitectos jóvenes que se atrevieron con esta nueva tendencia que provenía, principalmente, de Europa. Mientras en el Viejo Continente personajes como Le Corbusier, Walter Gropius y Mies van der Rohe construían casas e incluso barrios enteros bajo este nuevo precepto -como la Weissenhofsiedlung en Stuttgart, el edificio de la Bauhaus en Weimar y la Villa Savoye en París- en nuestro país arquitectos como Sergio Larraín García-Moreno, Alfredo Johnson, Roberto Dávila y Juan Martínez, entre otros, comenzaban a dar los primeros pasos en esta nueva manera de hacer arquitectura.

Según Humberto Eliash, arquitecto de la Universidad de Chile y autor de los libros “Arquitectura moderna en Chile, testimonios y reflexiones” y “Arquitectura y modernidad en Chile, 1925-1965 (1989)”, este estilo surge en los años veinte de la mano de los que serán los protagonistas del cambio, algunos de ellos nombrados arriba y otros tales como Rodulfo Oyarzún Philippi, Enrique Gebhard y Waldo Parraguez. Estos jóvenes profesionales estudiaban en Chile, mientras otros se formaban en Europa. “Ya a fines de los años veinte se realizan aquí las primeras obras modernas, mientras que en la década de los treinta son cada vez más las nuevas construcciones. Sin embargo, es en los años cuarenta cuando se materializan y el Estado se hace también parte de ellas”, relata el experto.

MODERNISMO EN REGIONES

En ese sentido, resalta la existencia de una corriente de arquitectura moderna en varias ciudades de Chile, aparte de Santiago, debido a una planificación urbana que provenía del Estado. Algunas de ellas fueron Antofagasta, Talca y Viña del Mar. Sin embargo, las principales urbes en las que se desarrolla la arquitectura moderna fueron Chillán y Concepción, debido principalmente a la reconstrucción después del terremoto de 1939 y otras ciudades industriales del norte y sur del país. Esto porque en estas últimas se necesitaba construir edificios para los servicios públicos necesarios y allí el Estado tuvo un rol vital.

Andrés Maragaño, director de la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Talca, cuenta que en la capital de la Región del Maule también hay vestigios de lo que fue el modernismo en regiones. Explica que hubo un registro realizado antes del terremoto de 2010 de parte del Consejo de Monumentos Nacionales y la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Talca para el proyecto “Museo de la Ciudad”. En este se dan a conocer cerca de 118 edificios habitacionales e institucionales declarados como arquitectura moderna y emplazados principalmente en las áreas donde se remodeló la ciudad después del terremoto de 1928, en el centro de Talca. La construcción de estos edificios, primero art deco y luego modernos, es parte de un proceso que se inicia con el terremoto de fines de la década del veinte. Se trata de unas 58 construcciones art deco y cerca de siete que fueron destruidas o reemplazadas antes del sismo de 2010.

El académico explica que “el caso es interesante desde varios puntos de vista: el primero es que en Talca, después del terremoto de 1928 -con una recepción más abierta y necesitada para un ‘estilo nuevo’- muchas viviendas de adobe se reconstruyeron solo en la parte de sus fachadas como símbolo de modernidad, cambiando su materialidad inicial por albañilería y aplicando elementos art deco y art nouveau. Por otro lado, debido al sismo, el Estado tuvo que hacerse cargo no solo de una ciudad destruida sino que también desmoralizada, con una alta tasa de desempleo causada por los efectos de la Gran Depresión mundial”. Y agrega que “es así como se constituye la remodelación urbana: primero generando nuevas calles y nuevos anchos en ellas según fuera el caso, mientras que en otras situaciones se aportó con una nueva vivienda para la clase obrera y nuevos edificios públicos e industriales como una forma de posicionar nuevamente la ciudad. Esto provocó el inicio de una nueva fase urbana y el fin del carácter colonial de Talca”.

Así las cosas, la ciudad comienza a sustituir o remodelar muchos edificios de estilo neoclásico como el Liceo de Hombres, el Palacio Cruz, la Intendencia de Talca, el Mercado Central. “El Estado busca iniciar una modernidad social y urbana, con lo que surgen edificios que aportan a la imagen pública de la ciudad, al espacio urbano y a la educación. Esto lo cumple a cabalidad con el edificio de Las Escuelas Concentradas 1940, desarrollado por la Sociedad Constructora de Establecimientos Educacionales. Este proceso de apertura al movimiento moderno en la urbe se prolonga hasta la década de los 70, tramo en el que se construyen algunos edificios emblemáticos, generalmente desde la inversión estatal, como el edificio del Serviu, el edificio del SAG, la Casa Central de la Universidad de Talca y el edificio Caja de Crédito Prendario, entre otros”, explica Maragaño. Sin embargo, después del terremoto de 2010, un 65% de estos edificios quedaron destruidos o fueron reemplazados por nuevas edificaciones.

En el norte de Chile, ciudades como Antofagasta fueron blanco de este nuevo estilo y otras más pequeñas como Chañaral no quedaron exentas de esta corriente. Es el caso de un hotel de la cadena estatal Honsa, precursora de una política territorial de implementación de servicios turísticos de parte del Estado. La Hotelera Nacional S.A. construyó en las décadas de los 40 y 50 varios edificios para albergar a los nuevos turistas nacionales a lo largo de todo el país. Según Maximiano Atria, arquitecto e investigador de la UC, esto sucedió en el marco de una política gubernamental de la época para incentivar este tipo de construcción en regiones.

Es así como se puede deducir que la arquitectura moderna en nuestro país fue una obra conjunta entre jóvenes profesionales con nuevas ideas y la acción del Estado en llevar a cabo construcciones para los chilenos. Patrimonio en peligro de extinción, ya que actualmente el nivel de mantención de estos edificios es prácticamente inexistente y la gran mayoría ha sufrido fuertes intervenciones o han sido demolidos ante una falta de valoración preocupante.

3.11.12

'In memoriam': Gae Aulenti, genio en la arquitectura

Tour Table © Aulenti.

Vía El País.

Por Benedetta Tagliabue.

La italiana tuvo que aplicarse a sí misma un cálculo de estructuras entre el arte (su verdadera pasión) y la arquitectura

Corte de pelo masculino y estilo de vestir muy sobrio: la fachada de Gae Aulenti lo decía todo sobre su carácter. Fue la manera, muy de su profesión, para mimetizarse mejor con el ambiente en las universidades de arquitectura italianas de los cincuenta, donde fue una de las poquísimas mujeres. Una personalidad que nos dejó el pasado miércoles a los 84 años en Milán, noticia que recibo con tristeza: como amiga y, aunque de generación más joven, como colega.

Nacida en Palazzolo dello Stella (Udine), en 1927, Aulenti tuvo que aplicarse a sí misma un cálculo de estructuras entre el arte (su verdadera pasión) y la arquitectura. Venció la segunda opción, tras observar cien veces las ruinas de las ciudades italianas de los años de posguerra. “Todavía hoy odio las ruinas”, reconocía hace poco.

Antigua militante comunista (lo fue hasta 1952, “cuando me di cuenta del antisemitismo de Stalin”), el carácter le salió pronto. Licenciada en 1954 en el Politécnico de Milán, se puso a trabajar con otros jóvenes colegas de talento en la redacción de la revista Casabella. Fue aquí donde propuso el neoliberty como alternativa a la arquitectura racionalista que en esos años parecía la única vía posible. Era una apuesta valiente que marca su voluntad de participar en la realidad cotidiana y en la reconstrucción urbanística de Italia.

Su carrera arrancó esos años cincuenta realizando tiendas para Olivetti, rehabilitaciones de apartamentos y casas de importantes familias, que fue entrelazando con colaboraciones en Casabella y Lotus, con la universidad y con excursiones al mundo del diseño y el teatro. En el primero, realizó creaciones tan geniales como la lámpara Pipistrello (1965). La pasión por el arte escénico la llevó a colaborar, de 1976 a 1978, con el director de ópera Luca Ronconi, diseñando la escenografía de óperas como Viaje a Reims, de Rossini. Asistí al estreno en la Scala de Milan en los ochenta: entre los aplausos que hacían caer el teatro, la escenógrafa Aulenti apareció a saludar con su inconfundible corte de pelo y unas espectaculares medias verde esmeralda. Genio y figura…

Recuerdo haber coincidido con Gae en una cena de Navidad en Milán y darme cuenta esa noche, viéndola al lado de Ettore Sottsass y Piero Castiglioni, de que era una de las personas más divertidas y ocurrentes del sector. Y fue esa mezcla de simpatía y talento y genio, la que, junto a su amor por el trabajo, la llevó a construir obras de gran calado. Eso y ese pulso entre arte y arquitectura, que explica que sus mejores obras fuera rehabilitaciones, como la de la estación ferroviaria de Orsay en museo (1980-1986), el George Pompidou (1980) o la del Palazzo Grassi de Venecia (1985-1986).

Tuve varios encuentros con ella en Barcelona durante la rehabilitación del Palacio Nacional de Montjuïc, sede del Museo Nacional de Arte de Cataluña. La obra duró 18 años (1985-2004) y fue muy complicada y polémica y culminada con el episodio del encargo de una escultura a Tàpies que acabó con el calcetín nonato entonces. El día de la inauguración alguien le sugirió mejoras para la exposición oficial. No lo dudó: “¡En un día como hoy donde celebramos tamaña obra, me vienes con esas pequeñeces!”.

Era una mujer de carácter. Nunca dejó de trabajar. Su estudio estaba conectado a su casa para que, a través de una puertecita, pudiera llegar cuando quisiera a sus queridas mesas, donde hacía lo que realmente le gustaba hacer, i suoi pasticci: dibujar, colorear, experimentar, probar e inventar siempre. Por suerte para este oficio y para la humanidad.

Benedetta Tagliabue es arquitecta.

1.11.12

Grandes Modernos, la colección de Peggy Guggenheim en el Centro Cultural La Moneda, 31 Octubre 2012 al 26 Febrero 2013


Vía Centro Cultural La Moneda.

Por primera vez en Chile, la Colección Peggy Guggenheim de Venecia, con obras de los grandes artistas de las vanguardias de la primera mitad del siglo XX: Kandinsky, Dalí, Pollock, Vasarely, Picasso, entre otros.

Los más destacados artistas de la primera mitad del siglo XX en el mundo se reúnen en la exposición Grandes Modernos. Colección Peggy Guggenheim, Venecia que se exhibe en el Centro Cultural La Moneda a partir del 31 de octubre de 2012, con cerca de 170 obras, incluyendo pinturas, esculturas, documentos y fotografías. Con el apoyo del Consejo Nacional de la Cultura y las Artes; el auspicio de Entel y Barrick Sudamérica, acogido a la Ley de Donaciones Culturales, y la colaboración de Lan Cargo en el transporte de las obras, se presentará por primera vez en Chile esta colección, bajo la curatoría de su Director, Philip Rylands, quien, previo a la inauguración realizará un diálogo abierto a todo público.

Se incorporan también 8 obras procedentes del Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York: Número 18 (1950) de Jackson Pollock, La jaula (1938) de Charles Howard, Piano y mandolina (1909-1910) de Georges Braque, Hacia lo abstracto (1954-1955) de Irene Rice Pereira, Concepto espacial (1955) de Lucio Fontana, Mansión Celular (1955) de Charles Seliger y Curva Dominante (1936) de Kandinsky. Esta última es considerada entre las obras más importantes de la muestra, junto a Bosque Encantado (1947) de Pollock , El Vestido de la Novia (1940) de Max Ernst, Figura reclinada (1938) de Henry Moore, Maiastra (1912) de Constantin Brancusi, El Estudio (1928) de Picasso y Desnudo (Estudio), joven hombre triste en un tren (1911–12), de Marcel Duchamp.

En la Galería lateral del nivel -3, se proyectará la película Pollock (2000) Dirigida por Ed Harris, narra la vida del pintor norteamericano Jackson Pollock, su compleja personalidad, sus relaciones con otros artistas y su búsqueda del éxito en la década de 1940, hasta su muerte en 1956. Se exhibe además una serie de fotografías de Peggy Guggenheim –quien fue clave en impulsar la carrera del pintor- destacando aquélla que la muestra junto a él, frente a su obra “Mural”

Acontecimiento cultural

La exposición da cuenta de la representatividad de las vanguardias artísticas, reflejo de los grandes movimientos y cambios sociales de la época, con obras de Braque, Duchamp, de Chirico y Mondrian, así como Kandinsky, Picasso, Giacometti, Ernst, Magritte, Dalí y Pollock, entre otros nombres del arte universal, incluido el chileno Roberto Matta. Bajo un montaje de gran atractivo visual, que incorpora aplicaciones educativas para smart phone y otros recursos tecnológicos e interactivos, esta exposición pone al acceso de todos los chilenos una de las más importantes colecciones del arte moderno del mundo.

La muestra, que constituye un acontecimiento cultural del año en Chile y Latinoamérica, se suma a la escasa lista de exposiciones colectivas de artistas de relieve universal que se han realizado en nuestro país, esperando atraer durante su desarrollo a más de 150 mil visitantes.

Interacción y participación

La exposición contempla diversas actividades para fomentar la interacción y participación del público, como visitas guiadas y talleres creativos para escolares y público general; una versión on line; cuadernos educativos y un muro donde los visitantes podrán dejar su opinión acerca de las obras. Entre noviembre y diciembre, grupos beneficiarios de los programas del Consejo de la Cultura Acciona, Servicio País Cultura y otras iniciativas de desarrollo social, procedentes de distintas regiones del país, visitarán la muestra, participando en actividades especialmente implementadas para ellos.

En el nivel -1, una innovadora instalación multimedia, ideada por la Fundación Mustakis, permite a los visitantes de la muestra vivir una experiencia multisensorial mediante el uso de tecnología digital, interactuando con los principales contenidos de la muestra.

Como extensión, se realiza un ciclo de cine- ficción y documental- organizado por la Cineteca Nacional del Centro Cultural La Moneda, con películas acerca de los artistas de las vanguardias y otras que dan cuenta de la época y los movimientos artísticos y sociales que los contextualizan. Se realizarán también dos mesas redondas con especialistas en estética, filosofía e historia del arte, entre otros, pertenecientes a la Universidad Alberto Hurtado.

Durante el desarrollo de la exposición se llevará a cabo una de las jornadas de la Bienal Internacional de Performance Deformes, con representantes de diversos países que realizarán sus acciones de arte para todo el público asistente.

Como extensión, se realiza un ciclo de cine- ficción y documental- organizado por la Cineteca Nacional del Centro Cultural La Moneda, con películas acerca de los artistas de las vanguardias y otras que dan cuenta de la época y los movimientos artísticos y sociales que los contextualizan

Exposición
GRANDES MODERNOS
Colección Peggy Guggenheim, Venecia
Arte del siglo XX
31 Octubre 2012 al 26 Febrero 2013
Lunes a Domingo 9:00 a 19:30 horas
Entrada General $2000
Estudiantes, convenios, adulto mayor: $1000
Entrada liberada lunes a domingo hasta las 12:00 horas
Más información en www.centroculturallamoneda.cl

CONFERENCIA DEL CURADOR PHILIP RYLANDS
30 de Octubre 13 horas Sala de Cine Nivel -2
Abierta a todo público
ENTRADA LIBERADA

Más información el el sitio web de la exposición.

28.10.12

Ai Weiwei: According to What?


Hirshhorn Museum, October 7, 2012 to February 24, 2013

Ai Weiwei (Chinese, b. Beijing, 1957) is one of China’s most prolific and provocative contemporary artists. He is best known for projects such as his collaboration with architects Herzog & de Meuron on the design of the 2008 Beijing Olympic National Stadium, as well as his embrace of the internet and social media as an active platform for commentary and as an art form in itself. Ai has been a leading figure among Chinese artists since he returned to China in 1993 after spending more than a decade in the United States. He has also become internationally recognized as a result of his actions that challenge the political status quo in China. Despite his arrest and detention for eighty-one days in 2011, the artist has continued to create art that transcends dualities between East and West, focusing on fundamental questions about the interrelations between art, culture, society, and individual experience.

This exhibition demonstrates Ai Weiwei’s broad artistic practice and includes sculpture, photography, audio, video, and site-specific installations. Many of his works employ simple forms and methods that evoke and play with notions of conceptual and Minimal art, while others manipulate traditional furniture, ancient pottery, and daily objects in ways that question cultural values and political authority. More recent works address his ongoing investigation into the aftermath of the 2008 Sichuan earthquake as well as his detention and continual surveillance by Chinese authorities. In each piece, Ai emphasizes the value and place of the individual within society.

Ai Weiwei: According to What? is organized by the Mori Art Museum, Tokyo and the Hirshhorn Museum and Sculpture Garden. The exhibition is made possible by generous support from members of the Committee for the Artist’s Voice, including Mary Boone Gallery, The Bui Gallery, Haines Gallery, Lisson Gallery, Galerie Urs Meile Beijing-Lucerne, H. Tandijono, André Stockamp and Christopher Tsai, and Tsai Capital Corporation; the Holenia Trust Fund, in memory of Joseph H. Hirshhorn; and the Hirshhorn’s Board of Trustees.

El arte latinoamericano de la indisciplina

Vía El País.

'Jóvenes pintando siluetas en el Obelisco durante el Siluetazo' Buenos Aires, 8 de diciembre de 1983.

Iván de la Nuez 27 OCT 2012 - 20:38 CET

El escritor analiza 'Perder la forma humana', la exposición del Reina Sofía sobre el arte de los ochenta en América Latina

Hace más de dos años, el Museo Reina Sofía inauguraba Principio Potosí, una aproximación europea a América Latina que tenía su punto de partida nada menos que en El Capital de Marx y el colonialismo. Perder la forma humana, inaugurada el pasado jueves,obedece exactamente a un desplazamiento contrario. Ahora, es América Latina la que parece invadir el museo español, con "una imagen sísmica de los años ochenta" que conmocionará, sin duda, al espectador de estos tiempos también convulsos.

Hay que advertir que estos "años ochenta" no son "cronológicamente correctos". Los comisarios del proyecto, agrupados en la Red Conceptualismos del Sur, han preferido un ensanchamiento temporal -y también político- que va desde 1973, año del golpe de Pinochet en Chile, hasta 1994, con el surgimiento del movimiento zapatista en México.

Se trata de una época turbulenta marcada por el acenso y caída del sandinismo en Nicaragua y la represión militar en el Cono Sur -Operación Cóndor incluida-. Es el tiempo del llamado conflicto de baja intensidad en Centroamérica, ese espacio tórrido de la guerra fría y asimismo de las Malvinas. Son años en los que neoliberalismo y dictaduras se dan la mano con la anuencia del reaganismo y también, ya en ese 1994 que cierra la exposición, donde se perfila el Guantánamo posterior de la globalización.

Todas estas contradicciones aparecen en el trazado propuesto en Perder la forma humana, una exhaustiva revisión de la contracultura latinoamericana de esos tiempos, que recoge, por primera vez, la forma en que varios artistas de esos años fueron capaces de somatizar, en sus acciones, representaciones y sus propios cuerpos, esa pérdida de humanidad que había detectado Primo Levi producto de la represión fascista.

Desde las performances transgresoras de Las Yeguas del Apocalipsis hasta la literatura underground de Néstor Perlongher, desde el rock underground hasta los grafitis de OV3RGOZE, desde la teatralidad del grupo argentino El Periférico de objetos hasta agrupaciones de resistencia ciudadana como Mujeres por la vida, la exposición va armando una constelación de comunidades radicales que hicieron de la calle su espacio natural de actuación. Se trata, en su mayoría, de proyectos colectivos en los que el cuerpo ocupa un lugar central y se convierte en un campo de batalla donde tienen cabida, siempre desde el extremo, la tortura y la desaparición, pero también el carnaval y todo tipo de sexualidades. No es casual, en esta línea, la importancia del chileno Pedro Lemebel, que es una especie de guía por ese infierno represivo que reproduce muy bien esta muestra.

Avanzamos por un derrotero con cierta predilección anárquica, desde una época pre-digital y carnal, precaria y exuberante en la que el cuerpo propasa los límites permitidos. Curiosamente, ese estiramiento del individualismo es lo que crea lo comunitario y no al revés. Otro acierto de este proyecto está en la dignificiación de la cultura popular, antes de que esta quedara secuestrada por el pop, esa contracción posterior.

Sin los eufemismos de una Latinoamerica "esencial", y sin convertir en ningún caso la pobreza o la resistencia en folclor, esta historia tiene más de un punto de conexión con las Jornadas Libertarias de 1977 en Barcelona y alcanza muchas complicidades con un movimiento reciente como el del 15-M, acaso su público contemporáneo más idóneo en España.

Es importante entender que no es con la institución occidental del primer mundo -a la cual Joseph Beuys o Hans Haacke agredían desde otras instituciones "antiinstitucionales" y de otros mercados "antimercantiles"- con la que se vieron estos artistas, sino con una institución latinoamericana que ignoraba, cuando no reprimía, la diferencia, a la que había que dejar fuera a cualquier precio. Conviene añadir que a la represión gubernamental se sumaban los dogmas de la izquierda partidista o armada. Por su parte, el afán documental superaba a las propias acciones "artísticas" para dejar constancia de lo que estaba ocurriendo, más allá del circuito cultural, a toda la sociedad.

La exposición tiene igualmente, ausencias alarmantes que constituyen su punto flaco. En primer término, la ausencia de los colectivos artísiticos cubanos de esa época (tan sólo aparece en la documentación con un vídeo de Glexis Novoa). No constatar lo que ocurría desde la izquierda en el poder indica un entumecimiento ideológico impropio de una exposición tan prolija. El otro punto débil está en la ausencia de los proyectos realizados por colectivos latinos en Estados Unidos, como es el caso del activismo chicano o del Group Material, que no hubieran desentonado de ninguna manera.

No obstante a eso, Perder la forma humana contradice la idea tan extendida de que lo radical está peleado con el rigor y tiene el mérito adicional de convertir en un texto central lo que hasta ahora había sido una nota al pie en la historia de la cultura latinoamericana.

23.10.12

Una vivienda de Frank Lloyd Wright en Phoenix se enfrenta a su demolición

© Thompson Photography.

Vía El País.

La casa ha sido considerada como uno de los 20 edificios más importantes del arquitecto

Por Eva Sáiz, Washington 4 OCT 2012.

Frank Lloyd Wright diseñó en 1952 una casa para su hijo David y su nuera Gladys, una joya arquitectónica enclavada en un naranjal a las afueras de Phoenix que está considerada como uno de los 20 edificios más importantes del creador y que podría desaparecer en unas semanas. Sus actual propietaria, la empresa inmobiliaria 8081 Meridian, tiene previsto demoler el edificio para construir una urbanización en su lugar y aunque el Gobierno local ha iniciado el proceso para declarar al inmueble edificio protegido y evitar su derribo, la entidad asegura que tiene un permiso para poder llevar a cabo su iniciativa en cualquier momento.

La vivienda, un entramado de pasadizos y techos espirales de caoba, con tres habitaciones, dos baños y una escalera de caracol muy parecida a la que el arquitecto diseñó para el museo Guggenheim de Nueva York - a la casa de Phoenix ya se la ha tildado como la hermana pequeña de ese edificio-, había pasado casi desaparecida a los estudiosos y admiradores de la obra de Wright, hasta que en junio pasado se dispararon todas las alarmas cuando la inmobiliaria 8081 Meridian -que adquirió la vivienda ese mismo mes por 1,8 millones de dólares 8unos 1,4 millones de euros)- anunció su intención de demolerla. “David y Gladys eran muy celosos de su intimidad, nunca quisieron dar a conocer su casa, porque querían que fuera eso, una casa y no un museo rodeado de curiosos”, explica por teléfono Janet Halstead, directora ejecutiva de la Organización para la Conservación de Edificios de Frank Lloyd Wright.

“No hay una fecha límite para el derribo de la casa, pero el 7 de noviembre finaliza todo el proceso legal para declararla edificio protegido y mientras tanto estamos tratando de llegar a un acuerdo con la inmobiliaria para tratar de preservar el inmueble”, indicó Halstead. Parte de ese acuerdo para evitar la desaparición de la casa de Wright pasa por encontrar un comprador que la adquiera e impida a los propietarios derruirla antes de esa fecha. Aunque 8081 Meridian -con la que este periódico ha tratado de ponerse en contacto en varias ocasiones- había amenazado con iniciar los trabajos de demolición, en virtud de un permiso que el Ayuntamiento considera ilegal, este miércoles, el Gobierno local aseguró que habían convenido ampliar el plazo hasta encontrar alguien interesado en comprarla.

Scott Jarson, propietario de la inmobiliaria Jarson & Jarson y un acérrimo defensor de la preservación de la casa Wright, encontró esta misma semana a un comprador, sin embargo, la empresa propietaria no aceptó su oferta. “Ofrecimos 2.050.000 dólares, pero la inmobiliaria se negó a vender alegando que quería 2.200.000 dólares y que no estaba dispuesta a enseñar el interior de la vivienda a mi cliente”, explica Jarson por teléfono. El empresario se muestra esperanzado en poder encontrar otro comprador, pero teme que no pueda lograrlo antes de que 8081 Meridian emprenda de nuevo las tareas de demolición. En el caso de que derribaran la vivienda y se demostrara que no estaban autorizados, además de a una demanda criminal, la promotora podría verse obligada a reconstruir el edificio, sostiene Jarson.

De momento, además de un posible comprador, la única esperanza para la casa es que el 7 de noviembre sea declarada edificio protegido. Pero aunque finalmente el Gobierno local de Phoenix declarara autorizara esa posibilidad, la medida no libraría a la vivienda de su demolición, “únicamente aplazaría su derribo un máximo de tres años”, explica Halstead. “Se trata de un edificio único, parte del legado de Wright en Arizona. A través de nuestra página web estamos recogiendo firmas de apoyo que presentaremos al alcalde el 7 de noviembre”, informa.

Aunque los vecinos de Phoenix conocían la existencia de la casa en la que el hijo de Wright y su mujer vivieron durante 40 años, se ignoraba que pudiera estar en peligro. “Cuando ambos murieron [David en 1998, con 102 años y Gladys en 2008, con 104], los nietos del arquitecto vendieron la casa en 2009 con la condición de que su nuevo propietario la conservara y viviera en ella. Al parecer, no hizo ni lo uno ni lo otro y volvió a ponerla a la venta”, señala Jarson. “Todos pensábamos que estaba en buenas manos”, se lamenta.

Pese a que desde que Gladys muriera en 2008 la casa no ha sido habitada, Halstead considera que la vivienda no está en malas condiciones. “Como todos los edificios de más de 50 años, necesitará alguna reparación, pero más allá de ello, su estado de conservación es bueno”, sostiene. El acuerdo al que el lunes llegaron el Ayuntamiento de Phoenix y la inmobiliaria ha arrancado unas semanas más de vida a la casa de Wright, unos días preciosos para Jarson y Halstead en los que esperan dar con un comprador que garantice los cimientos del hijo del Guggenheim en Arizona.

Firme en Change.org la petición internacional de preservación de la Casa de David y Gladys.

12.10.12

Gregory Crewdson: Brief Encounters



Gregory Crewdson: Brief Encounters follows the acclaimed photographer's decade-long quest to create a series of haunting, surreal, and stunningly elaborate portraits of small-town American life. His photographs are like single-frame movies — partly because each composition brims with narrative, partly because he uses cinematic tools such as special effects, hundreds of lights, and huge crews of technicians. As we travel with him — from first inspirations, through countless creative and logistical obstacles, to the instant where all the elements coalesce in a single perfect moment — we realize that, despite their vast scale, Crewdson's images grow from his most intimate dreams and fantasies.

10.10.12

Palacio Pereira- Concurso Internacional de Anteproyectos de Arquitectura

Concurso Palacio Pereira from Concurso Palacio Pereira on Vimeo.


El Palacio Pereira

El Palacio Pereira fue una antigua residencia familiar de características neoclásicas del periodo ecléctico, construido en la segunda mitad del siglo XIX (1874), por el arquitecto francés Lucien Ambroise Henault, declarado Monumento Histórico el 28/08/1981 a través del decreto 5.746, Ley 17.288.

Su actual estado de conservación es crítico debido a la falta de mantención y a sus severos daños estructurales. En esta desfavorable situación es que el Estado de Chile adquiere el Monumento Histórico, se incorpora entre los proyectos del Legado Bicentenario, y se plantea como objetivo su recuperación y puesta en valor, estableciendo para ello un nuevo uso público, que a través de su habilitación y ampliación podrá dar cabida a la sede institucional tanto de la Dirección de Bibliotecas, Archivos y Museos como al Consejo de Monumentos Nacionales. Se consolidará además como un espacio cultural público, que valorice su entorno, y releve la imagen de las Instituciones que velan por el patrimonio del país.

En ese sentido, este concurso pretende encontrar:

Una respuesta emblemática de intervención en patrimonio, que ponga en valor uno de los edificios más representativos del patrimonio residencial de fines del siglo XIX de nuestro país, declarado como Monumento Histórico.

Una respuesta de intervención contemporánea que se plantee de manera respetuosa con el edificio histórico, pero a la vez innovadora, empleando materiales, tecnología y un lenguaje contemporáneo.

Una respuesta coherente con el rol de las principales instituciones que velan por el patrimonio del país.

Una respuesta que valorice la presencia de este edificio en el espacio urbano, mediante el rescate de este bien patrimonial asociado a un uso público, abierto a la comunidad.

Más información y la inscripción en la web del Concurso Palacio Pereira.

9.10.12

Cambios urbanos: Av. O'Higgins con calle Matta, en Antofagasta


Vista, entorno a 1920, del edificio de la familia Garafulic. © Postal archivo Claudio Galeno

Vista, en los años 80, de los edificios en avenida O'Higgins, construidos por la familia Petricio. © Archivo Arq-UCN.

Con nueva generación de atrapanieblas intentan forestar y cultivar el desierto de Chile

Vía El Mercurio.


Proyecto de la U. Católica del Norte se ubica al sur de Antofagasta

"En los años 30, siendo niño, salía a jugar a las siete de la mañana en la salitrera María Elena, porque después el calor era insoportable. Era verano y un día vi algo como motas de algodón en la pampa, que según los adultos era camanchaca, la neblina costera, pero cuando salió el sol desapareció. Luego, en 1956, hubo una crisis de agua en Antofagasta y racionamiento. Debía tener para lavar a mis seis hijos chicos y prepararles comida, por lo que sacaba agua del mar, la hervía en la cocina y con una cacerola recogía el vapor de la tetera".

Así explica Carlos Espinosa (83), hoy profesor emérito de física y matemáticas de la U. de Chile, de dónde surgió la inspiración para obtener de la neblina agua dulce para consumo humano. Hoy es considerado entre los académicos como el "padre de los atrapanieblas de Chile".

De aluminio y plástico

En 1962 y tras cuatro años de experimentos en el desierto, Espinosa patentó su invento, una estructura tridimensional que por primera vez en el mundo incluía el plástico como alternativa para captar las gotas de agua suspendidas en el aire.

Medio siglo después, estructuras de aluminio y plástico con formas piramidales y chimeneas que permiten obtener mayor cantidad de agua y resistir el fuerte viento e incluso la radiación solar, están reemplazando a los ya clásicos atrapanieblas de latón, bronce y mallas raschel (conocida como malla de kiwi). Con esa tecnología antigua existen hace un tiempo en Alto Patache, 65 km al sur de Iquique, y en Morro Moreno, entre Antofagasta y Mejillones.

Ahora, el sitio escogido para los nuevos atrapanieblas es en Los Nidos, 30 km al sureste de Antofagasta, en la cordillera de la costa. Se trata de un proyecto de la escuela de arquitectura de la U. Católica del Norte apoyado por la Conaf.

Con esta nueva generación de captadores de camanchaca se intenta forestar, a nivel experimental, parte del desierto. Ese es el primer paso; luego se quiere replicar la experiencia en cultivos como hortalizas, además de contar con un suministro permanente de agua que permita el asentamiento humano.

El lugar es casi inaccesible por la falta de una huella permanente, pero el aislamiento se compensa al ser uno de los mejores sitios para captar camanchacas en Chile. Sus registros de precipitaciones oscilan entre 20 y 70 mm al año. "Se ubica entre 600 y 800 metros de altitud y cerca del mar, que se ve subiendo un cerro", indica Sergio Alfaro, arquitecto a cargo de la iniciativa, que a la fecha ha demandado una inversión de un millón de pesos.

Estudiantes de arquitectura instalaron allí un atrapanieblas gigante, de siete metros de alto y casi 20 metros de largo, con estructuras piramidales. Y hace dos meses fue el turno de otro prototipo de 6 metros de altura y medio metro de largo en su base, confeccionado de acuerdo a un diseño de Espinosa.

"Con los primeros captamos 2 litros de agua por metro cuadrado y con el segundo, entre 5 a 7 litros. En éste usamos una malla mosquitero plástica, con un menor tamaño de los orificios", explica Alfaro.

"Tenemos 16 algarrobos plantados, que alcanzarían su madurez a los cinco años. Es la especie que mejor se adaptó, junto con la acacia saligna. Entre diciembre y febrero casi no hay camanchaca y veremos cómo soportan ese estrés hídrico, pero se pueden promover proyectos de agricultura de subsistencia, por ejemplo hortalizas, bajo un sistema de invernadero, cerrado, abastecido con el agua captada de atrapanieblas", añade.

En la Conaf, que ha donado algarrobos, indican que no se ha avanzado mucho en el desierto de Atacama. En los años 80 la corporación instaló en Los Nidos atrapanieblas que abastecían a una plantación de mil tamarugos, pero no funcionó. Sólo uno sobrevive.
"La captación de agua y uso en pequeñas poblaciones se limita a sectores costeros con altitud, además que acá en el desierto casi no hay población rural", dice Ricardo Moyano, director de la Conaf en Antofagasta.

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Cómo funcionan

Según Carlos Espinosa, "la camanchaca avanza horizontalmente a una velocidad de entre 5 y 15 m/seg". La malla envolvente del atrapanieblas capta agua de la nube rasante y la hace descender gravitacionalmente a un recipiente que funciona como cimiento, acumulador y medidor. Luego el agua es conducida por tuberías plásticas, hasta los algarrobos plantados.

Para más información sobre el atrapaniebla diseñado y construido por la Escuela de Arquitectura de la Universidad Católica del Norte, ver el blog "Integrado 2011 Atrapanieblas".

Taller [Sur] 2012, Primer Congreso Internacional:Patrimonio Cultural Sostenible, 18 y 19 de octubre de 2012


Dr. Alex Becker Ravest, Director del Instituto de Arquitectura y Urbanismo de la Universidad Austral de Chile, invita a participar al Primer Congreso Internacional Taller[Sur], a realizarse en Valdivia los días 18 y 19 de octubre del presente año.

El congreso tratará sobre el "Patrimonio Cultural Sostenible. Visiones, prácticas e innovación desde la Arquitectura".

Contará con invitados especialistas en el tema y con la participación de académicos y profesionales de universidades chilenas y extranjeras.

Más información en http://tallersur.weebly.com/

3.10.12

"Cachipún" la nueva exposición que retrata el arte de la mujer nortina.


Vía El Mercurio de Antofagasta.

Balmaceda Arte Joven presenta esta nueva muestra de las artistas Ana Avendaño y Paula Concha.

Cachipún es una exposición que tiene en su segunda versión este 2012, a dos artistas mujeres de la Segunda Región, Ana Avendaño y Paula Concha. Ambas presentan proyectos personales que hablan de las migraciones, la movilidad a través de diversos territorios y la búsqueda y creación de nuevos entornos.

Con el "Proyecto Carmela" de Ana Avendaño y "En la frontera de las posibilidades de producción" de Paula Concha, junto al curador y productor de Balmaceda Arte Joven Jorge Wittwer, las artistas participan en la generación de esta segunda versión de Cachipún que podrá ser visitada desde el 4 hasta el 20 de octubre en la sala de arte del Edificio Comunitario y Espacio Cultural Fundación Minera Escondida (Av. O"Higgins 1280).

"Esta es una oportunidad que iniciamos el 2010, en que Marko Franasovic y Pablo López aceptaron la invitación, para enfrentarse en el primer Cachipún; con esta segunda ocasión, queremos ir afianzando el espacio, hasta consolidar Cachipún como un evento para apreciar y vivenciar las obras de dos artistas locales, "enfrentados" de manera lúdica y constructiva para el público antofagastino" explica Jorge Wittwer.

Cachipún se puede visitar de lunes a viernes de 9 a 13 y de 15 a 19 horas, y de 11 a 14 horas los sábados, de manera gratuita. Además se pueden programar visitas guiadas solicitándolo en el electrónicos balmacedaantofagasta@gmail.com.

1.10.12

Artesanía: innovación, emprendimiento, sustentabilidad, miercoles 10 de octubre, San Pedro de Atacama, por Fundación Minera Escondida.


Innovación:
Creatividad y territorio / Alex Blanch (España)
Identidad e innovación textil / Renato Imbroisi (Brasil)
Cerámica de un artista / Fernando Casasempere (Chile)

Emprendimientos sustentables:
Artesanía como producto ético / Barvara Guarducci (Italia)
La artesanía en el retail / Osvaldo Luco (Chile)
Emprendedor en comunidad / Macarena Peña (Chile)
Núcleo de inter-aprendizaje artesano, Atacama /Laura Novik (Argentina)

Vía FME.

Las Conferencias del Desierto surgen en el marco del proyecto “núcleo de Inter-aprendizaje artesano”, programa impulsado por Fundación Minera Escondida, que busca promover los factores de innovación y emprendimiento en el sector.

Acercar experiencias de primer nivel, junto a destacados diseñadores que trabajan en el contexto de la artesanía a nivel mundial, será el contexto que trabajará “Conferencias del Desierto”, en donde siete expertos expondrán sus experiencias y métodos de trabajo a modo de promover la innovación y el emprendimiento en el sector.

La actividad de carácter gratuito, desarrollada por Fundación Minera Escondida, se realizará en San Pedro de Atacama el día miércoles 10 de octubre de 9:00 a 17:00 horas, en el museo antropológico R.P.G Le Paige. Esta actividad tiene como público objetivo a artesanos, artistas, diseñadores, productores, académicos, gestores de la administración pública o privada que trabajen para el desarrollo del sector artesano y estudiantes de carreras como diseño, arquitectura y ciencias sociales.

“Como Fundación Minera Escondida estamos muy entusiastas de desarrollar instancias como estas, donde el diálogo y el aprendizaje en conjunto puedan potenciar a emprendedores y empresarios ya establecidos de la zona a innovar y emprender. Queremos que los artesanos de la Región de Antofagasta puedan tener la oportunidad de experimentar y conocer experiencias exitosas a nivel mundial”, comentó Jenny Zepeda, Coordinadora de Desarrollo Productivo de Fundación Minera Escondida.

Desde Brasil, Italia, Chile, España y Argentina proceden los siete expositores que expondrán en las conferencias sobre trabajo en cuero, textil, cerámica, desarrollo para micro y pequeñas empresas creativas latinoamericanas.

Entre los expositores se encuentra Renato Imbrosi, uno de los más importantes expertos de diseño de artesanía sudamericana, contribuyendo fuertemente en el trabajo de desarrollo de comunidades artesanas de Brasil y África. Otra de las exponentes es Bárbara Guarducci, diseñadora italiana especializada en cuero y textil, actualmente desarrolla trabajos para UNIDO y GTZ en proyectos de desarrollo del sector artesano en Bangladesh y Etiopía.

Los interesados en participar en las Conferencias del Desierto, deben llenar una ficha de inscripción en nuestro sitio www.fme.cl hasta el 03 de octubre. Las inscripciones son gratuitas sin embargo los cupos limitados.

Cachipún 2012: Ana Avendaño y Paula Concha en la Galería de Arte de FME, organizada por Balmaceda Arte Joven sede Antofagasta.


A partir de este jueves 4 de octubre se podrá visita la exposición Cachipún 2012, en la Galería de Arte de la Fundación Minera Escondida (Av. O'Higgins 1280), y ha sido organizada por Balmaceda Arte Joven sede Antofagasta. En esta ocasión las artistas que exponen son Ana Avendaño y Paula Concha. La curatoria es del artista, productor y curador Jorge Wittwer.

Vía Balmaceda Arte Joven:

Cachipún tiene este 2012 su segunda versión y con la apuesta de enfrentar en un juego amistoso a dos artistas locales, la invitación este año fue extendida a dos mujeres. Cada una con su propia cosmovisión, coinciden en hablar de las migraciones y la movilidad de las personas por distintos territorios; una como observadora del dinámico entorno configurando un retrato humano de la mano de obra en Antofagasta y la otra en los zapatos del inmigrante, caracterizado en la figura de la provinciana o “la carmela” por el mundo. Ni Avendaño ni Concha se excluyen de estos procesos, ambas incluyen autorretratos en sus obras.

Exposición abierta de lunes a viernes de 09.00 a 13.00 hrs y de 15.00 a 19.00 hrs y los sábados de 11.00 a 14.00 hrs.

Proyecto de restauración del paisaje de Tudela-Culip (Club Med) en el Parque Natural del Cabo de Creus

Projecte de restauració del paratge de Tudela-Culip (Club Med) al Parc Natural del Cap de Creus from ielei Producció Audiovisual on Vimeo.


Vía Arquitectura Viva - El País

La deconstrucción del Club Med gana la Bienal Europea del Paisaje

El jurado concede el premio a la restauración del paraje Tudela-Culip en el cabo de Creus, elegido entre 352 proyectos


Laia Reventós Barcelona 28 SEP 2012 - 18:13 CET

El proyecto de restauración del paraje de Tudela-Culip, al norte del cabo de Creus (Girona), ha ganado la bienal europea del paisaje. En este increíble lugar, geológicamente uno de los más espectaculares de España, se construyó el complejo turístico Club Med en 1961. Tras su clausura, las instituciones quisieron borrar la huella dejada por aquel desarrollo urbanístico a través de un proyecto realizado por un equipo multidisciplinar de 45 personas.

El jurado del premio Rosa Barba, dotado con 15.000 euros, destaca que el proyecto dirigido por Martí Franch y Ton Ardèvol es una “muestra de restauración creativa de la naturaleza. A través de acciones de bajo coste, propone maneras de coreografiar la cultura y la naturaleza con un enfoque innovador, que pretende transformar al turista en explorador y reducir la distancia entre paisaje y personas”.

Tras conocer el resultado, los autores han manifestado a El País su "inmensa alegría" porque se haya reconocido "una obra coral" en la que han participado casi una cincuentena de especialistas y más de un centenar de trabajadores. "Desde aquí queremos mostrar nuestro profundo agradecimiento a todos ellos". Además, añaden, se sienten honrados porque desde ambos lados del océano Atlántico se premie un proyecto "llevado a cabo en este país por unas instituciones que supieron ver que la costa es para todos. Este es el premio a una actitud muy valiente, por desgracia todavía incomprendida". Recientemente, la Asociación Americana de Arquitectos Paisajistas (ASLA) eligió la restauración del paraje de Tudela-Culip como uno de los mejores proyectos de ordenación paisajística del mundo, el único europeo entre los nueve elegidos.

Martí Franch es paisajista por la universidad de Greenwich desde 1998 e ingeniero técnico agrícola por la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona (ETSAB) desde 1993. Fundó la empresa EMF arquitectura de paisaje en 1999, tras formarse en B+B (Amsterdam) y Kiefer (Berlín). Franch ha participado en la ordenación de los márgenes del rio Tet en Perpiñán (Francia), el cementerio de Laroque des Albères y la plaza de los Països Catalans en Palamós (Girona). Desde 2001 es profesor de proyectos de paisaje en ETSAB.

Ton Ardèvol es especialista en construcción y colabora con el estudio de arquitectura Mad desde 1973. Fundador del despacho J/T Ardèvol Associats, ha participado en la reconstrucción y ampliación del Gran teatro del Liceo, el edificio Fòrum, la Fira 2000 y también en la rehabilitación de la fachada de la catedral barcelonesa y del pabellón del Hospital de Sant Pau i la Santa Creu, entre otros.